Mediha Didem Türemen: “Como artistas, es nuestra responsabilidad contar historias que vayan más allá de la censura”

Del viernes 6 al lunes 9 de diciembre, se llevará a cabo en el Museo Aeronáutico de Perú (calle Manuel del Pino 448, Santa Beatriz), la cuarta edición de Perú Bienal. Este es un evento imprescindible que contará con los trabajos de 560 artistas, seleccionados de 22.566 postulaciones, de 60 países, relacionados a las artes plásticas, escénicas y digitales.

Por las señas dadas, se deduce que la organización tiene el claro objetivo de convertir a Perú en el centro de la industria artística y creativa en la región. Entre los platos fuerte de Perú Bienal, tenemos a la reconocida artista, productora y cineasta turca Mediha Didem Türemen, quien brindará la siguiente conferencia en la inauguración del próximo viernes: “Viajes de Inspiraciones: inspiraciones para la industria artística y cinematográfica”.

Sobre su presencia en Lima y sobre el impacto del arte en el mundo de hoy (muy polarizado e intolerante), La República conversó con Mediha Didem Türemen.

-¿Cuáles son sus expectativas para la próxima edición de la Bienal de Perú?

-Mi vínculo con la Bienal de Perú en realidad se remonta a dos años atrás. No pude asistir a la edición anterior debido a algunos contratiempos de último momento. Finalmente, estoy participando en este encuentro intercontinental de arte y culturas que he estado esperando con ansias. La Bienal tiene una rica selección que abre espacio para muchas ramas del arte. Sé que hay una amplia participación de muchos países. Me emocionó aún más que mis obras en la selección de la exposición de la Bienal fueran finalistas en la sección competitiva de la Bienal. Además, también estoy emocionada de compartir mis experiencias que se cruzan en los campos del cine y el arte en una conferencia que daré en el marco de la Bienal. Tengo mucha curiosidad por la charla que daré en la conferencia, las preguntas y la interacción del público. Esta es mi primera vez en Perú. Vengo desde kilómetros de distancia con curiosidad y alegría, tengo curiosidad por esta cultura y su perspectiva sobre el arte, y el estado del arte en la vida peruana. Siento que aprenderé y me inspiraré mucho de esta geografía.

-Eres actriz, productora, directora de cine y diseñadora de producción. ¿Cómo surgió este interés por el cine?

-Desde mi infancia me han interesado las historias y las narrativas visuales. Las experiencias que adquirí en el Grupo de Teatro mientras estudiaba en la Universidad de Estambul profundizaron mi amor por la narración de historias. La puesta en escena, la estructura dramática y los elementos estéticos aprendidos en el teatro ofrecen un campo de expresión más amplio cuando se combinan con el cine. Mi conexión con el escenario, que comenzó con los estudios de teatro, se convirtió en un deseo de crear un lenguaje visual y emocional en el mundo del cine. Cuando comencé mi maestría en Cine-TV en la Universidad de Bellas Artes Mimar Sinan, descubrí el poder de la narrativa visual. El cine me permitió expresarme como individuo y me ofreció un espacio donde podía hacer preguntas sobre temas sociales. El cine me ofreció un espacio único para contar historias multidimensionales al unir otras formas de arte. Desde el principio, trabajé en películas de arte y ensayo, tanto delante como detrás de la cámara. Al principio, eran películas con un equipo muy pequeño, pero obtuve una experiencia muy valiosa y tuve la oportunidad de observar y experimentar cada etapa. La primera película que diseñé compitió en el Festival de Cine de Venecia. Por lo tanto, también asumí responsabilidades con respecto a las relaciones internacionales y la producción de las películas. Desde 2020, me he hecho cargo de la producción de la última película de Nuri Bilge Ceylan, About Dry Grasses. La película tuvo un largo recorrido y una estructura multinacional. Trabajar con él fue una experiencia única y como una escuela. De hecho, he experimentado muchos beneficios de haber trabajado en diferentes campos hasta ahora durante el proceso de producción de About Dry Grasses, y también filmé el documental detrás de escena de la película. Esta película fue una coproducción de Turquía, Francia, Alemania y Suecia, tuvo su estreno mundial en la competencia principal del Festival de Cine de Cannes 2023 y fue nominada al Oscar de Turquía. Mientras trabajaba en películas de arte, he adecuado mi tiempo para la fotografía y el grabado durante las etapas de escritura del guion de las películas o durante los viajes de la película al extranjero. Por lo tanto, estoy haciendo diferentes trabajos que avanzan simultáneamente, y aunque es agotador, estoy feliz.

-Me gustaría saber cómo cuida el gobierno turco su cine nacional. ¿Existe protección estatal para la producción turca ante ofertas que vienen del extranjero?

-El Ministerio de Cultura y Turismo proporciona el fondo nacional de cine en Turquía. Además, TRT, como televisión estatal, también puede participar en proyectos como coproductor y se hace cargo de las películas durante la fase de producción. Además, las asociaciones y los fondos internacionales también son muy importantes en la realización de las películas. Hay muchas coproducciones que se llevan a cabo en Turquía y su número está aumentando, logran muchos éxitos en festivales internacionales y llegan a diferentes geografías. Por otro lado, la presencia de plataformas digitales en Turquía y las producciones que se llevan a cabo en esta geografía hacen que la industria sea muy dinámica.

-¿Cuál es el tema central de todo tu trabajo?

-Como artista, el tema principal en el centro de mi trabajo se halla en las relaciones que se establecen con el tiempo, la memoria y la naturaleza. En mis obras, abordo un viaje cíclico que lleva legados del pasado al presente y al futuro. Intento asignar roles a elementos de la naturaleza, símbolos arqueológicos, refracciones de la luz y cambios en la atmósfera en el contexto tanto de la realidad como de la ficción. Interpreto las conexiones entre los humanos y la naturaleza desde una perspectiva animista con elementos pertenecientes al mundo subconsciente como mitos, leyendas, recuerdos y sueños. Además, al entrelazar experiencias personales con sensibilidades ecológicas y culturales, invito al espectador a pensar en los humanos, la naturaleza y las fuerzas invisibles que los conectan. Mis obras, que reúnen narración visual, indagación cultural y conciencia ambiental, establecen una conexión entre tiempos y documentan el espíritu de la naturaleza y la cultura transmitida del pasado al futuro.

-En un mundo polarizado, ¿expresiones artísticas como el cine están en peligro debido a la censura?

-Sí, siempre existe el riesgo de la censura. Pero el arte es una herramienta poderosa para resistir tales restricciones y expresar cuestiones sociales de maneras creativas. Como artistas, es nuestra responsabilidad contar historias que vayan más allá de la censura. Mientras haya creatividad, una idea puede contarse infinitamente. El cine sigue encontrando nuevas formas de contar historias, incluso en condiciones difíciles. A pesar de toda la negatividad, la censura también obliga a los artistas a crear caminos alternativos.

-¿Qué películas peruana o latinoamericanas consideras valiosas?

-Conozco a Claudia Llosa de Perú, su película La teta asustada (2009) ganó el Oso de Oro en el Festival Internacional de Cine de Berlín; pero en general, lo primero que me viene a la mente es generalizar como América Latina. Por ejemplo, Iñárritu tiene una perspectiva muy amplia y es un director abierto a innovaciones, nuevas técnicas y estilos narrativos. También me gustan las películas de Carlos Reygadas, a quien tuve la oportunidad de conocer personalmente, y las películas de Amat Escalante. Estoy segura de que hay más directores que me han inspirado e influenciado, pero estos tres directores me vienen a la mente primero. También puedo mencionar la película Memoria (2021), que es una colaboración entre el director tailandés Apichatpong Weerasethakul y Brasil, y que se desarrolla en Colombia, en Latinoamérica, y que me impresionó mucho.

-Una de tus facetas es la fotografía. ¿Cómo puede la fotografía adaptarse a los tiempos actuales, que están más centrados en el vídeo?

-La fotografía tiene una estructura que permite al espectador tener tiempo y le permite profundizar, inspirar y soñar sin fin en ese momento. En las imágenes en movimiento, especialmente cuando entra en juego el sonido, hay significados completamente diferentes y viajes completamente diferentes. Eso también me encanta. En las imágenes en movimiento, el espectador es más pasivo, su imaginación se guía en cierto sentido según la trama, mientras que, en la fotografía, hay una ilimitación limitada. Ambos tienen un lugar valioso para mí. Para trabajar en la fotografía, llevo conmigo mi cámara y lentes, especialmente en una geografía que visito por primera vez. Esto es difícil, pero vale la pena. Por ejemplo, llevo mi equipaje de mano, que incluye mi cámara, lentes, micrófono y computadora, que pesa aproximadamente casi 10 kilos. Este equipo estuvo conmigo en mi viaje al Polo Norte y en mi viaje al Everest... Vale la pena. Creo que la fotografía todavía tiene su lugar, su emoción está en otra parte. La mayor comodidad que aporta la tecnología actual es, por supuesto, que este equipo ha comenzado a ser más ligero. Incluso podemos obtener resultados de muy alta calidad con los teléfonos. Me gusta seguir la tecnología de cerca, pero todavía me gusta llevar mi cámara y trabajar con ella.

-¿Pueden el arte y la cultura romper la polarización?

-Absolutamente. El arte y la cultura pueden superar los prejuicios al resaltar las experiencias y valores humanos compartidos. Es una herramienta poderosa para superar la polarización porque nos permite empatizar y comprender diferentes perspectivas. El cine, en particular, tiene el poder de contar una historia al público desde diferentes perspectivas. El poder liberador y unificador del arte es una herramienta única para romper la polarización.