Una de las películas que compitió en esta categoría dedicada al cine internacional venía con los mejores reconocimientos. Nos referimos a la película brasileña El agente secreto (2025) de Kleber Mendonça Filho y protagonizada por Wagner Moura. Por ejemplo, en la edición del 2025 del Festival de Cannes llegó a ser la película más premiada, consiguiendo los galardones en mejor dirección, mejor actor, el premio FIPRESCI (otorgado por la crítica dentro del marco del festival), entre otros. En el Festival de Cine de Lima, para ponernos locales, se impuso como la mejor película de ficción. Su recorrido hacia el Oscar, se colige, fue no menos que auspicioso. Para no pocos era la película favorita para llevarse el Oscar a mejor película internacional. Pero algo pasó, no consiguió ninguna estatuilla. Claro, la estatuilla no define la perdurabilidad de una película. En esta categoría, a los premios Oscar, a lo largo de su historia, se les ha escapado varias veces la tortuga. Veamos al vuelo: Matrimonio a la italiana (Italia/1964) de Vittorio de Sica, Mujeres al borde de un ataque de nervios (España/1988) de Pedro Almodóvar y Amores perros (México/2000) de Alejandro González Iñárritu. Obras maestras.

Violencia política

Brasil, en el siglo XX, tuvo dos dictaduras. La primera, de Getulio Vargas (de 1937 a 1945); y la segunda, una dictadura cívico-militar que duró 21 años, de 1964 a 1985. Son periodos que no han escapado de la mirada de los creadores brasileños; al respecto, pensemos en la obra de Rubem Fonseca, específicamente en su novela Agosto (cuyo contexto son los últimos días de vida de Vargas, para más señas). Ese par de dictaduras conforma el espectro de los años de la violencia política en Brasil. Los periodos oscuros no terminan cuando acaban; más bien es la memoria la que no deja de reconfigurarlos, especialmente cuando no se ha conseguido justicia. Así pasa en Perú, Argentina y Colombia si nos referimos a algunos países de la región igualmente marcados por la intolerancia política y la sangre.

1977

Este es un año especial dentro de la historia brasileña, porque la dictadura cívico-militar empezaba a bajar la intensidad de la represión en contra de los disidentes. En este contexto, tenemos a Armando (Wagner Moura), un profesor e investigador universitario que llega a Recife en un Volkswagen amarillo. Cuando se dispone a cargar de combustible su automóvil, se percata de la presencia de un cadáver, tapado con cartón, en una de las entradas del grifo. La extrañeza se refuerza con la naturalidad con la que el empleado del grifo atiende a Armando; misma extrañeza que se repotencia mucho más con la llegada de la policía al grifo. En vez de averiguar por qué ese cadáver está ahí, tienen la orden de revisar el escarabajo amarillo de Armando.

Armando se hospeda en una suerte de pensión que no es más que una casa refugio para perseguidos políticos administrada por una mujer de 77 años a quien todos llaman doña Sebastiana. Algunos mantienen sus nombres reales, otros prefieren un pseudónimo. Armando pasa a llamarse Marcelo, a saber.

Armando tiene un hijo pequeño llamado Fernando. La madre del niño y pareja de Armando está muerta. Poco tiempo atrás, Armando y Fátima, ambos investigadores, tuvieron una discusión con el empresario Henrique Ghirotti, ligado a la dictadura militar, quien anula los fondos de investigación de la universidad para la que Armando y Fátima trabajaban. Para expandir sus empresas, Ghirotti requiere que las universidades públicas de la zona no cuenten con programas de investigación. La pareja humilla a Ghirotti y su hijo matón en un restaurante. Ghirotti no lo soporta y usa todos sus vínculos para asesinar a Armando.

Kleber Mendonça Filho nos presenta la historia de una persecución silenciosa, en donde la muerte está muy presente en el contexto de época; es decir, todos saben que los militares asesinan a quienes consideran incómodos, y la muerte convive con el espíritu festivo propio del pueblo brasileño (hay tiempo para reír entre tanta desgracia, incluso los psicosociales están a la orden del día con la pierna humana amputada por un tiburón, que suscita crónicas en la prensa y que calza con el estreno en Brasil de Tiburón de Steven Spielberg, segmentos que le dan el toque surrealista a El agente secreto). Pero el gran problema del director es la interacción de sus personajes. Por lo dicho, esta es una historia atractiva con personajes ricos (ni hablar de la duración de poco más de dos horas y media), pero que no terminan de cuajar debido a las muchas capas narrativas del relato, como lo político, lo familiar, lo social, lo íntimo, la angustia, la venganza, la esperanza, etc., que el director no supo aquilatar. Ejemplo de lo dicho es la escena final, en la que se impone el azar por fuerza y no por naturalidad.

La narratología tiene una larga tradición y su base no es otra que la interacción entre los personajes, que es el punto débil de El agente secreto, que se pierde en su ambición de época. Con esta falencia, no tenía opción alguna ante Valor sentimental de Joachim Trier y Fue solo un accidente de Jafar Panahi.

En este contexto, muchos seguidores buscan ver 'Euphoria' temporada 3 capítulo 2 en español latino para entender el giro de personajes como Rue y Jules, cuyo reencuentro redefine el tono de la temporada. La serie, creada por Sam Levinson, mantiene su estilo introspectivo y visualmente potente.

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¿Dónde ver 'Euphoria' temporada 3 capítulo 2?

El capítulo 2 de 'Euphoria' temporada 3 está disponible exclusivamente en HBO Max, plataforma que cuenta con los derechos de distribución oficial de la serie.

Los usuarios pueden acceder al episodio bajo distintas opciones:

• Versión en idioma original (inglés)
• Doblaje en español latino
• Subtítulos en múltiples idiomas

Para ver 'Euphoria' temporada 3 capítulo 2, es necesario contar con una suscripción activa. La plataforma permite reproducir el contenido en diversos dispositivos, incluyendo smartphones, televisores inteligentes y navegadores web.

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¿Qué pasa en 'Euphoria' temporada 3 capítulo 2?

El episodio avanza en varias líneas narrativas, pero el momento central ocurre con el reencuentro entre Rue y Jules. Interpretadas por Zendaya y Hunter Schafer, respectivamente, ambas protagonistas vuelven a coincidir tras un periodo prolongado sin contacto directo. La escena evita caer en el dramatismo convencional y apuesta por una interacción marcada por la distancia emocional.

Rue se presenta con una aparente estabilidad, aunque su fragilidad interna sigue latente. Jules, en cambio, mantiene su dualidad entre control y vulnerabilidad. Este cruce no resuelve su vínculo, sino que lo deja en un estado ambiguo, donde el pasado continúa influyendo sin ofrecer una reconciliación clara.

En paralelo, el episodio desarrolla la tensión entre Maddy, Cassie y Nate Jacobs. Mientras Maddy adopta una postura más estratégica en su entorno, Cassie profundiza su necesidad de validación personal. La relación con Nate, marcada por una inminente boda, introduce un conflicto silencioso que anticipa consecuencias aún no reveladas.

Entre los elementos más destacados del capítulo:

• Reencuentros que reabren conflictos emocionales
• Decisiones que aparentan estabilidad, pero esconden tensiones
• Personajes atrapados entre lo que fueron y lo que intentan ser

El capítulo 2 de 'Euphoria' temporada 3 no ofrece resoluciones definitivas. En su lugar, plantea una narrativa en suspensión, donde cada vínculo evoluciona sin cerrarse por completo.

Bertrand Morane (Charles Denner) no puede vivir sin el cariño de las mujeres, a quienes divide entre las potrancas y las gatitas. Este tipo es capaz de todo con tal de poder cruzar palabra con aquella que le gusta, siempre y cuando sus piernas le llamen la atención, porque, según él, a través de una somera observación del contorno de las pantorrillas y tobillos, se puede llegar a conocer el carácter y la personalidad de las mujeres.

Podría pensarse que Bertrand es un seductor incorregible, un hormonal que deambula por las calles de Montpellier. Pues no. No es el clásico mujeriego en búsqueda de aventuras; es solo un sujeto normal y corriente, de casi 50 años, dispuesto a ofrecer honestas dosis de afecto, ternura y cariño. A Bertrand solo le basta su franqueza para hacer que las mujeres se enamoren perdidamente de él, tal y como le ocurre con Delphine (Nelly Borgeaud). Delphine está obsesionada con recibir toda la atención posible, toda una loca de atar que llega a matar a su esposo para tener el camino libre con Bertrand.

Sin embargo, es con Helene (Geneviève Fontanel), de 41 años y dueña de una tienda de lencería femenina, con quien experimenta el primer rechazo de su vida, ya que ella solo se enrola con hombres menores de 30. Esta cachetada al orgullo le impulsa a exorcizarse por medio de la escritura de sus memorias amatorias. Ese ejercicio de exploración lo lleva a exponer la difícil relación que tenía con su madre, para quien sus novios eran más importantes que el pequeño Bertrand. Bertrand envía el manuscrito de sus memorias a varias editoriales, pero solo una acepta publicarlo tras ser aprobado por la lectora editorial Geneviève (Brigitte Fossey). Entre Bertrand y ella, vaya novedad, surge un romance basado en el mutuo apoyo. Bertrand está por publicar su primer libro y, por ello, anda nervioso.

Cierta noche, Bertrand se dirige al encuentro con una examante. Mientras camina, reconoce a una mujer en la acera de enfrente, pero al cruzar la pista para darle el alcance, es atropellado. En el hospital fallece luego de un fallido intento por tocar las piernas de su enfermera. Días después es despedido en el cementerio por todas las mujeres de su vida, quienes, en honor del hombre que las amó, y pese a no conocerse, al parecer se han puesto de acuerdo para llevar falda.

Todo indica que lo único que esperó Truffaut de esta película fue divertirse. Contar una historia simple, perfilar bien a sus personajes, que cada detalle cuajara en la estructura sin hacer ruido. Todo un digno trabajo de relojería. Esta película no es una obra maestra, pero tiene encanto.

…

Datos:

Disponibilidad. El hombre que amaba a las mujeres en Prime Video.

Edición. Sugerimos la lectura de El cine según Hitchcock de Truffaut. Es una clase maestra de cómo armar una historia.

Ineludible. François Truffaut es un pilar de la Nouvelle Vague francesa. Entre sus títulos más importantes: Los 400 golpes (1959) y Jules y Jim (1962).

En la web del Congreso peruano, se lee lo siguiente el pasado 7 de abril:

 “Con el fin de garantizar la preservación, recuperación, protección, investigación, puesta en valor y difusión del patrimonio cinematográfico y audiovisual peruano, la Comisión de Cultura y Patrimonio Cultural, que preside Susel Paredes Piqué (bancada BDP), aprobó hoy el dictamen que propone la Ley de la Cinemateca Nacional del Perú”.

La aprobación de este dictamen no tuvo abstenciones. Tuvo 11 votos a favor y uno en contra. Bajo todo punto de vista, se trata de una muy buena noticia, una pequeña luz de esperanza, en especial en estos últimos años en los que el cine peruano se ha visto violentado por una nueva ley de cine, que fue aprobada por este Congreso mediante insistencia. Esta nueva ley es todo un peligro, principalmente para la producción audiovisual que se desarrolla en el interior del país; una ley que propone, entre otras maravillas del horror, un “jurado” que va a juzgar/filtrar/aprobar los proyectos que candidatean por un apoyo económico del Estado.

El cine peruano de los 2000 en adelante está escribiendo su historia. Como nunca antes, estamos viendo muchísimas películas peruanas reconocidas por el público y rompiéndola en festivales internacionales. Este auge se hizo sin tener una cinemateca nacional. Es decir, sin una memoria visual a la que acudir, sin una fuente para confrontar ideas, estilos y tendencias. Una cinemateca nacional es como una biblioteca nacional. Por ello, que vaya a empezarse a discutir una ley que respalde la existencia de una cinemateca no deja de ser saludable.

La historia del cine peruano tiene no pocas películas valiosas que se han perdido por falta de conservación. Las películas de inicios del siglo XX, las contadas que han quedado, a saber, han sobrevivido ya sea por la iniciativa privada o por milagro. Con una cinemateca nacional, se garantiza el cuidado de la tradición, tan importante para la creación, el análisis y la discusión.

Felizmente, los hacedores de la nueva ley de cine no han sido reelegidos. Esa es igualmente una buena noticia. Un merecido chicotazo.

…

Datos:

 Voto en contra. A María Elena Moyano de Fuerza Popular no le interesó que exista una cinemateca nacional.

Reconocimiento. También para el Colec­tivo por la creación de la Cinemateca Nacional. Valió la pena insistir.

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 Eso es parte del guion de Margo’s Got Money Troubles (o Margo tiene problemas de dinero), una serie basada en la novela de Rufi Thorpe y que reúne a la nominada al Óscar 2026, Elle Fanning y a la icónica Michelle Pfeiffer. La República asistió a la conferencia organizada por Apple TV. “Creo que un tema central de la serie es el juicio. Se juzga mucho a estos personajes por las decisiones que toman en sus vidas.
Y no se puede juzgar un libro por su portada. No se puede, existe esa idea preconcebida, pero uno no sabe por qué estas personas hacen esto, ni en qué situación se encuentran, ni la desesperación que sienten, ni las necesidades que tienen”, responde Fanning a la prensa internacional.

La actriz de Sentimental Value, es la protagonista. La serie ha sido creada por David E. Kelley, conocido por las premiadas  Big Little Lies y The Undoing. Al igual que estas producciones, Margo tiene problemas de dinero es una serie centrada en sus personajes femeninos. Pfeiffer es Shyanne Millet, la madre de  Margo y alguien que entiende  lo que es ser madre soltera.

“El libro de Rufy me impactó muchísimo. Era un éxito rotundo; la gente lo quería. Querían adaptarlo. Así que todos iban tras él. Tuve la suerte de poder leerlo. David también estaba leyendo, A24 (la productora) también. Y entonces nos dimos cuenta: ‘Un momento, deberíamos unir fuerzas’. Al final, a Rufy le encantó nuestra versión y conseguimos los derechos del libro”, comenta Fanning  al lado de Pfeiffer. “David es un genio. Creo que todo el mundo lo sabe en el mundo de la televisión; su escritura es tan clara y sincera. Logró captar la esencia de Margo en cuanto a humor, pero también en cuanto al desamor. La serie tiene un tono precioso, difícil de describir. No es comedia ni drama, sino un punto intermedio que se siente como la vida real. Había personajes con los que quería conectar, y siento que nunca antes había interpretado a alguien como Margo”.

“Sentí que gané mucha confianza y valentía al interpretarla”

Los dos primeros capítulos están destinados a conocer el porqué de las decisiones de la protagonista y de su familia. Es la única hija de la relación de Shyanne con un famoso luchador que ha sido un padre ausente. Margo comparte un departamento con sus compañeras de universidad y más de una persona, incluido su profesor —el padre de su hijo— le sugirió que “la mejor decisión” era interrumpir su embarazo.

“Ella toma muchas decisiones difíciles, pero la forma en que logra superarlas, recuperarse y encontrar su fuerza de nuevo...Esa resiliencia es lo que más admiro de ella. Y sentí que gané mucha confianza y valentía en mí misma al interpretar a un personaje que tiene esa fuerza y chispa”, señala la actriz en la conferencia transmitida por Zoom.

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A Pfeiffer le tocó un personaje, aparentemente, con los mismos conflictos. Aunque luce como una madre moderna, está a punto de casarse, maneja un descapotable y vive independiente de su hija, es golpeada con la idea de que la historia se repita.

“¿Lo amaré?”, le pregunta Margo. “Por supuesto. Igual que te amé a ti desde el momento en que naciste... Pero esta vida que nunca llegaste a conocer, se acabó. No puedo alegrarme por eso”.  Ella trabajaba en un restaurante cuando conoció a Jinx (Nick Offerman), quien después le contó que era casado. “Tú estabas en la universidad. Pudiste ser alguien”, le dice Shyanne a Margo en la serie.

En la conferencia de prensa, la actriz respondió sobre la complejidad de esa relación madre-hija. “Bueno, siempre me han parecido muy interesantes y complicadas las relaciones madre-hija (yo tengo una). De alguna manera, creo que son más complicadas que las de padre-hijo, pero quizás sea porque no soy así. Y me encantaron estos dos personajes. Me encanta Shyanne. Me encanta lo fuerte que es, lo superviviente que es. Solo puedo imaginar cómo ha sido su vida y su infancia”.

En la serie, se plantea que ambas intentan, de algún modo, llenar un vacío. “Y lo único que quiere es lo mejor para Margo y una vida mejor para su hija que la que ella tuvo. Y la verdad es que, cuando descubre que Margo ha decidido quedarse con el niño, actúa movida por el miedo y el pánico de que Margo siga sus pasos, que es lo último que desea en el mundo. Pero al fin y al cabo, son solo un grupo de personas imperfectas y complicadas que intentan hacer lo mejor que pueden con las cartas que les han tocado. Y al final del día, se aman y, en definitiva, eso es lo único que importa”.

Universos posibles

Al ser consultada sobre los prejuicios, Elle Fanning abordó el caso de la famosa plataforma. Claro, sin hacer apología a una actividad, sino para hablar de la intención de la protagonista. “Yo sabía lo que era OnlyFans. Quizás no lo sabía con la profundidad que sé ahora porque pudimos investigar mucho al respecto. Sé que Rufy, la autora del libro, habló con muchas chicas y analizamos a algunas en particular. Así que ahí está, y OnlyFans tiene un amplio espectro. Puede haber cosas muy extremas, pero también cosas tan simples como pisar mantequilla”.

En un momento, Pfeiffer habla sobre ello y la dinámica madre-hija. “Ningún padre quiere oír eso”, dice sobre descubrir que tiene una cuenta  en OnlyFans. “Existen ciertas connotaciones y prejuicios al respecto, y no se comprende del todo qué es realmente esa plataforma. Creo que reacciona (su personaje) con miedo y pánico, algo que a veces les ocurre a las madres”.

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Fanning comenta que parte de esa desesperación por mantener a un bebé llevó a Margo a crear un personaje. De hecho, la serie tiene elementos de fantasía. “Mi enfoque principal era que era una vía de escape para ella. Es algo que le permite reencontrar esa chispa de creatividad. Es una aspirante a escritora. Pensó que ese sueño se había esfumado. Y esta plataforma le brinda un espacio para sentirse cómoda consigo misma de nuevo, para encontrar el poder de crear un personaje. También crea una comunidad. Pero sí, eso conlleva críticas. Eso es algo que abordamos en la serie, pero creo que, para nosotros y para mí, lo importante era la alegría que le estaba brindando a Margo en ese momento”.

Para Pfeiffer, esta producción habla de temas universales. Para un sector de la crítica en Estados Unidos, este personaje es parte del “resurgimiento” de su carrera.  “Quizás uno de los temas principales de la serie es no juzgar a la gente por las apariencias”, señala la actriz sobre la serie. “Y que, ya sabes, solo porque se vistan de cierta manera, trabajen en lo que trabajan o vivan en cierto barrio, en el fondo todos lidiamos con los mismos problemas: los mismos problemas con nuestros hijos, con nosotros mismos, con la drogadicción, y todo eso es universal. Y ojalá podamos, porque a estas personas realmente se las podría juzgar con dureza”.

Margo tiene problemas de dinero, es una serie de ocho episodios y está disponible en Apple TV.

La historia se centra en Ryu y Ken, quienes son llamados a la acción por Chun-Li para participar en el Torneo World Warrior, un evento que reúne a diversos luchadores de todo el mundo. En medio de esta competencia, surge una conspiración que los lleva a confrontar no solo a sus oponentes, sino también a sus propios pasados.

La cinta tiene un reparto de lujo, entre los que destacan: Andrew Koji como Ryu, Noah Centineo como Ken, Jason Momoa como Blanka, Callina Liang como Chun-Li, Curtis Jackson (50 Cent) como Balrog, Joe Anoai como Akuma, Cody Rhodes como Guile, David Dastmalchian como M. Bison.

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¿Cuándo se estrena la película ‘Street Fighter’?

La nueva película de Street Fighter llegará a las salas de cine de Latinoamérica el 15 de octubre, mientras que en Estados Unidos su estreno está programado para el 16 de octubre. Jason Momoa no solo forma parte del elenco, sino que también ejerce como productor del filme.

La película marca el tercer intento de adaptar esta popular franquicia al cine. La primera versión se presentó en 1994, con un elenco que incluía a Jean-Claude Van Damme, Raúl Juliá, Ming-Na Wen y Kylie Minogue. Posteriormente, en 2009, se estrenó 'Street Fighter: The Legend of Chun-Li', con Kristin Kreuk como protagonista.

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Laëtitia Hollard ingresa a la segunda temporada interpretando a una enfermera recién graduada. “A través de Emma, que está viviendo su primer día como enfermera en un hospital tan intenso, el público puede experimentar esa sensación de presión, incertidumbre y vulnerabilidad que muchas veces no se muestra en pantalla”, responde la actriz a La República en una rueda de prensa organizada por HBO Max.

La serie ha tenido éxito en audiencia, pero también del lado de la crítica, y ha ganado los Emmy y los Globos de Oro. Nació como un proyecto del equipo responsable del fenómeno ER. Para Laëtitia Hollard, la autenticidad de un guion que no muestra solo héroes, es un sello de la producción. Por ello, comenta, logró conectar con el público. “The Pitt no solo muestra la intensidad de los casos médicos, sino también lo que pasa internamente con cada personaje: el miedo, el cansancio, la presión y el deseo de hacer las cosas bien. Eso hace que la historia se sienta muy humana”.

Su personaje se enfrenta a varios retos, algo que ella misma comparte, ya que llegó a la serie cuando acababa de graduarse de la prestigiosa escuela de arte Juilliard. “En el caso de Emma (Nolan), pienso que muchas personas se identificaron con esa sensación de llegar a un lugar nuevo sintiéndote abrumada, con miedo de no estar a la altura, pero aun así seguir adelante. Ella representa esa etapa de aprendizaje en la que dudas de ti misma, pero también descubres tu fortaleza. Creo que esa mezcla de vulnerabilidad, resiliencia y empatía hizo que mucha gente conectara con ella”.

En esta temporada, la historia inicia meses después del final de la primera y se sitúa durante las celebraciones del 4 de julio en Estados Unidos y las urgencias. También aborda la salud mental, el bajo presupuesto y muestra la violencia del ICE como parte de las políticas de migración de Donald Trump.

 “En general, siento que la serie ha resonado porque habla de algo muy universal: cómo enfrentamos situaciones difíciles, cómo seguimos adelante en medio del caos y cómo, incluso en los momentos más duros, seguimos buscando cuidar de los demás. Eso es algo con lo que muchas personas pueden sentirse identificadas”.

 ¿Cómo desmitifica la serie al sistema de salud?

Creo que The Pitt desmitifica el sistema de salud porque muestra la realidad del trabajo en una sala de emergencias sin romantizarla. La serie retrata un entorno caótico, exigente y emocionalmente agotador, donde las decisiones deben tomarse en segundos y donde no siempre hay respuestas claras. Lo importante es que la serie no presenta al personal de salud como héroes perfectos, sino como personas reales: con miedo, cansancio, dudas y también una enorme vocación. Además, toca temas muy relevantes, como la sobrecarga laboral, la falta de recursos y los riesgos que enfrentan quienes trabajan cuidando a otros. Creo que eso hace que la historia se sienta mucho más honesta y cercana, y también genera más empatía hacia quienes sostienen el sistema todos los días