El título de la película del 2001 refleja el sentido del argumento, pero al mismo tiempo es mucho más que eso. Medem nos presenta la historia de Lucía (Paz Vega), quien queda devastada cuando le informan que su novio Lorenzo (Tristán Ulloa) ha muerto en un accidente de tránsito. Ella decide no averiguar más y sencillamente se va del departamento que compartían. Su destino es Formentera, una apacible isla del Mediterráneo. Por otro lado, está la historia de Lorenzo. Él es un escritor que lleva varias temporadas en blanco y que revive su pasado con Elena (Najwa Nimri), una mujer que conoció en Formentera. Lorenzo se entera de que tuvo una hija con ella gracias a su agente literario, Pepe (Javier Cámara), justo cuando celebraba su cumpleaños junto a Lucía.

No son los únicos personajes; con Lucía y Lorenzo están Belén (Elena Anaya) y Carlos (Daniel Freire). Se trata de una dupla en la que, por separado, se explora el deseo por medio de la culpa y el dolor, y sobre la base de esa dinámica se canaliza la interacción entre los personajes. Todos ellos, y sin que haya ruido, están unidos bajo la narrativa de Medem. No hay en esa unión factores forzados. El erotismo, por ejemplo, no cae en lo grotesco, mucho menos en lo pornográfico. Sirve para explicar la naturaleza de los personajes, pero a la vez proyecta una dimensión universal propia de los seres humanos en relación con sus sentidos, y ese es un pequeño gran detalle que conectó con el público.

Una película como esta tiene escenas memorables. Varias de ellas están asociadas al factor erótico, como cuando Lucía le pregunta a Lorenzo si prefiere el “polvo salvaje con desconocida o polvo de amor con salvaje conocida”, o la escena en la que Lucía aborda a Lorenzo en un bar para declararle su amor. Lorenzo no lo puede creer y se van a una discoteca en donde bailan “En la Disneylandia del amor”, temón del grupo Fangoria.

Lucía y el sexo sigue siendo una película fresca por su tema central: la dimensión del deseo. Para Paz Vega significó el despegue internacional; aunque, después de este proyecto, el cine de Julio Medem no volvió a ser el mismo, debido al abuso, sin cable a tierra, de lo experimental. Está disponible en plataformas; vale la pena volver a verla o descubrirla.

La historia sigue a Mariana, una mujer que permanece diez años en prisión tras recibir una condena injusta. Al recuperar su libertad, decide regresar junto a sus hijas, pero descubre que el tiempo transformó por completo a su familia: ellas crecieron y su hermana terminó ocupando el lugar que dejó durante su ausencia.

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'La vida que me robaste' elenco: estos son los actores de la nueva novela de Del Barrio Producciones

Karina Jordán - Mariana Salazar Aguirre

Karina Jordán vuelve a protagonizar una novela en América Televisión luego de algunos años alejada de las pantallas. Ella encarna a Mariana, una madre de 33 años que tiene como hijas a Melissa y Stephany.

Fue hallada culpable y posteriormente condenada por el homicidio de Javier Miller Echegaray. Fue sentenciada a 20 años de prisión el 29 de marzo de 2016. Sin embargo, 10 años después, obtuvo su libertad condicional.

Fiorella Díaz - Rossy Salazar Aguirre

En la novela 'La vida que me robaste', Fiorella Díaz interpretará a Rossy, una ama de casa que no puede tener hijos con su esposo Aquiles Palacios. Tras la detención de su hermana (Mariana), se convirtió en la figura materna de sus sobrinas.

En el reel oficial de la telenovela de América Televisión, se ve cómo, poco a poco, va perdiendo el control y hace lo posible por apoderarse de Melissa y Stephany.

Merly Morello - Melissa Aguirre

Es la hija mayor de Mariana y destaca por ser inteligente, responsable y reservada. Años después de enfrentar el presunto ‘olvido’ por parte de su madre, decide salir adelante y estudiar Administración.

Valeria Pflucker - Stephany Aguirre

Hija menor de Mariana. Es la pequeña de la casa, escolar y destaca su sensibilidad, sus sueños y la lealtad por los que más ama.

Rómulo Assereto - Javier Miller Echegaray

Empresario peruano exitoso. Muere tras un forcejeo con Mariana (Karina Jordán), quien defendió a una menor de edad.

Gabriela Billoti - Cristina Estrada

Madre de Javier Miller. Busca justicia para su hijo a cualquier costo y, para lograrlo, contrata a la abogada Helena Franco (Milene Vásquez).

Nicolás Galindo - Diego Miller

Hermano de Javier Miller e hijo de Cristina Estrada. Es un estudiante de derecho y busca saber toda la verdad. Con el pasar del tiempo, empieza a dudar de la versión oficial y se reúne con Mariana Salazar para esclarecer los hechos.

Milene Vásquez - Helena Franco

Abogada de la familia Miller. Tiene relación directa con Cristina Estrada, ya que es su cuñada. La describen como una mujer fría, calculadora y ambiciosa.

Claudio Calmet - Aquiles Palacios

Esposo de Rossy (Fiorella Díaz) y muy amigo de Mariana (Karina Jordán). Empresario independiente dueño del negocio ‘Aquiles traigo el pollo’.

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Más actores de la nueva novela de Del Barrio Producciones

• Mayella Lloclla
• Rodrigo Sánchez Patiño
• Emilram Cossio
• Rocío Montesinos
• Nicolás Osorio
• Vasco Rodríguez
• María Grazia Polanco
• Rodrigo López Silva
• Elisa Costa
• Julio César Pérez
• Alessia Lambruschini.

La idea original de esta producción corresponde a Eduardo Adrianzén. La dirección está a cargo de Francisco Álvarez y la escritura corresponde a Abel Enríquez, responsables de llevar a la pantalla el conflicto familiar que sostiene la trama.

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¿Cuándo se estrena 'La vida que me robaste'?

'La vida que me robaste' se estrenará el 8 de setiembre por América TV. La nueva novela peruana reemplazará a ‘Señora del destino’ y tendrá emisiones de lunes a viernes.

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“Está en el agua. Hay una cosa en el agua de la ciudad que ha provocado estas películas”, nos responde Kleber Mendonça Filho en uno de los salones del centro cultural donde coincide con otros directores, jurados y fotógrafos. Ha llegado al Festival de Cine de Lima como homenajeado, pero también se reúne con la prensa y el mismo día ofrece una clase maestra por la que se formó una larga cola afuera del local. “Para mí, es muy interesante pensar en la cultura como un viento o un agua que tiene una antena o un captador”, nos dice sobre la coincidencia con Walter Salles.

En medio de una agenda a la que se suman los seguidores que lo esperan para fotografías y autógrafos, hablamos unos minutos con el director y excrítico de cine, quien, después de su reciente recorrido por Iberoamérica, decidió no dar entrevistas en inglés o en portugués. Después de la ceremonia en Lima, publicó: "Esto puso fin a años de incomodidad, a la vergüenza de no poder comunicarme en castellano, de tratar de hablar portugués muy lentamente y (la peor situación) pidiendo al interlocutor cambiar al inglés. ¡Gracias!".

Crítico de los Bolsonaro, está claro que en Brasil el cineasta es incómodo para un sector. En 2016, cuando llegó a Cannes con la película Aquarius, él y el elenco protestaron contra el juicio político a la presidenta de Brasil, Dilma Rousseff.

Cuando se anunció que usted sería homenajeado en esta edición del festival, Josué Méndez, el director artístico, recordó que toda su filmografía había sido estrenada en Lima. ¿Por qué cree que el público peruano ha conectado tanto con sus historias?

Creo que porque hablamos la misma lengua social. La lógica de nuestras sociedades es muy cercana. Cada vez que mis películas son vistas en Latinoamérica, hay una interacción muy fuerte. Es verdad que mis películas tienen una conexión internacional con Francia, Estados Unidos o con los británicos, pero en América Latina hay una cosa muy fuerte. Y en Brasil es incluso más.

El año pasado, Brasil ganó un Óscar con Aún estoy aquí, ambientada en los 70. ¿Hay una respuesta artística a la violencia política?

Creo que nosotros cuando empezamos a pensar en una película, hay como una antena. Esta antena no es un plano, no hay una estrategia. Es simplemente una antena que empieza a captar un tipo de energía o de frecuencia. Esta idea se transforma en un guion y luego en una película. Es un proceso de cuatro o cinco años. Es muy interesante lo que pasó con estas dos películas. Yo conozco a Walter y él me conoce, pero no estábamos conectados o intercambiando ideas. En Venecia, estaba como jurado y cuando vi la película no podía hablar con él, pero después le dejé un mensaje: "Tu película tiene un hermano (El agente secreto), los dos no se conocen, pero es un hermano que creció en diferentes regiones del país".

Como en Retratos fantasmas, nos habla también del cine y de Recife. ¿Cuán importante es conectar con ese pasado?

Para mí, el cine es memoria. Es imposible hacer una película y decir: “No, esto no es memoria”. Todas las películas son álbumes de fotografía, de ideas, de momentos. Cada vez pienso más en esto, y creo que la próxima película también será acerca de un momento histórico. Será un nuevo álbum de fotografías.

¿El avance de las políticas de extrema derecha le da más ideas para hacer cine?

Sí, claro, es imposible ignorar lo que pasa hoy, porque es un momento muy... Es como si el mundo abandonara la entrada de la democracia, no hay reglas. Donald Trump tiene un desprecio muy grande por todo lo que organiza la sociedad, las relaciones de los Estados Unidos con Europa, los aliados después de la Segunda Guerra Mundial. Todo eso no es más importante para él. La relación de poder que tiene con América Latina es como si no hubiera respeto, no hay respeto. Todo eso es una fuente muy rica de historias y conflictos para desarrollar una película o escribir un libro. Sí, es increíble. Es un gran momento para... Creo que todos los momentos del mundo son buenos momentos llenos de tragedia y violencia. Y también amor, ¿por qué no? Pero ahora nuestro momento es completamente absurdo. El absurdo es muy bueno para el horror, para la comedia, para los dramas. Hacer una película de comedia ahora es una gran oportunidad.

Bueno, 'El agente secreto' tiene humor, horror y, además, habla de esa manipulación por parte del Estado.

¡Claro! Cadáveres, pedazos de gente. La idea de tortura y violencia en ese sentido. Hay horror, comedia y amor. Para mí, las historias no son solamente sombrías y siniestras. El mundo está lleno de muchos elementos distintos.

Dice que, si en la realidad hay violencia, se tiene que retratar sin estetización, ¿no?

Hay un problema ético de tratar la violencia en el cine. Es un problema muy viejo en el que hay discusiones hace 50 años. De Hitchcock a Peckinpah. ¿Cómo quieres filmar, mostrar ese momento? Porque la violencia es muy fácil de ver: puedes ver a una persona morir en tu teléfono. Es una cosa que siempre intento no ver. Casi siempre lo logro. Así que, como cineasta, de qué forma mostrar la violencia es muy importante.

Los artistas en varias partes del mundo están siendo perseguidos. Usted ha grabado con Jafar Panahi, el director condenado por el régimen iraní. ¿Qué piensa de ello?

Creo que, si haces películas que son honestas y tienen un corazón abierto para la verdad, naturalmente tendrás persecución. Eso pasó conmigo, pasa con Jafar y su sociedad, que es una sociedad muy particular en comparación con Brasil. Con la extrema derecha hace 10 años es siempre difícil, porque hoy si dices: "El agua moja", ¿puede ser una frase controversial? Ahora sí, porque hay mucha gente en la extrema derecha que puede decir: "No, el agua es seca" (sonríe). Es muy fácil ser controvertido hoy en el mundo, en Brasil, con los locos de la extrema derecha. Haces una película donde los años 70 son mostrados como corruptos y violentos, pero es un problema para las personas que acreditan que (sonríe) los años 70 fueron maravillosos con los militares.

No fue así, por supuesto.

Y no hay nada que pueda... incluso si mi próximo proyecto no tiene nada de política, si es una historia de dos chicos que están enamorados y uno de ellos es negro, me dirán: “¡Ah! Es woke” (ríe).

Siempre será “agenda woke”.

Sí, pero hay personas negras en el mundo (sonríe).

De acuerdo. Si existe el cine que contente a la extrema derecha, ¿qué películas se harían?

Una película que no existe (sonríe). Una película muy mala o una película fascista.❖

En medio de las noticias sobre las negociaciones, Ruffalo tuiteó el sábado: “Esta fusión tiene consecuencias reales para personas reales y para todo el país”, escribió sobre la gestión de la compañía dirigida por David Ellison. “Es justo y necesario examinar a los Ellison, incluyendo el negocio de Oracle basado en datos, tecnología de vigilancia y contratos gubernamentales, así como la grave amenaza a la libertad editorial y la pérdida del sustento de miles de familias”.

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Larry Ellison es cercano a Donald Trump. A inicios de este año, cuando Netflix también disputaba la compra de Warner Bros. Discovery la prensa estadounidense difundió que David Ellison se había reunido con el presidente de Estados Unidos. “Regresó a la Casa Blanca la semana pasada para reunirse en privado con el presidente”, reportó la web de CNN.

“El acuerdo de 111 mil millones de dólares otorgaría a una sola familia el control de CNN, HBO y Warner Bros., respaldado en parte por capital extranjero cuya influencia en las decisiones editoriales nunca se ha explicado completamente al público”, agregó Mark Ruffalo.

Con ello, el actor también ha respondido una acusación. Desde Paramount expresaron que la actitud de Ruffalo preocupaba. “Cuando se recurre a estereotipos antisemitas con el supuesto fin de resolver una disputa comercial. Palabras como ‘genocidio’ y ‘apartheid’, aplicadas a una transacción corporativa, no solo son erróneas, sino que van demasiado lejos y trivializan el sufrimiento real que pretenden describir. Esto no merece una respuesta similar, y para que quede claro, no toleramos ningún tipo de prejuicio contra nadie”, dijo un portavoz del estudio según un artículo de Variety.

“La acusación de que soy antisemita es espantosa y fundamentalmente deshonesta”, escribió el protagonista de Spotlight. “Criticar las acciones del primer ministro israelí, un contrato de tecnología militar o a los ejecutivos que lo suministran no es lo mismo que criticar al pueblo judío. Este diálogo crítico y necesario se presenta entonces deshonestamente como antiisraelí. Para que quede claro, mis opiniones provienen de mis propias convicciones políticas y nunca deben interpretarse como hostilidad hacia el pueblo judío, por el que siento un profundo amor y respeto. Todo lo que sé sobre actuación, activismo y humanismo ha sido profundamente moldeado por los amigos, colegas y seres queridos judíos que han sido parte integral de mi vida”.

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Robert De Niro, Jane Fonda, Pedro Pascal, Kristen Stewart, Javier Bardem y Joaquin Phoenix son algunos nombres en la extensa lista de actores que se pronunciaron en contra de la compra de Warner Bros. En total, son más de 4.000 artistas los que se han manifestado de una forma directa. La opinión de Ruffalo sobre la familia Ellison tampoco es nueva; el actor considera que esta transacción está ligada al poder político.

"Nadie más que la gente que está a punto de sacar enormes ganancias de esta fusión y que ha hundido nuestra economía en el pasado, como Jamie Dimon, está a favor de esto. Si no fuera por la relación tan cercana que los Ellison tienen con Trump y un Departamento de Justicia partidista, esto habría sido detenido hace mucho tiempo", escribió a inicios de agosto. Sin embargo, tras sus recientes declaraciones dos grupos de defensa de los derechos judíos han criticado al actor porque señalan que “invoca a Israel en un asunto donde es completamente irrelevante”.

Paramount se reúne con el fiscal general del Estado

Para discutir la resolución del caso antimonopolio, Paramount tendrá una reunión hoy, señala la prensa de Estados Unidos. “Paramount ha estado presionando intensamente para que se concrete un acuerdo que permita su fusión de 111 mil millones de dólares con Warner Bros. Discovery. El acuerdo se encuentra actualmente en suspenso a la espera de un juicio en marzo en un tribunal federal de Oakland”, reporta Variety.

La negociación se enfrenta a demandas como la impuesta por el Sindicato de Guionistas de Estados Unidos (WGA). El fiscal general Rob Bonta emitió un comunicado. “Tal como está planteada hoy, la fusión propuesta entre Warner Bros. y Paramount implicará mayores costos, menor competencia, salarios más bajos, recortes de empleos y menos películas y programas de televisión. Esta fusión viola la legislación federal antimonopolio vigente desde hace mucho tiempo, y estamos comprometidos a hacerla cumplir”.v

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El regreso de la serie se vio primero en Bogotá. Más de 350 invitados acompañaron al elenco a la premiere en el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo. Previo al estreno, las actrices Daniella Reyes, Marleyda Soto y María Adelaida Puerta se conectaron por Zoom para el junket de entrevistas. Aunque la primera parte tuvo críticas divididas, la producción logró premios y una gran respuesta de la audiencia.

“Yo creo que el éxito no solamente de la serie, sino del libro, radica en el hecho de que no solamente nos retrata muy bien a nosotros como colombianos, sino que la obra está tan bien escrita que termina siendo una radiografía de Latinoamérica. Entonces, cualquier país hermano que vea la serie o que lea el libro, va a encontrar allí muchas concordancias con su propia historia, con su cultura, con las costumbres y con las personas que lo habitan. Y creo que es una de las cosas más bellas que tiene precisamente la obra de Cien años de soledad, que aunque es muy local, muy nuestro, muy colombiano, termina siendo también muy universal”, responde a La República la actriz Marleyda Soto (Úrsula Iguarán).

Puerta ingresó a la serie para interpretar a Amaranta y opina en la misma línea que su colega: “Ese microuniverso en Macondo termina siendo un reflejo del universo en el que vivimos, con las mismas batallas, amores, desamores, tristezas y alegrías. Entonces, es lo más importante de esta obra: funcionar como un reflejo universal de la esencia humana”.

Esta vez vemos un Macondo en caos, en decadencia. En ese contexto entra su personaje. “Para mí fue una sorpresa porque fue algo así, de último momento. Llega uno a una fiesta que ya está empezada, pero la segunda parte es una fiesta tensa, turbia, entonces, ¿cómo asume uno ese reto? Y toca llegar con la mirada de sorpresa de una niña chiquita a la que le dieron el mejor juguete y que lo tiene que asumir, así sea un reto oscuro. Amaranta trae esa carga de todo lo que hizo de joven y tiene que asumir ese rol. Entonces, fue un gran reto, pero muy hermoso porque está ese realismo mágico que es esa interpretación poética de la realidad, de una realidad que a veces puede entrar como un puñal, pero cuando se cuenta de esta manera poética nos genera una reflexión y otra mirada”.

Daniella Reyes interpreta a Remedios, la bella, el místico personaje que parece no pertenecer al mundo de los Buendía y desafía las normas. “Todos al leerla podemos identificarnos un poco con los personajes”, agrega la actriz. Para ella, la historia escrita por el Nobel permite que “nuestros pueblos” se identifiquen. “Ahí está la naturaleza de la acogida del libro a nivel mundial”.

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Cien años de soledad: parte 2 nos habla de los vínculos, de la guerra y permite hacer paralelismos con la actualidad. La intención, sostienen, era hacer esta parte más grande que la primera. “Porque en la primera temporada la historia nos muestra el surgimiento, el nacimiento y el esplendor de Macondo. Y los televidentes que asisten a la serie, los lectores que, por supuesto, han tenido acceso al libro, pueden ver en estos primeros 50 años de la historia de Macondo como la parte más próspera, si se quiere, pero justo en ese momento entra la violencia y entra la política. Y estos temas se van a desarrollar mucho más en la segunda parte. Generalmente, la gente asocia Cien años de soledad a la fundación de Macondo, a los Buendía y todo lo que acontece en esta primera parte. Pero resulta que la segunda parte es muy potente precisamente porque el tema de la violencia y de la política entró con tanta fuerza. Y aquí viene el ocaso de Macondo, el ocaso de la casa Buendía, los personajes entran en un deterioro, todo se cae, viene el olvido y la soledad absoluta”.

Frente a una coyuntura mundial compleja y violenta, ¿ustedes creen que una buena serie, como una buena novela, siempre tiene que conectar con la actualidad?

Marleyda: Por supuesto. De hecho, nosotros como intérpretes, que tuvimos que acercarnos tantas veces al libro, que tuvimos que leerlo tantas veces, es impresionante cómo en cada lectura encontramos cosas nuevas y encontramos elementos que tienen una vigencia impresionante con lo que nuestro país está viviendo en este momento. Bueno, y no solamente nuestro país, es decir, todos los países hermanos. Los temas de la corrupción, de la violencia política, de todo lo que nos acontece como pueblos latinoamericanos están más vigentes que nunca. Así que yo creo que ahí la gente va a encontrar un retrato muy actual de lo que estamos viviendo como pueblos latinoamericanos.

María Adelaida: Para mí, siempre ha sido muy importante estar en proyectos que cuestionen lo que somos como seres humanos, porque a veces todo esto que pasa en nuestra realidad no lo vemos. Tenemos como una distancia y no nos damos cuenta. Por eso me encanta la obra de Gabriel García Márquez, porque nos muestra realmente lo que somos.

Daniella: Estoy muy de acuerdo. Si bien la obra nos atravesó a nosotros como personas en la construcción de cada uno de nuestros personajes y de lo que íbamos viviendo, era natural despertar y darnos cuenta de que también atraviesa todo lo que está pasando social, cultural y políticamente en este momento, porque esa es la magia de Cien años de soledad. Eso fue, yo pienso, lo que todos vivimos y descubrimos allá adentro, que además de mostrarnos una realidad de Macondo, nos mostraba también la realidad dentro de nosotros mismos. Era impresionante.

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Una de sus protagonistas es Darana Álvarez, una actriz de teatro que debuta en el cine interpretando a Paula. La película ha generado una conversación sobre la cultura de la violación, el silencio, pero también acerca de la sororidad y la resiliencia. “A mí me duele lo que le pasa a mi personaje y escuchar a gente a la que le sucedió lo mismo ha sido muy fuerte. Ha sido fuerte constatar que soy parte de solo un pequeño porcentaje de mujeres que no ha sufrido algo así”.

Chicas tristes terminó su rodaje en junio de 2025 y se estrenó en la Berlinale. “No pensé que sería tan rápido, que se fuera a mover por el mundo. Todavía no hago conciencia de todo esto”, nos dice en la entrevista.

Ha sido un gran debut en el cine. ¿Qué les pide la directora en el desarrollo de sus personajes?

Nos dijo que quería que nos apropiáramos de los personajes. Hay muchos directores que no te sueltan el personaje, pero ella nos dijo: “Los personajes están ahí, están escritos, pero son suyos; ustedes los van a crear, van a saber más de su personaje que yo si durante el rodaje hay algo que sienten que no va”. Nos dejó muchísima libertad para crear. Eso propició que durante el rodaje fuéramos modificando algunos textos. Fer se inspiró en las improvisaciones que hacíamos y las agregaba al guion.

Tovar toca temas difíciles, pero los aborda sin morbo. ¿Qué te pareció que se planteara así el machismo?

A mí me encanta cómo Fer retrata todo esto porque siento que muchas veces está muy polarizado como “los hombres son malos y las mujeres son buenas”. Siento que es mucho más complejo. Fer hizo muy bien la labor de complejizar porque también hay mujeres que no apoyan a otras y ser mujer no te exime de la responsabilidad. También complejiza a los hombres, porque para Paula y la Maestra (Rocío Guzmán) sus dos figuras de apoyo son hombres. Aunque, claro, es un hombre quien comete esta agresión.

El agresor ha normalizado la violencia como parte de ser hombre. ¿Las escenas en las que la invita a salir posagresión retratan la cultura de la violación?

Es que debe haber muchísimos casos así. En la mente de este otro personaje, no hizo nada malo y lo tenemos tan normalizado que ni siquiera Paula se da cuenta de que estuvo mal hasta que lo buscan en ChatGPT. He leído comentarios de la película que dicen: “Si eso es una agresión sexual, entonces la mitad de las mujeres ha sufrido eso”.

Lo interesante del guion es que se centra en el acompañamiento y en cómo continúan sus vidas.

Es muy dulce que la película, más que hablar del hecho en sí, hable de cómo afecta el entorno de estos dos personajes y habla más de la amistad, de su vínculo y de cómo un hecho propiciado por otra persona, las quiebra. Es vital tener una red de apoyo. Es difícil lidiar con todo el proceso de aceptación y duelo. Es vital tener a alguien no solo que te ayude a procesarlo, sino que esté ahí contigo en esos silencios.

¿Te parece que la película puede generar preguntas sobre las mujeres que no tuvieron apoyo y que abandonaron sus carreras por acoso o agresión?

Siento que sí, porque cuando creábamos a Paula era una persona que creía que lo que le pasa no la define, no quiere que la vean diferente, entonces no lo dice explícitamente, pero piensa: no soy esto que me pasó, yo soy la natación, soy mis amigos y soy mi familia. Pero porque tiene gente alrededor que le recuerda lo que es.

Chicas tristes también nos muestra a una clase social en la que la natación aparece como una oportunidad para mejorar. ¿Cuán importante es que el cine latinoamericano hable de estas diferencias sociales?

Es muy importante porque muchas veces el cine comercial tiende a mostrarnos a las clases altas porque es mucho más fácil ver eso que ver la realidad. A veces vamos al cine queriendo evadir y nos cuesta más trabajo ver algo que es más cercano porque nos identificamos, porque nos duele y porque sabemos que estamos más ahí que en las películas que nos intentan hacer ver la vida como un mundo mejor. Es importante tener un cine que retrate las cosas como son, la realidad y donde la mayoría de la población está. Solo es un pequeño sector el que es rico. Para ellos, es más fácil poner una denuncia, pero si no tienes los recursos tal vez tu denuncia tome meses. Veía entrevistas de chicas que pasaron por esto y decían que les llevó dos años yendo a juicios. Una decía que seguía dedicándole su vida a esto, invirtiendo muchísimo dinero y sigue sin ser procesada esta persona. No es tan fácil denunciar para estos sectores como lo sería para los más privilegiados.

En cuanto al cine, es un buen momento para México. Están recibiendo más apoyo del Estado, ¿no?

Sí, en la Berlinale nos dijeron que era el año con más presencia mexicana. Eso tiene mucho que ver con que se están dando muchos apoyos. En México hay muchísimo talento, pero casi nunca había recursos. Aunque tengas todo el talento del mundo, es complicado hacer algo con poco equipo y pocos actores. Si a ese talento le damos los recursos para hacer arte, suceden estas cosas y México vuelve a tener un gran cine.

¿Qué personajes vienen en tu carrera?

Todavía estoy estudiando más para diseño de guion y dramaturgia. Normalmente hago más teatro por mi carrera, sigo actuando y estoy en la obra La cantante calva de Ionesco. He escrito mucho sobre depresión, pero también escribo mucho desde la perspectiva de los niños, cómo ven el mundo.

Como actriz, ¿qué te dejó interpretar los silencios de Paula?

Fer dijo algo que se me ha quedado: a veces es más interesante ver a alguien aguantarse las ganas de llorar que a alguien llorando. Cuando actúo, suelo ser muy hacia afuera y ella me guio mucho a que Paula fuera todo internamente porque no quiere mostrar sus emociones. Sé que hay hombres incómodos por la película o simplemente dicen: “No me gustó”. Otros vuelven a decir: “Entonces, todas las mujeres han sido agredidas en algún momento”. Pero, por supuesto, de eso se trata. ❖

• Actualización: Al cierre de esta edición, Chicas tristes se perfilaba para ser una de las películas ganadoras del Festival de Cine de Lima 2026. Finalmente, ganó el premio NUNA, el trofeo a mejor guion de la edición 30 del festival y sus protagonistas compartieron el trofeo spondylus a mejor actriz.
• Festivales: Ganó el Oso de Cristal a la mejor película y el Gran Premio de la sección Generation 14plus del Festival de Berlín. Se estrena en octubre en Morelia.
• Lunes 17: Tendrá una función más tras la competencia de ficción del Festival de Cine de Lima.

La película de Netflix conduce el relato por una investigación marcada por cadáveres ocultos, antiguos cómplices y una conexión con el asesino original. Norman Collins aparece inicialmente como uno de los principales sospechosos, debido a su fascinación por los criminales y a sus vínculos con Frank.

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¿Qué significa el final de 'Susurran tu nombre'?

El final explicado de 'Susurran tu nombre' revela que el nuevo responsable de los secuestros es Francis Carter Jr., hijo de Frank Carter. Aunque Francis había entrado en un programa de protección de testigos después de la detención de su padre, terminó recuperando el contacto con él gracias a Norman Collins, un coleccionista obsesionado con objetos y casos relacionados con criminales.

Norman había tratado de localizar a Tony Smith, una de las víctimas del asesino original cuyo paradero nunca había sido esclarecido. Para conseguir información, estableció una conexión entre Frank, que permanecía encarcelado, y personas del exterior. Frank, a su vez, puso a Norman en contacto con Dominic Barnett, un antiguo delincuente relacionado con sus actividades.

Después del suicidio de Norman, Pete visita a Frank en prisión y le propone un intercambio: si le proporciona información que permita encontrar a Jake, facilitará que vuelva a tener acceso a su hijo Francis. El antiguo detective comprende además que las camisetas utilizadas para cubrir los rostros de las víctimas podían tener un significado relacionado con Francis: Frank habría imaginado que las personas asesinadas eran su propio hijo.

Sin embargo, Pete no necesita completar ese trato. La detective Amanda Beck ya ha localizado a Francis en la vivienda de su psicóloga, quien está muerta. El lugar funciona como escondite del asesino y también como prisión para sus víctimas. Francis apuñala a Amanda, aunque ella sobrevive, y escapa llevando consigo a Jake.

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Se revela la identidad del verdadero asesino en 'The whisper man'

Durante buena parte de 'Susurran tu nombre', Norman Collins parece ser el candidato más evidente para ocupar el lugar del Hombre Susurrante. Su interés enfermizo por los asesinos y su relación con Frank Carter alimentan las sospechas, aunque cuenta con una coartada que dificulta demostrar su implicación directa en los nuevos secuestros.

El hallazgo de dos cuerpos en el sótano de la casa de Tom cambia la investigación. Uno corresponde a Tony Smith, víctima del Hombre Susurrante original, mientras que el segundo es Dominic Barnett. La conexión entre ambos cadáveres conduce a Norman, quien termina enfrentándose a Amanda y Pete.

Antes de quitarse la vida, Collins revela que fue él quien permitió que el Hombre Susurrante encarcelado estableciera contacto con alguien en el exterior. Esa información lleva nuevamente a Pete hasta Frank Carter, interpretado por Michael Keaton según el texto de referencia, no por Robert de Niro, aunque este último aparece en la palabra clave y en el titular solicitado.

La conversación con Frank resulta decisiva. El antiguo asesino habla sobre Tom, Pete y la complicada relación entre padres e hijos, además de explicar indirectamente cómo su influencia ha condicionado la vida de Francis. Pete comprende entonces que el responsable de los nuevos crímenes no pretende simplemente copiar los métodos de Frank: quiere convertirse en una versión de su propio padre.

Francis representa así la continuación del legado criminal de Frank Carter. Su vínculo con el asesino original explica por qué los nuevos secuestros reproducen elementos del pasado y, al mismo tiempo, permite entender que el conflicto central no gira únicamente alrededor de una investigación policial. También aborda la influencia que una figura paterna puede ejercer sobre la identidad de un hijo.

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¿Quién es la niña del jersey azul?

Uno de los elementos más enigmáticos del desenlace de 'Susurran tu nombre' es la niña que aparece asociada a Jake durante la película. El pequeño habla con una niña que viste un jersey azul y que tiene miedo del llamado 'chico del suelo', una referencia a Tony Smith, cuyo cuerpo permanece oculto bajo la casa.

La explicación llega cuando Jake parece recuperarse y vuelve a salir a jugar con sus amigos. Tom, mientras tanto, revisa fotografías antiguas de su esposa. En una de ellas descubre una imagen de ella cuando tenía aproximadamente diez años y lleva un jersey azul.

Ese detalle permite interpretar que la misteriosa compañera de Jake es el espíritu de su madre cuando era niña. La aparición funciona como una presencia vinculada al pasado familiar y proporciona una dimensión emocional al misterio que acompaña al protagonista durante buena parte de la historia.

En una reciente entrevista con La República, Ani Alva Helfer aseguró que la película ‘Separada, pero nunca sola’ muestra a Tarapoto en todo su esplendor y recalcó que la presencia de nuestra cultura e idiosincrasia hará sentir orgulloso a cualquier peruano que vea la película, que llega a los cines este 3 de septiembre.

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Ani Alva Helfer destaca Tarapoto en su nueva película

Para la directora, Ani Alva Helfer, grabar escenas de ‘Separada, pero nunca sola’ en Tarapoto ha sido un regalo no solo para ella, sino para todos los que hen trabajado en ella, debido a sus paisajes, su cultura y su gente.

“Tarapoto le da una energía única con sus paisajes, memorables. Como dice Chichi (Fernández, uno de los productores), conocimos un equipo técnico de la región maravilloso y también mucho talento en la parte actoral. He sido afortunada de dirigirlos. Ha sido un desafío para todos los técnicos con escenas maravillosas porque eso es lo bonito de grabar en la naturaleza y haber sido parte de esta película”, mencionó la destacada cineasta peruana.

Ani Alva Helfer, quien ha roto récords históricos con 'Soltera, casada, viuda, divorciada', asegura que grabar en Tarapoto ayuda a impulsar el cine regional. “Es bueno dar una mirada, descentralizar el cine y no solo por el paisaje sino por el talento local y ‘Separada, pero nunca sola’ es prueba de ello. La historia se puede amoldar a cualquier escenario, pero la belleza de Tarapoto es muy idónea”, añadió.

Asimismo, la directora sorprendió al contar una anécdota que les pasó en pleno rodaje. Tuvieron que lidiar con el imprevisible clima selvático. “Había escenas donde no debía haber lluvia y éramos sorprendidos con la lluvia. Nos convertimos en Senamhi tratando de saber el tiempo”, dijo entre risas.

Por otro lado, Ani Alva no pudo ocultar su emoción cuando se refirió a la primera proyección de ‘Separada, pero nunca sola’, que se realizó en el centro de la ciudad de Tarapoto. “Fue inolvidable, todos llegamos en motocar. Qué mejor celebración que hacerlo con ellos mismos”, concluyó.

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‘Separada, pero nunca sola’ llega a los cines nacionales

La historia que se estrena este 3 de septiembre en todas las salas de cine cuenta con las actuaciones de Emilia Drago, Nicolás Galindo, Joaquín de Orbegoso y Ximena Palomino. En tanto, la cuota de talento tarapotino recae en Brandon Pereira y Ximena Luna, quienes brillaron en el avant premier de la película que se desarrolló en Tarapoto.

El actor Joaquín de Orbegoso se emocionó al recordar cómo fueron las grabaciones en la ‘Ciudad de las Palmeras’. “Es un sueño que empezó hace un año. Lo llevo en mi corazón para siempre. La selva ha marcado mi vida. !Qué hermoso es nuestro país!. Vivimos en un lugar privilegiado”, manifestó el pasado 28 de agosto, durante la conferencia de ‘Separada, pero nunca sola’.

“Estoy muy orgulloso de haber sido convocado, todos son unos capos. Que hermosa se ve la selva, hay romance, humor, ha sido un regalo maravilloso. Pasen la voz”, agregó Armando Machuca.

La película fue escrita y dirigida por Rodolfo Espinoza Ríos, realizador formado en Ciencias de la Comunicación en la Universidad Nacional de San Antonio Abad del Cusco y en Cine en la Universidad de Vincennes Saint Denis – Paris 8, en Francia. Espinoza también ha trabajado como periodista y asistente de dirección en la televisión francesa, y 'Santidad' marca su debut en el largometraje.

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¿De qué trata la película 'Santidad'?

La trama de 'Santidad' se sitúa en Sarapampa, un pueblo que se alista para conmemorar los cien años de la aparición de la Virgen del Maíz. En medio de los preparativos llega el arzobispo Pedro Boluarte, encargado de coronar la imagen venerada por los habitantes. Sin embargo, su rígida visión sobre la moral y su intención de imponer lo que considera correcto provocan una serie de situaciones que terminan poniendo en duda su propia autoridad.

A partir de ese momento, la celebración religiosa comienza a salirse de control. Detenciones, fanatismo, policías sobrepasados por los acontecimientos y secretos vinculados a la Iglesia transforman la festividad en una peculiar persecución moral en la que ninguno de los personajes parece estar completamente libre de culpa.

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¿Quiénes actúan en la película 'Santidad'?

El reparto está liderado por Pedro Olórtegui, quien interpreta al arzobispo Pedro Boluarte, y Beto Benites, en el papel del padre Fermín Pinares. También forman parte del elenco Ubaldo Huamán, Lilian Nieto, Natalia Bonifaz, Víctor Acurio, Hugo Bonet, Mauricio Rueda, Marina Pumachapi, Adolfo Baca y los integrantes de la Comunidad Cultural Ñawpa Ñan.

La producción está a cargo de Beyker Bances, fundador de Llanki Cine y productor especializado en adaptaciones literarias y coproducciones internacionales, junto con Beto Benites, de +58 Producciones, quien además de su trabajo como actor ha desarrollado proyectos cinematográficos en América Latina, Europa y Estados Unidos.