-El inmediato antecedente de Los golpistas fue tu novela Los genios. Mario Vargas Llosa no está con nosotros y sabemos que fue clave para tu trayectoria con No se lo digas a nadie, tu primera novela. ¿Cuál es el recuerdo más entrañable que guardas de él?

-Guardo recuerdos entrañables. En 1993, yo vivía en Georgetown, Washington DC, y escribía como un demente No se lo digas a nadie. Mario y Patricia también vivían en Georgetown porque él estaba dando clases en la universidad. Salíamos a cenar y luego al cine. Nos veíamos los fines de semana, siempre por la noche, después de escribir. Yo me había casado y mi esposa Sandra estaba embarazada. A Mario y Patricia les encantaba cenar en un restaurante francés, Au Pied de Cochon, y luego íbamos a los cines de la avenida Wisconsin en un Mercedes negro que me prestaba mi cuñada Liza, que también vivía en el barrio. Ciertas tardes, cuando estaba escribiendo en mi mesa de trabajo con vistas a la calle 35, Mario y Patricia pasaban caminando en ropa deportiva. Vargas Llosa andaba con paso resuelto, como si fuera a la guerra, o como si viniera de ella. Cuando por fin terminé la novela, que era un mamotreto, se dio el trabajo de leerla. Luego nos encontramos en el hotel Palace de Madrid, donde le gustaba alojarse antes de comprar su piso en la calle Flora, y se tomó el tiempo de hacerme observaciones y sugerencias que, por supuesto, enriquecieron la novela. Fue inmensamente generoso conmigo. Poco después de que naciera nuestra hija Camila en el hospital de la universidad de Georgetown, Sandra y yo se la presentamos a Mario y Patricia y nos hicimos fotos, Vargas Llosa cargando a Camila. Esas fotos son ahora un tesoro. 

-¿Qué novela de Mario Vargas Llosa fue la que te marcó?

-Conversación en la Catedral. Por la mala relación entre Santiago Zavala y su padre Fermín, y por la homosexualidad clandestina de don Fermín, enamorado de su chofer.

-Los genios se impuso como el libro del 2023. Y la crítica lo saludó igualmente. ¿De qué alimentas tu perseverancia sabiendo que te enfrentas a muchos prejuicios cada vez que sacas una novela?

-Soy terco, porfiado, pero eso no tiene mérito. Escribo porque no sé vivir de otra manera. Si no escribo, me enfermo, y si me enfermo, muero. Escribo entonces para sobrevivir. Desde los quince años me he ganado la vida con las palabras, escribiéndolas y hablándolas. Nunca he escrito una novela, un cuento, una columna, pensando en el dinero. Escribo por pasión, por amor al arte, por amor a la vida misma. Mi vida es más rica, completa y peligrosa cuando me atrevo a escribir las novelas que no debería escribir.

-¿Cuál fue el reto mayor que tuviste con este proyecto?

-Yo conocí a Vargas Llosa y a García Márquez, no conocí a Chávez ni a Fidel. A Chávez lo entrevisté, pero vía satélite, no cara a cara, y nunca más lo vi. A Caracas he ido una sola vez, a La Habana nunca. A Caracas fui el año 2000 a presentar una novela y Chávez se molestó porque no le pedí una entrevista. Lo más difícil fue hacerlos hablar en la novela. Yo sabía cómo hablaban Mario y Gabo en la distancia corta, pero no de Fidel y Chávez. También fue difícil dibujar el personaje de Chávez sin poner énfasis en demonizarlo. Preferí humanizarlo, no satanizarlo. El título original de esta novela era Cabrones de mala entraña. Lo cambié porque no quería comenzar la historia insultando a sus personajes capitales. Que los insulte, si acaso, el lector. O que insulte al autor, si queda insatisfecho.

-Un factor clave en toda tu obra es el humor. En Los golpistas hay ironía y humor.  Es un golpe de Estado que parece un sitcom.

-Lo que ocurre es que el golpe que he narrado en la novela, el que le dan a Chávez en 2002, es un golpe risible, humorístico. Triunfa el primer día, Chávez capturado, y fracasa al tercer día, los golpistas se arrepienten y Chávez vuelve al poder. Fue un golpe que duró apenas tres días porque los conspiradores no sabían qué hacer con el poder, ni con Chávez mismo: si fusilarlo, enviarlo a La Habana o someterlo a juicio sumario. Fue entonces un golpe esperpéntico, salpicado de humor. Los militares conjurados eran amateurs, aficionados. Y Chávez siempre me ha parecido un personaje que, por su inmensa vanidad, su verbo florido y sus dotes de seductor, rozaba a menudo el ridículo, el esperpento.

-¿De haber tenido una infancia normal, Chávez pudo ser otra persona?

-Sin duda. Chávez creció lisiado del alma porque su madre le pegaba. Nunca se recuperó de ese trauma.

-Antes tu narrativa era autorreferencial, pero ahora ya no lo es.

-Tal vez escribo novelas para entender por qué pasaron las cosas. Mis primeras novelas fueron muy personales, muy íntimas, porque quería entender por qué mi vida se torció de esa extraña manera. Antes de escribir Los genios, pasé muchos años preguntando por qué Vargas Llosa le dio un puñetazo a García Márquez, y solo un puñado de escritores, amigos de ambos, se atrevieron a contarme, en voz baja, como si estuvieran conspirando, la verdadera historia que dio origen a la trompada, la fiebre de los celos que atacó a Vargas Llosa. Y he pasado los últimos veinte años preguntando por qué fracasó el golpe que le dieron a Chávez en 2002. He entrevistado a muchos personajes venezolanos en mi programa: políticos, escritores, periodistas, cantantes, músicos, humoristas. Y a muchos de ellos, fuera de cámaras, haciéndome el distraído, les preguntaba por qué en 2002 unos militares apresaron a Chávez, lo obligaron a renunciar, quisieron fusilarlo y, contra todo pronóstico, se pelearon entre ellos, se llenaron de culpas y temores y devolvieron a Chávez al poder. Y mis interlocutores nunca me daban una respuesta segura, bien informada. No sabían bien qué diantres había pasado, por qué Chávez salvó la vida en aquellos días y acabó derrotando a los conjurados. Poco a poco, leyendo, preguntando, siguiendo mi curiosidad, he armado el rompecabezas, hasta que me atreví a escribir la novela.

-¿A qué factor se debe el cambio en el punto de vista de tus dos últimos libros?

-La idea de escribir la novela sobre el puñetazo de Mario a Gabo agitaba mi imaginación hacía décadas, pero no me atrevía a fabular esa novela altamente riesgosa y en cierto modo parricida. Y la persistente inquietud de escribir sobre Chávez y sus golpes, y sobre cómo Fidel guio a Chávez al poder y le salvó la vida, también me perseguía hacía años. Pero, en otros tiempos, yo era bastante infeliz y tal vez por eso escribía libros tratando de entender por qué era tan infeliz. Quiero decir: escribía sobre mi vida porque me parecía que era un absoluto fracaso sentimental, intelectual y moral, que solo sabía ganarme enemigos, y entonces escribir era escapar de ese fracaso o atenuar la sensación de fracaso. Pero hace unos años, gracias a mi esposa y a ciertos médicos, encontré soluciones químicas a mi infelicidad. Me da miedo decirlo, pero ahora estoy en paz con mi vida, me he reconciliado con mi pasado, acepto melancólicamente mis fracasos, no me duelen tanto. Y como ya no soy tan infeliz, no me apetece seguir contando historias inspiradas en mi vida fracasada. Ahora que mis días son, en promedio, bastante felices, encuentro que de ellos no podría salir literatura. La felicidad riñe con el arte. Por eso ahora busco el arte en otras vidas.

-Los golpistas sale en un momento histórico en el que Cuba y, especialmente, Venezuela atraviesan profundos cambios. ¿A qué crees que se deba que fueran dictaduras muy largas que marcaron a generaciones de cubanos y venezolanos?

-La respuesta quizás está sugerida en la novela: Fidel Castro fue un dictador popular y carismático, y al mismo tiempo astuto y maléfico, que no dudaba en fusilar a sus amigos. La mayoría de los cubanos apoyaron a Fidel al menos dos décadas, en los sesenta y setenta. No era un dictador cualquiera, ordinario: era un gran conspirador, un genio del mal, un hombre que leía la traición en los ojos de sus amigos. Por eso sobrevivió tantas décadas en el poder, sin que pudieran derrocarlo. El caso de Chávez no es tan distinto: era un encantador de serpientes, un gran seductor y, a pesar de su formación militar, un hablantín, un comediante, un animador de televisión, un orador que amaba escucharse a sí mismo. Por eso encontraron la manera de preservar el equilibrio en la cuerda floja del poder: porque eran, al mismo tiempo, seductores y despiadados.

-La novela calza con lo que estamos viendo en el mundo con los gobernantes.

-Fidel le dice a Chávez, cuando este sale de la cárcel y viaja a La Habana: olvídate de dar más golpes, funda un partido político, inscribe tu candidatura y vas a barrer en las elecciones porque el pueblo te ama. Y luego, en el poder, harás la revolución. Y no olvides nunca que el pueblo es una hembra y tú eres el macho, tienes que seducir al pueblo y cogerte al pueblo, follarte al pueblo. Chávez entendió bien el guion y lo ejecutó con notable eficacia. Fidel era mucho más inteligente, desde luego, pero Chávez era más simpático, más risueño.

-¿Es la ideología la que hace que algunos vean las cosas del modo que quieren?

-No es la ideología. Es el poder. Es el amor a ese narcótico adictivo que es el poder. Cuando un hombre enamorado de sí mismo se enamora además del poder, estamos jodidos. Pasó con Fidel y con Chávez, que por narcisismo eran ya incapaces de abandonar el poder, pero también pasa con Trump, un señor con la cabeza despoblada de ideas o de ideales, cuya única ambición es el poder para seguir embriagándose de sí mismo y para aplastar a sus enemigos.

-En el capítulo sobre el encuentro en La Habana, en donde se celebra el cumpleaños de Fidel Castro, tenemos a Hugo Chávez y García Márquez. El poder que seducía a García Márquez no era el poder político, sino el poder de sentirse parte de la historia.

-De los tres, quien más poder tenía era García Márquez. Entendía sabiamente que, si entraba en política profesional y postulaba a la presidencia de su país, perdería poder, caería varios peldaños en la escalera del poder. Fidel y Chávez pedían consejo a Gabo, no al revés.

-¿Qué sensación te genera la política peruana actual?

-Yo elegí irme del Perú después del golpe de Fujimori y desde entonces solo he regresado brevemente, por temporadas, o los fines de semana, cuando hacía El Francotirador. Pero sigo con genuina curiosidad lo que pasa en el Perú y me gusta mucho ir a Lima para abrazar a mi madre y a mis lectores. Mi impresión es que los políticos peruanos, sean de izquierda o de derecha, siempre encuentran la manera de decepcionarte, siempre consiguen que te avergüences de haber votado por ellos. He resuelto que no votaré más y no apoyaré a ningún candidato porque sé que después me voy a arrepentir.

-¿Esta es la peor etapa de historia política peruana?

-No es la peor etapa porque, a pesar de los políticos, que son un desastre, la economía todavía va bien. Mucho peor fue la dictadura militar de Velasco y Morales. Mucho peor fue el primer gobierno de Alan.

-En los últimos meses la imagen de presidente José Jerí está siendo muy cuestionada.

-Me cuesta trabajo entender las cosas que hace. No está preparado para ser presidente. Comete errores muy torpes, de principiante. No le puedes pedir a un ratón que se convierta en un gato.

-¿Llega Jerí al final de su gobierno?

-No tengo la menor idea. Pero quedará manchado.

-¿Rafael López Aliaga te recuerda a Trump?

-No me recuerda a Trump. Me recuerda al Opus Dei. Es un conservador religioso. Defiende ideas antiliberales.

-¿A qué candidato ves con opciones?

-El Perú es un país tan impredecible que cualquiera puede ganar, incluso los que ahora tienen uno por ciento de intención de voto.

-Hoy el periodismo está atravesando muchos cambios radicales. ¿Qué les dirías a los periodistas jóvenes?

-El buen periodista debe ser valiente. No debe tener miedo a que lo despidan. Debe jugarse el empleo en cada pregunta, cada entrevista, cada investigación, cada reportaje. Un periodista que tiene miedo a quedar desempleado está cojo, lisiado. Y el buen periodista tiene que estar siempre en la oposición al poder de turno. El periodista que quiere ser presidente, o diputado, o senador, o ministro, o embajador, está jodido, se ha suicidado. El periodista debe expresarse desde la orilla contraria al poder. Y para ser un buen periodista ayuda mucho ser curioso y leer todo lo que se pueda. Si el periodista no lee, corre el riesgo de ser un chismoso, y de esos hay muchos.

-¿Qué te gusta más de Perú?

-Que ahora encuentro muchos lectores que me aprecian como escritor y me animan a no desmayar y seguir escribiendo hasta el final de los tiempos. Ya no me preguntan: ¿cuándo vuelves a la televisión? Ahora me preguntan: ¿cuándo sale tu próximo libro?

En el pasado mes de febrero, este proyecto fue elegido como la mejor película peruana de 2025 en los Premios APRECI. Un mes después, en marzo, Uyariy se proyectó en la edición 29 del Festival de Cine de Málaga. Y el próximo jueves 9 de abril hará su estreno en las salas comerciales de cine de España.

“El estreno de Uyariy fuera de Perú es posible gracias al impulso de los espectadores. En realidad, el público le ha dado una visibilidad a la película y ha permitido que esta historia, la historia de los familiares, la historia de lo que sucedió, cruce las fronteras. Uyariy está en España y también estará en otros países de Europa. Hay muchísimos peruanos en Europa que quieren ver esta película. Fue importante también que Uyariy haya sido elegida como la mejor película peruana en los Premios APRECI”, declara para La República el director Javier Corcuera.

Recordemos que el estreno del documental en salas peruanas, en enero último, estuvo pautado por la polémica a razón de que lo habían programado en horarios difíciles para el público interesado. No obstante, fue el público el que respondió llenando esas funciones imposibles, lo cual hizo que la programación cambie a horarios más amables. A días de su estreno en salas comerciales españolas, Uyariy tiene varias salas completamente llenas. El interés por el documental es patente.

Tema universal

“Si bien Uyariy trata sobre una masacre que pasó en Perú, Uyariy es una película universal. Lo que ha sucedido en Perú está pasando en el mundo. Hay un desprecio por el otro, una sistemática violación de los derechos humanos saltándose todas las normas internacionales. Incluso estamos viendo genocidios televisados. Uyariy es una historia en este momento universal. Cada vez estoy más convencido de que Uyariy es una película de dignidad y valentía. La película es de los familiares de las víctimas”, precisa Corcuera.

En los días en los que Uyariy estuvo en las salas comerciales, hubo una marcha de sacrificio de los familiares de las víctimas. Esta marcha se llamó Uyariy (escuchar en quechua) y tenía el objetivo de reclamar justicia ante las autoridades. Hay, pues, factores que acompañaron a Uyariy en su viaje. Al respecto, Corcuera indica: “Las películas no van a cambiar el mundo, pero sí pueden cambiar a las personas que pueden cambiar el mundo. Para mí, lo más importante es sentir que los familiares se reconocen en la película”.

La emoción

Todos los documentales de Javier Corcuera proyectan una luz especial más allá del evidente cuidado formal y estructural. Corcuera es de los pocos cineastas peruanos con gran público. Su secreto no es otro que el asombro constante.

“El cine es emoción y la emoción no tiene lugar. Cuando una historia te llega, por muy lejana que sea, es porque existe una conexión. Lo que pasó en Juliaca está pasando en otras partes del mundo. Cómo no indignarse. Las amenazas de los poderosos son descaradas. Estamos en un momento en donde los millonarios hacen lo que les da la gana. Entonces, hay una sensibilidad del espectador que se acerca a películas de este tipo. Él se emociona y siente esas historias de aquel lugar lejano muy próximas. El cine es un arte que trabaja la emoción. Las películas te tienen que hacer sentir cosas. El cine es maravilloso porque admite todos los géneros y lo que yo busco es emoción en las películas. Es muy importante, además, que las películas no tengan fecha de caducidad, que vayan a la esencia de las cosas. Porque si no, unos años después las películas envejecen. Pero cuando tú vas a la esencia de las cosas y trabajas desde el lenguaje cinematográfico con la emoción, las películas no caducan, porque van a la esencia, y porque la emoción no caduca. Eso queda en el espectador”.

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Datos:

Sala llena. A días de su estreno en salas españolas, ya hay funciones agotadas de Uyariy.

Histórico. Uyariy es el primer documental que recibe el galardón a mejor película peruana del año (Premios APRECI).

-Tus novelas no se repiten, pero guardan lazos temáticos e incluso estructurales en común. El humor está en todas ellas. Y también en 'Canon de cámara oscura'. ¿Cómo mantienes el humor mientras escribes?

-No es que lo mantenga, es que es innato en mí. Pero tardé en darme cuenta de que tenía sentido del humor, y eso también es cómico.   

-'Canon de cámara oscura' es una de tus novelas más críticas de su tiempo. -Hay en ella un factor universal: la libertad, que podría ser también autenticidad. ¿Cuán amenazada sientes a la libertad/autenticidad hoy?

-Decía Wittgenstein que, cuando la gente no comparte el mismo humor, es como si entre ciertos individuos existiese la costumbre de que una persona arrojara un balón a otra, y se estableciera que la otra persona tenía que atraparlo y devolverlo, y que algunas, en lugar de devolverlo, se lo metieran en el bolsillo… Créeme, temo esos momentos en los que digo algo en libertad y observo que tengo ante mí la cara atroz de un fascista que se mete en su bolsillo la frase libre y feliz que acabo de decirle.

-Vidal Escabia, el protagonista de la novela, siguiendo la voluntad de su amigo y maestro Altobelli, se propone armar un canon intempestivo (o personal) de los libros que le dejó. Aquí, aparte de una apuesta por el gusto personal del lector, hay también una crítica al canon literario oficial. ¿Cuán deteriorado ves al canon oficial?

-Lo veo en ruinas. Te recomiendo 'El uso de las ruinas', un libro del escritor francés Jean-Yves Jouannais (el mismo de 'Artistas sin obras') que reconstruye la historia de la destrucción de ciudades desde Mesopotamia hasta la Zona Cero. Es apasionante.

-Todos tus personajes tienen un factor que los hace vulnerables. En el caso de Escabia, su hija Ryo. Miente cuando le preguntan por ella, por ejemplo. Pero Ryo es también su fortaleza. ¿Cómo te decidiste por una hija en esta novela?

-Incluir una hija llamada Ryo en la novela era dar una patada a cualquier idea de escribir una autoficción. Y otra patada, hacer que Vidal Escabia hubiera nacido a la edad de 24 años, pues eso provocaba que no hubiera tenido infancia, lo que a mí como autor me impidió recurrir en algún momento a recuerdos de infancia propios… Más conjurado contra la autoficción no se puede estar.

-Vamos a dejar para la curiosidad del lector lo del nacimiento de Escabia. La tradición literaria es un tema constante en tu narrativa. Otra lectura de la novela vendría a ser un señalamiento a lo que se quiere pasar como novedoso, algo que ya se ha hecho antes. ¿Sientes que se miente mucho cuando se habla de lo nuevo en las tendencias literarias?

-Más que en lo que se miente, el problema está en lo mucho que se ignora. Por ejemplo, se crea una lista de novelas españolas que hablen de la figura del padre, y en 50 títulos no aparece la que para mí ha sido esencial entre todas ellas: 'Tiempo de vida', de Marcos Giralt Torrente.

-El mundillo literario está en la novela. ¿El mundillo literario es un espectáculo en sí mismo?

-Solo es mundillo, jamás llega a ser literario.

-¿Es Kafka el gran homenajeado en 'Canon de cámara oscura'?

-No lo había pensado, pero ya que lo dices me temo que es imposible que no lo sea. El otro día, estuve en un coloquio interminable sobre la Verdad, el tema era la búsqueda de lo verdadero y, como digo, se eternizó y me puse nervioso y todo el rato tenía la tentación de interrumpirles y decir: “¡Basta! Sabed que ya Kafka nos dijo que la verdad es indivisible y que por eso no puede conocerse a sí misma y que quien quiera conocerla, tendrá que reconocer que ha dado con una media mentira, o una mentira total, jamás con la verdad absoluta porque esta es indivisible y para observarla o “conocerla”, tendríamos que separarnos de ella, creando una división entre el sujeto y el objeto que rompería su esencia.

-En 'Canon de cámara oscura' Escabia forja su discurso literario en base a 71 libros escogidos de lo que le dejó Altobelli. ¿Cuál te gustaría recomendar a tus lectores?

-Entre otros, el diario de Julio Ramón Ribeyro, 'La tentación del fracaso', lleno de fragmentos que siempre me han perseguido; alguno de ellos está en mi 'Canon'.

-¿La literatura y el arte son los refugios que nos quedan? El final de la novela es premonitorio.

-Bueno, no sé si es premonitorio, pero de que la Amenaza sigue ahí no tengo ninguna duda; camina sigilosa por las calles del barrio y lo peor: nuestro refugio artístico solo nos permite asomar la cabeza al vacío. 

-Tienes 20 novelas. Cuando escribes, ¿escribes contra algo? ¿De dónde viene tanta inventiva?

-Desde que, en el invierno del 78, leí 'Tristram Shandy', en cada novela escribo contra una idea u otra, ideas ya establecidas, no discutidas. Y eso fue porque creí ver que Laurence Sterne parodiaba las estructuras narrativas en boga durante el siglo XVIII. Y en cierta forma, casi automáticamente -de ahí vendría la posible sensación de libertad que creo que se desprende de mi inventiva-, me puse a hacer lo mismo con los grandes dogmas de los siglos XIX y XX.

-¿Te gusta o desagrada que digan que eres un autor metaliterario?

-¡Pero qué manía con la “metaliteratura”! Si es que esta no existe, es algo inherente a la escritura, es en realidad un “cliché crítico” y lo que se etiqueta como tal es simplemente literatura (nada de “meta”) que reflexiona sobre sí misma, cosa que, deliberada o no deliberadamente, hace cualquiera que escribe una novela. 

-De tu obra se ha precisado que es muy experimental, muy dialógica con la tradición literaria, por ejemplo; pero no se ha subrayado mucho que es muy crítica de su tiempo.

-Sí. Mi 'Canon' es una crítica festiva de su tiempo y, por eso, es “intempestivo”, porque pienso que, como en su momento ya indicara Nietzsche, para ser realmente contemporáneo hay que ser ligeramente inactual. 

-¿Cómo llevas el reconocimiento? Desde hace varios años eres mencionado para el Nobel de Literatura.

-Este octubre pasado fue especial, porque estuve en el top 5 del Nobel, lo que me sentó bien, pero no por estar en él, sino porque esa posición logra que la gente lea a escritores como yo que de otra manera no leería. De pronto, un buen número de personas están diciéndote que podrías ganar el premio Nobel, y así ya no necesitas ganarlo.

-El ensayo es esencial en la composición de tu escritura, pero me gustaría saber si lo tenías presente cuando empezaste a escribir o descubriste su fuerza, ya como nervio permanente, a medida que ibas escribiendo y publicando.

-Cuando empecé a escribir relatos en el cuartel militar de Melilla, ni intuí que un día me convertiría en un ensayista o, mejor dicho, en un autor de “ensayos narrativos” o como quieran llamarlos. Descubrí en Sergio Pitol, en su libro 'Nocturno de Bujara', lo sencillo que era el trasvase de géneros. Estás narrando una cena en el hotel Reid´s de Madeira y de pronto, sin que se note, la prosa es ensayística. Pitol fue un pionero en esto y, como dijera Rodrigo Fresán, “fundó la literatura del siglo XXI”.

-Conociste a Alfredo Bryce. ¿Qué recuerdo tienes de él y qué libro suyo te gustó?

-'Un mundo para Julius', lo leí en el momento adecuado, ideal para sentir que yo también podría ser Julius. Viajamos Bryce y yo juntos una vez a París, una invitación del Instituto Cervantes. Apenas pude hablar en la sesión correspondiente, porque Bryce no paró de cautivar al público con tiernas y cómicas historias de “peruanos en París”. Cada vez que llegaba mi turno y me daban la palabra, no sabía qué decir que pudiera conectar de alguna forma con los peruanos en París. En uno de sus turnos anduve tan desorientado que, lo recuerdo muy bien, llegué a preguntarle al público por qué eran los problemas gramaticales tan duros e imposibles de erradicar. Y me respondí a mí mismo que si eran tan problemáticos era porque estaban conectados con las imágenes más antiguas que están acuñadas en nuestro mismo lenguaje. 

Una de las características de la obra de Mazeyra es que la misma siempre ha estado en diálogo con la novela episódica. Sus relatos, si bien exhibían una coherencia interna de sus elementos, en conjunto daban la impresión de que podían ser leídos como una novela a razón de la recurrencia de sus personajes. Sus siete libros de relatos son igualmente su biografía literaria, pero no por la autorreferencialidad, sino por la apuesta por el relato fragmentario, dimensión en la que encontró lo más importante que debe tener un autor antes que ganas de contar y traumas por compartir: el tono. Ese tono de la voz narrativa que muchos escritores no hallan nunca y que, por eso, vemos a más de uno pimponeando ante la tendencia narrativa de la temporada. Un escritor sin tono es un farsante. En este sentido, Mazeyra ha respetado su tono y lo ha ido puliendo tanto con títulos sólidos como con los irregulares.

La primera novela

El mar que nos espera, de Orlando Mazeyra, es la novela ganadora del Primer Premio Internacional de Novela FILAY (Feria Internacional del Libro de Ayacucho). El fallo se dio en mayo del 2025 y el jurado estuvo compuesto por los escritores José Guich Rodríguez (Perú), Claudia Apablaza (Chile) y Mauricio Montoya Vásquez (Colombia).

Durante un verano en Camaná, un grupo de amigos queda marcado por una experiencia límite en la que se mezclan las drogas con el espiritismo; el espacio en que se inició esta pesadilla obedece al nombre de Las Cuevas. Lo que se suponía que sería una experiencia juvenil más deviene en hechos signados por la muerte de quienes participaron en esa sesión. Las pesadillas que tienen, a saber, están pautadas por la presencia de un niño decapitado.

Siguiendo la estrategia de sus relatos, Mazeyra apela, por grandes tramos, a un narrador protagonista, un testigo de los hechos; y se mantiene fiel al carácter fragmentario/episódico de la narración. La narración por fragmentos es el camino que sigue Mazeyra porque le permite golpear mejor. No hay que confundir con efectismo. En esa brevedad, Mazeyra desarrolla un discurso verosímil, y verosimilitud es lo que requiere una historia con varias capas narrativas (pensemos en la casa maldita ocupada por religiosos años atrás a los acontecimientos que nos cuentan y en la reflexión sobre la vocación literaria), en las que se hace uso de varios registros, como el terror psicológico.

Este recurso episódico le da la libertad al autor para insertar microhistorias, como aquella en donde Vargas Llosa se somete a una sesión, en Ayacucho, con un brujo que le asegura que ganará el Premio Nobel de Literatura. La condición para que se le conceda el galardón: el laureado escritor no tiene que publicar la segunda parte de sus memorias.

El mar que nos espera es una novela oscura, pero entretenida. Se lee rápido y se retiene lo leído. Eso solo lo consigue un autor con oficio. Mazeyra es una voz importante de la narrativa peruana actual.

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Dato:

Disponibilidad. El mar que nos espera puede hallarse en librerías limeñas y arequipeñas. Precio: 40 soles.

De acuerdo con el eje conceptual, podemos ver trabajos en los que impera la técnica, otros que suman a la misma una crítica social. Pero lo que más destaco de la exposición es la consolidación de no pocas propuestas personales. Hay en los trabajos una madurez que solo se alcanza con la perseverancia. La mayoría de los artistas tienen exposiciones individuales en sus trayectorias; he ahí la proyección sólida tanto en lo individual como en lo colectivo. La distribución de las obras en la sala, consignemos, resulta amable; más aún cuando hablamos de varias decenas de trabajos.

Como hemos indicado en más de una ocasión en La República, las artes plásticas en Perú están atravesando un momento de mucha expectativa y Somos Libres. Volumen 2 se inscribe dentro de ese escenario. Destacan las obras de Lin Belaunde Morla, Denise Jiras, Elliot Túpac, Dolores Huamán, Julia Ziolek, Verónica Penagos, Marcos Palacios y Nadia Gilvonio.

Sugerimos ver la exposición los fines de semana. Hay mucha vitalidad cultural. Hasta las 5.00 p. m.

Si la memoria no me falla, creo que esta es una de las exposiciones más sólidas de los concursos nacionales de pintura del BCR. Y es, del mismo modo, la que más vitalidad exhibe a razón del tratamiento de los tópicos, como la Amazonía, la memoria histórica relacionada con los años de la violencia, la situación de la mujer, por ejemplo. Hay una frescura en la muestra que no podemos dejar de consignar.

“Puerto Linda” de Úrsula Mur es la obra ganadora. Está inspirada en la comunidad awajún de Puerto Linda. La pieza genera sensaciones encontradas. Tenemos dos personajes que miran al espectador, como si los interpelaran; pero es lo que hay detrás en donde se revela una riqueza cultural ligada al trabajo en comunidad. La postura de los dos personajes le da a la obra una aproximación a la actualidad de la Amazonía, la cual no afecta el poder que transmite la pieza: la dimensión poética que la recorre.

En lo personal, me gustó mucho “El Huishmabu” de Fredy Tuanama. La obra se basa en los orígenes del pueblo shipibo-konibo. Está la leyenda del Sol y la Luna, mas lo que destaca es su atemporalidad. Algunos verán el arte kené en diálogo con los actuales registros digitales; otros miraremos la vorágine musical del rock setentero. Tiene todas las señas de la psicodelia. La pieza tiene algo que otras de su temática: encienden la curiosidad por saber cómo se conectaban con el universo los fundadores de este pueblo.

Entre las menciones honrosas, tenemos a Graciela Arias con “El silencio del machete donde descansa la lucha”, está Marialejandra Lozano y “Ritos de lo que queda (Perú en proceso)”, y Adriana Ciudad con “Mamá necesita volar sola un rato”. A ellas se suman 21 artistas más en calidad de finalistas. Queda la sensación de que cualquiera de los artistas de la muestra pudo obtener el primer lugar o las menciones. Pienso en “La herida” de Carlos Valdez Espinoza, “Cuerpo Erguiendo” de Verónica Levy y “Territorios en tránsito” de Eduardo Cochachin.

No solo hay artistas de Lima, también de Loreto, Ayacucho, Arequipa, Áncash, Huancayo, Pasco y Cusco. La calidad de la muestra brinda al espectador un acercamiento sobre cómo se concibe la pintura hoy. Es una aproximación amable precisamente por su calidad. Vayan a verla.

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Dato:

Temporada. La muestra va hasta el 3 de mayo. Dirección: jirón Lampa 474, Cercado de Lima. El ingreso es libre.

Este es el caso de Daniel Soria, autor de un cuentario hoy inubicable, Tres heridas nocturnas (1999). En los anales literarios podemos encontrar la siguiente información: Soria, en un arrebato de furia, quemó “todos” los ejemplares de su primer libro en la Costa Verde. Por suerte, sobrevivieron algunos libritos, que llegaron a las manos de determinados lectores que supieron recomendarlo. Uno de esos ejemplares llegó a mis manos a finales de 2005. Es decir, 6 años después.

Me gustó Tres heridas nocturnas. Razón más que suficiente para jugármela por Soria al incluirlo en una antología de nuevos narradores peruanos que publiqué en 2007, antología que se suponía debía dar cuenta de autores aparecidos a partir del 2000. No importó que el libro hubiera salido en 1999.

En el año 2008, en un café de Lince, Soria me pasó el anillado de su primera novela. Aquella vez hablamos en detalle del entierro griego de su primer cuentario y de otros temas relacionados con el ambiente literario. Cuando regresé a casa, leí el anillado. La novela me gustó más que su primer cuentario. La novela se titulaba Monólogo en blanco humo. También sentí desazón porque no tenía idea de alguna editorial que pudiera publicar el libro. Estaba ante un caso injusto: un buen narrador sin editorial. En esos años, el circuito editorial no era como lo es hoy, aunque sigue prevaleciendo el lobby, en especial cuando hablamos de los grandes grupos editoriales.

Pasaron 3 años de la reunión en ese café y Soria publicó Monólogo en blanco humo con su editorial Delfín Arisco. Me gustó la actitud: saca lo tuyo y tú mismo juega tu partido sin estar viviendo en un permanente estado de sobonería con editores y escritores.

En la novela tenemos dos historias en paralelo y en contextos diferentes, la de David y Carmela.

David es un muchacho con gusto por la literatura, la música y el pensamiento. Por su formación, no tardamos en deducir que estamos ante un pata en constante cuestionamiento de sí mismo, siendo su cuestionamiento mayor su pasado, como explicarse de quién es para saber quién es. Vive los años del desastre, o sea, los ochenta. Por su parte, Carmela es una educadora a la que en apariencia le va bien; en realidad le va bien gracias a su esfuerzo, mas no en el amor. Ella vive lo que tiene que vivir en los años sesenta, los años de los descubrimientos y de la emancipación hormonal y personal. A ellos se les suma un tercer personaje, Lima, la ciudad vital y al mismo tiempo asfixiante.

En principio, podríamos estar ante una novela que explora los senderos del hartazgo existencial; ambos personajes brindan más de un detalle depresivo. Pero no, lo que leemos es una historia sobre el reencuentro del pasado con el presente y viceversa. Podemos tener nociones de lo que finalmente pueden ser David y Carmela, pero Soria se vale de recursos que nos alejan de ese misterio, misterio que en realidad no nos interesa conocer, puesto que esa intriga cae en un agradecido segundo plano que nos permite disfrutar de una prosa que sabe bien a qué obedece, prosa que sabe bien cuál es su destino.

He vuelto a leer los dos libros de Soria. Los he comparado con los cuentarios y novelas que aparecieron en la primera década del 2000; Soria es quien mejor crea las atmósferas. Hay un Onetti pop por ahí. E igualmente los he comparado con la ficción peruana que salió en los últimos 15 años. La propuesta de Soria se impone a la de muchos autores.

En medio del carnaval de posicionamientos que estamos viendo en los últimos meses, no haría mal fijarse en voces serias como las de Soria. Busquen sus libros o ténganlos en el radar.

-¿Cuán cómplices han sido los perros en tu trayectoria narrativa?

-En toda mi carrera literaria, hasta hoy, siempre ha habido algún perrete en casa. Es decir, los perros no son para mí unos desconocidos; han formado parte de mi vida siempre.  Con Tifis y con Argos yo compartía mis horas de escritura y cuando alguien me preguntaba quién conoce el contenido de tus novelas, con quién hablas de lo que estás escribiendo, yo siempre decía y siempre lo digo: antes Tifis primero, Argos después y ahora Barbie, porque son ellos los que se sientan a mi lado mientras escribo y a los que les voy hablando, les voy contando y preguntando qué hacemos con este personaje, por ejemplo. Los perros son los depositarios de mis secretos literarios. No ha habido ni un momento de mi vida en el que no haya habido un perrete cerca de mí. No me acostumbraría a vivir sin la presencia de un perrete.

-Cuando ellos se van no es un libro que se planifica.

-Yo estaba escribiendo una novela que saldrá el año que viene si es que logro terminarla, y cuando Argos se marchó no supe cómo gestionar ese dolor, porque es la primera vez, a pesar de que siempre he tenido perros, que un perro muere en mis brazos.  Cuando escribí este libro, no lo hice pensando en que contaría lo que me estaba pasando, sino que aproveché para contar una parte de la historia de los perros y los hombres desde los albores de la Humanidad. Los perros siempre han estado presentes en la vida de los hombres. Los perros son nuestros compañeros desde el principio de los tiempos.

-En el libro hay muchísima cultura, explicas el contexto histórico. Está muy bien estructurado.

-Yo no habría escrito nunca este libro si no hubiese sido por esa desolación que sufrí con la muerte de Argos. Este libro ha tenido para mí un efecto terapéutico. Lo que yo he querido explicar es que la presencia de los perros en nuestras vidas no es algo nuevo, no es una moda. En las cuevas prehistóricas, por ejemplo, además de bisontes y ciervos, aparecen siempre perros. Los perros no forman parte de la historia de los hombres desde hace cuatro días.

-Como si los perros fueran una moda del mundo moderno. No están muy reconocidos.

-Es la arrogancia de los seres humanos. Creemos que podemos mirar por encima del hombro a los animales, incluidos a los que nos han acompañado. Hay un desconocimiento en la sociedad de hoy de la importancia de los perros en la historia. Los antiguos persas, te cuento, decían que todo aquel que maltratara a un perro no iría al cielo. El cielo para ellos era la Casa de la Música y el infierno era la Casa de las Mentiras.

-Este libro tiene empatía. Es como si nos conectáramos con el otro mediante el perro.

-Sin lugar a dudas, este es el libro más emocional que he escrito. Lo he escrito con las tripas, con los sentimientos, más que desde la razón. Supongo que por eso he conectado también con otro tipo de lectores, con lectores que a lo mejor nunca han leído una novela mía o nunca han leído un libro, pero que de repente, cuando este libro ha caído en sus manos, han entendido de qué les hablaba porque ellos también tienen un perro o ha habido un perro que ha formado parte de su vida.

-Tu narrativa conecta con todo tipo de lectores, tanto entrenados como con aquellos que no lo son tanto. La crítica te ha tratado bien, pero la noto más entusiasta con libros que muy poca gente lee. ¿Esto no te genera desazón?

-A mí me importa lo que piensan los lectores. A mí me importan esos encuentros que tengo con lectores a lo largo y ancho, no solamente de España, sino de tantos y tantos países que voy recorriendo. Yo no me siento, además, maltratada por los críticos. Siempre he recibido críticas mayoritariamente favorables. Yo lo que creo es que a veces no saben muy bien dónde colocarme.

-Ese es un problema.

-Yo creo que eso les sucede a los críticos cortos de mira. Los críticos cortos de mira son los que todavía tienen prejuicios. El prejuicio de si este escritor vende muchos libros, pues esos libros no pueden ser buenos porque los entiende la mayoría. Entonces, ¿qué pasa aquí?  A mí eso siempre me ha parecido de una soberbia insoportable. Es decir, el pensar que solamente una minoría es capaz de degustar la literatura me parece ya un planteamiento soberbio y sobre todo por injusto. Los críticos están llamando imbécil a buena parte de los lectores.

-Por ser exitosa, ¿te han mirado alguna vez por encima del hombro?

-Pues mira, si eso ha pasado, no me doy por enterada. Yo no pierdo mi tiempo en debates con gente soberbia. Es verdad que todavía hay una mirada en cierta parte de la crítica que no sabe dónde colocarte, porque dice: “Bueno, el libro está muy bien, pero si lo lee mucha gente, entonces algo está fallando”, como si la minoría solo es capaz de degustar lo verdaderamente bueno. Se olvida que hay autores que han vendido millones y millones de libros, y cuya calidad literaria está fuera de toda duda.

-O sea, si un escritor tiene muchos lectores, está mal.

-Para cierta crítica, tener muchos lectores te convierte en sospechoso. Yo me siento muy afortunada de llegar a mucha gente. Yo escribo para los demás; es una manera de comunicarme con los otros. Agradezco a las personas que me acompañan leyendo mis libros. Me siento una privilegiada y prefiero que todas esas personas me acompañen a que alguien en un periódico diga pues es estupendo este libro o no me gusta este libro. A mí lo que me importa es lo que piensan los lectores.

-Te aproximas a los perros por medio de grandes escritores, pintores y cineastas. Es indudable que aquí está la Julia Navarro periodista. Cuando ellos se van es también un gran manual cultural.

-Yo he escrito de lo que sé, de lo que a mí me ha dejado una huella. No fue una decisión de decir ahora voy a hacer aquí un alarde de cultura. Imagínate la cantidad de novelas o de obras literarias donde aparecen perretes que yo no he nombrado, o la cantidad de cuadros, o la cantidad de historias de aventuras. Nunca fue mi intención escribir un manual cultural. Siento que a mi libro le faltan muchos perretes.

-Tampoco hay soberbia intelectual en estas páginas.

-La verdad es que los que me conocen dicen que es un libro en el que estoy yo. Y sí, estoy yo. Quizás es el único libro en el que estoy yo. Siempre los lectores, incluso la gente que me conoce, intentan buscarme en mis novelas y siempre les digo es que no os empeñéis, yo no estoy en mis novelas, no busquéis en los personajes, no me busquéis porque yo nunca me contaría a mí misma, pero en este libro sí estoy yo.

-¿Es tu libro más personal?

-Sí, es mi libro más personal. Lo he escrito con las emociones y desde el dolor. A mí me ha servido para ordenar ese dolor desordenado que me provocó la muerte de Argos.

-Eres una escritora con cientos de miles de lectores y cuando hiciste periodismo también tuviste mucho prestigio. ¿Cuál es el secreto para no marearse?

-He ejercido el periodismo más de 40 años. Los periodistas sabemos que hoy puedes estar en la cúspide y mañana es que no te dicen ni buenas tardes el portero de tu casa. Hemos visto a gente que tiene todo el poder y al día siguiente no es nadie. Eso es una lección de vida que yo he aprendido en el periodismo. Es mejor no levitar. Hoy todo el mundo te quiere mucho y te recibe con los brazos abiertos, pero mañana ni te conocen. No hay que sobredimensionar lo que nos pasa y no despegar los pies de la realidad.

Pensemos en la España de posguerra y entendamos que las chimeneas y otras formas de calefacción estaban reservadas para los locales escolares de la gente pudiente. El hielo se subía hasta las rodillas, las manos y el alma de los escolares de escasos recursos.

Pero mamá tenía ahora una sorpresa para ella:

“-Mira, ¿te gusta? -la sonrisa de madre se hizo más grande y encontró una manera de brillar también en sus ojos.

-Sí, es muy bonita -y solo entonces entendí-. ¿Es para mí?”.

La madre de Almudena había tejido una funda para la botella de agua caliente que llevaría la niña a la escuela. La había confeccionado con dos trozos de manta superpuestos cortados a la medida de una botella de gaseosa y cosidos por el borde con una hebra de lana en puntadas muy seguras y apretadas.

La funda multicolor la iba a convertir en una de las niñas más envidiadas de la comarca… y también en la más abrigada.

La obra de Almudena Grandes (Madrid, 1960-2021) ofrece testimonio interminable de la guerra civil española. Como lo he dicho otra vez, mi corazón ha estado siempre al lado de los perdedores.

En sus novelas, relatos y episodios, España -madre bella y atroz- asoma su rostro teñido con el espanto del conflicto y de la posterior dictadura de Franco.

Decía Albert Camus que “fue en España donde mi generación aprendió que uno puede tener razón y ser derrotado, que la fuerza puede destruir el alma, y que a veces el coraje no obtiene recompensa”.

No solo en la generación de Camus, sino en las que le siguieron y, más todavía, en la América española, hemos hecho nuestras todas las vidas de Almudena Grandes, cuya obra -siempre he pensado- se levantó sobre una trinchera derrotada.

En sus libros, nos podemos sentir habitantes de un manicomio donde el fascismo victorioso ha arrinconado a los españoles vencidos (La madre de Frankenstein, 2020).

En otro de sus escenarios (Inés y la alegría, 2010), caemos enamorados ante la joven que comparte la vida y el destino de los guerrilleros y, con ellos, escribe una historia que solo ahora podemos leer.

En 2008, conocí a Almudena y a su esposo, el poeta Luis García Montero, quien presentara mi novela Vallejo en los infiernos en la Casa de América, en Madrid.

Antes de conocer a Almudena, la había leído y también después, y esa es la incitación que me lleva ahora a novelar algunos capítulos de la vida peruana.

Cuando llegó a mis manos “Las botellas de agua caliente”, uno de sus cuentos, me sentí tentado de investigar e hice preguntas entre mis amigas españolas que vivieron los nefastos días de Franco: ¿cómo fue el invierno en tu escuela?

Rosi Andrino me contó que, en Barco de Ávila, su pueblo, ella pudo tener un pequeño brasero para soportar las inclemencias del invierno. En cambio, Marisa Nuño me dice que, en Fuentelsaz, ella y su hermana se peleaban por el único gato de la familia para llevarlo a clases y sentir su calor.

Cuando la niña del cuento vio que su madre le extendía una funda para conservar la botella de agua caliente, insistió: ¿es para mí?

La madre asintió con la cabeza y la niña sintió que la recorría una alegría salvaje que también era orgullo, gratitud y el anticipo de la felicidad. Tan solo besó a su madre y escribió esta historia que nos hace sentir la frialdad y la pobreza de las escuelas españolas en los días desdichados del franquismo.

Almudena me confesó triste que, entre sus compañeras, era la más alta. “Por eso, en las actuaciones escolares hacía el papel de árbol”.

Gracias a Almudena, los escritores y los lectores nos sentimos inundados por la sombra roja de los exiliados republicanos y la alegría sin final de quien sabe que, al final, la historia será suya… al igual que una botella de agua caliente.

Hernando Torres-Fernández es el director del CCIG. Este centro cultural cumplió 20 años en el 2025 y lo hizo con gran protagonismo. Hoy en día es uno de los espacios más sólidos dedicados a la difusión cultural en el país. Pero lo que más llama la atención de su dinámica es la pluralidad de sus propuestas y la convergencia de puntos de vista que hay en ellas. La República ha subrayado en más de una ocasión el buen momento que vienen atravesando las artes en el país y el CCIG, sin exagerar, ha sido clave para tener esta realidad que debe mantenerse, la cual debe llegar a la mayor cantidad de personas.

-Aparte de diplomático, eres también pianista.

-Yo soy diplomático de carrera, soy licenciado en Relaciones Internacionales, pero también he estudiado música desde los siete años, y he tenido la oportunidad de dar distintos conciertos en Europa, en América Latina. Los diplomáticos tenemos que ser todistas, saber de todo, pero eso no se opone a que uno se especialice en algún tema. La promoción cultural es algo que me ha interesado toda mi vida.

-Entonces, el estar de director del Centro Cultural Inca Garcilaso es como estar en tu salsa.

-Así es. Todos los directores que ha habido aquí han estado vinculados totalmente a la cultura; es más, hay una disposición legal en la que se indica que el director tiene que ser una persona vinculada a la cultura. Yo estuve en la apertura de este centro cultural hace 20 años. Manuel Rodríguez Cuadros lo inauguró en julio de 2005 con una gran muestra de Fernando de Szyszlo.

-El Centro Cultural Inca Garcilaso es ya un espacio consolidado.

-Yo soy director después de la pandemia; me antecede, como tú sabes, Guido Toro, pero me toca a mí la pandemia ya con mucha más capacidad para ampliar y extender todas las actividades. Aquí se han hecho exposiciones artísticas, plásticas, conciertos en todos los géneros, teatro, danza, ciclos de cine, conferencias y presentaciones de libros.

-Una característica de este lugar es que los grandes artistas buscan estar acá.

-Eso es cierto. Ahora nuestras cinco galerías están reservadas hasta el año 2030. En estos 20 años se han hecho más de 200 exposiciones de pintura, fotografía, escultura y artes visuales.

-Siempre me ha llamado la atención la apertura del centro cultural. Se podría creer que es señorial.

-El único filtro es la calidad. Aquí hay libertad absoluta y tampoco se trata de escoger artistas consagrados. Obviamente, los consagrados también están incluidos, pero también hay muchos talentos jóvenes, muchas personas que no tienen la oportunidad de presentar su obra. La finalidad de este centro cultural es difundir la cultura peruana en todas sus dimensiones, en todas sus áreas, sin limitarnos a ninguna época ni a ningún siglo. Aquí hay libertad total para hacer crítica social, crítica incluso al Estado, crítica a ciertas cosas que no funcionan en el Perú.

-Es un espacio sui generis.

-Aquí tratamos de manifestar las grandes preocupaciones del Estado y del mundo desde el punto de vista cultural, como el medioambiente, el empoderamiento de la mujer, las migraciones, la diversidad humana, la protección del patrimonio cultural; temas que interesan al Estado están aquí reflejados en las exposiciones que hacemos.

-¿Cómo recibieron los 20 años?

-Tuvimos muchas actividades y se culminó con una exposición muy importante en homenaje a Mario Vargas Llosa. 2025 fue el año en que falleció y el centro cultural no podía estar al margen. Varguitas. La verdad de las mentiras. Esta muestra fotográfica estará también en la Feria Internacional del Libro de Buenos Aires.  Esta es una característica del centro cultural: algunas de sus muestras pueden recorrer el mundo a través de las misiones que tiene el Perú en el extranjero. El Perú tiene 60 embajadas y casi 100 consulados.

-Perú está en un muy buen momento artístico. Acá se han hecho muchas muestras de arte amazónico, que es uno de sus puntales.

-Hemos hecho más de 30 muestras amazónicas en estos 20 años. ¿Qué estamos haciendo indirectamente? Estamos protegiendo el patrimonio cultural de la Amazonía. Estamos promoviendo a los artistas amazónicos. De alguna manera, estamos denunciando la tala ilegal, la trata de personas; se han hecho exposiciones aquí muy directas contra ciertos fenómenos negativos que ocurren en nuestra Amazonía. Muchas de estas exposiciones han salido a los principales museos del mundo.

-Otro de los puntos mayores es la fotografía. En estos años he visto muy buenas exposiciones fotográficas.

-Hemos hecho grandes muestras de fotógrafos peruanos y extranjeros. Este año vamos a hacer una muestra de carácter mundial. Vamos a dedicar las cinco galerías a una muestra inédita de Chambi. Nunca se ha hecho algo así. Tres meses dedicados al Chambi que no se conoce.

-¿Para cuándo?

-Está programado para junio, julio y agosto. Es una muestra muy grande. Venimos trabajando en ella. Nuestro objetivo es llevar lo mejor del arte y la cultura peruana a la sociedad.