'La banda Baader Meinhof' tuvo mucho éxito en taquilla y llegó a ser nominada a mejor película extranjera en los premios Oscar de 2009. Al final, ese galardón se lo llevó la japonesa 'Departures', de Yojiro Takita. No pocos especialistas señalan que una de las razones por las que no ganó el trabajo de Edel obedeció a que la Academia prefirió proyectos con temáticas más emocionales y universales, como la reconciliación.

Se trata de un trabajo de ficción con voluntad de crónica. La historia empieza con la escritora y periodista Ulrike Meinhoff (Martina Gedeck), quien pasa una tarde familiar en una playa nudista. Para Ulrike, casada y con dos hijos, su círculo está desconectado de lo que sucede en el mundo. Ella es una intelectual rebelde que escribe en la revista de izquierda Konkret y desde esa trinchera critica la guerra de Vietnam, el abuso contra el pueblo palestino y la obsesión crematística de las grandes potencias. Es 1967 y a Alemania ha llegado en visita oficial el Sha de Irán, Mohammad Reza Pahlavi, y su esposa. Este arribo no pasa desapercibido para Ulrike, quien escribe un artículo furibundo sobre la esposa del Sha. A razón de esta visita, se refuerzan las protestas del estudiantado contra las políticas del gobierno. No solo participan de la represión las fuerzas del orden, sino igualmente jóvenes de ultraderecha. Esa confrontación dejó muertos, heridos y procesados. Cuando Ulrike se dirige a cubrir los juicios que condenarían a los líderes de los revoltosos, conoce al cabecilla Andreas Baader (Moritz Bleibtreu). Ulrike abandona a su esposo (a razón de una infidelidad) y a sus dos hijas. Para ella, había una razón superior: no quería ser una rebelde de escritorio, había que cambiar el mundo, había que pasar a la acción.

Para Uli Edel, quien fue testigo de las protestas juveniles y del auge de la banda, llamada también Fracción del Ejército Rojo, esta es la mayor tragedia que le pudo pasar a la Alemania de la posguerra. Su trabajo es visualmente impecable y se adecúa al espíritu del libro de Aust; es decir, solo representa y, en esa dinámica, no juzga. Con la representación misma ya hay una crítica implícita a lo que supuso esta organización, que recogió el espíritu insatisfecho de una parte de la juventud alemana que no quería ser dominada por el fascismo.

En La banda Baader Meinhof hay mucho rock, sexo, drogas y desenfreno. Uli Edel la rompe con un ritmo que hace que sus dos horas y media no se sientan. Tenemos, se deduce, la actitud de los rebeldes; pero del mismo modo el lado de las autoridades, que recayó en Horst Herold (genial Bruno Ganz), presidente de la Oficina Federal de Investigación Criminal, quien fue el encargado de perseguir, desarticular y capturar a los líderes de la banda. Su discurso sobre el orden no solo contrasta con el de los rebeldes, sino que asimismo es más aterrizado en la realidad. Del encuentro de ambas posturas, se origina una pregunta que atraviesa toda la película: ¿qué tuvo que pasar en Alemania, en el lado supuestamente próspero, para tener un grupo de jóvenes que dejó con sus atentados más de 30 muertos?

La banda Baader Meinhof se enfoca en el periodo 1967-1977 (terminó por desaparecer definitivamente en 1998) y desarrolla la dinámica de Andreas Baader y Ulrike Meinhof (de ahí el nombre Baader Meinhof). Baader era el más impetuoso y se relacionó con no pocas agrupaciones armadas del mundo. Por su lado, Ulrike no soportó la prisión y terminó suicidándose en 1976.

Andreas Baader y otros adherentes se hallaban en prisión en 1977. Herold había cumplido su tarea. Baader ideó una última estrategia para exigir su liberación. Sus adherentes en libertad secuestraron un avión, el vuelo 181 de Lufthansa. Pidieron la liberación de Baader y compañía. Las negociaciones fracasaron. Baader y sus seguidores acordaron suicidarse. Lo hicieron en la prisión de alta seguridad de Stammheim, en Stuttgart. Ese suceso es conocido como la 'Noche de la muerte de Stammheim'. ¿Cómo lo hicieron en un centro catalogado como uno de los más seguros de Alemania? Ese es un misterio que sigue hasta hoy. Esta película de Edel es, de acuerdo con los historiadores, una representación histórica muy fidedigna. Puede verse en plataformas y circuitos alternativos, que en Lima aún existen.

Después de Dolor y gloria (2019), esta película también es una historia personal del artista manchego, pero esta vez el guion se acerca más y narra dos autoficciones: presenta a una directora Elsa (Bárbara Lennie) y al guionista Raúl (Leonardo Sbaraglia), quien tiene la tarea de escribir sobre la vida de la cineasta.  En declaraciones enviadas por Warner Bros. a La República, el actor argentino comenta que a diferencia de la anterior película tenía ahora más exigencia y “más responsabilidad” por acercarse a la búsqueda del director.

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 “La diferencia tuvo que ver con que la responsabilidad era mucho mayor. Quizás aquella vez era un personaje que yo lo tenía más cerca, no sé, había colores que, desde cierta ternura, de cierto candor, de cierta cosa que naturalmente, quizás ya se lo estaba dando”, comenta sobre la película protagonizada por Antonio Banderas y que fue nominada a dos premios Óscar en 2020. “En cambio, en este caso, con Raúl, había que encontrar, como dice Pedro, un retrato diferente, un retrato no amable del mismo, un retrato escurridizo”.

En una entrevista con Deadline, a propósito del estreno en Cannes que tuvo en las butacas a Juliette Binoche, Pedro Almodóvar reveló que Amarga Navidad terminó siendo tan personal que lo sorprendió. “Suena un poco paranormal, pero realmente siento que algo más se apodera de mí durante el proceso de escritura, y llega un punto en el que es la historia la que dicta lo que sucede. Yo mismo me sorprendí con el final cuando llegué al final de la historia. En realidad, esta es la adaptación de un cuento que escribí hace muchos, muchos años, que contaba la historia de Elsa con su novio, el bombero/stripper, y su amiga Patricia (Victoria Luengo), y el viaje que hacen a Lanzarote. Fue una completa sorpresa para mí que Mónica, el personaje que aparece en la última media hora de la película, sea quien desafía al autor. Ella no formaba parte de la historia anteriormente. Ella vino a mí”.

Almodóvar es un artista que ha defendido la libertad creativa y su cine ha visibilizado a las minorías. También sus películas han abordado temas complejos como la eutanasia en La habitación de al lado. En Cannes 2026, sostuvo que el artista tiene un deber moral.

“Sin querer juzgar a nadie, creo que el artista debe hablar de la situación que vive la sociedad. El silencio y el miedo —porque claramente se trata de una expresión de miedo— son una muy mala señal; son una señal de la erosión de la democracia”, dijo en la rueda de prensa. “Como europeos, estamos también obligados a convertirnos en una especie de escudo contra monstruos como Trump, Netanyahu o el ruso. Estamos obligados porque aquí si obedecemos las leyes internacionales”.

En la piel del alter ego

Después de interpretar a la expareja del protagonista de Dolor y gloria, Leonardo Sbaraglia fue ovacionado tras la proyección de Amarga Navidad en Cannes. “Había que ir encontrándolo y era mucha más la responsabilidad de ir encontrando a ese personaje porque, al ser un alter ego tampoco es que estaba muy retratado en lo conceptual, porque no tiene escenas donde, de alguna, se ve o se expresa lo que le está pasando, sino que se expresa desde un lugar muy conceptual, se expresa desde la palabra, desde cierto relato”.

El guion había sido escrito por Almodóvar durante cuatro años, mientras continuaba desarrollando otras películas. En este cruce de la realidad y la ficción, Raúl, el personaje de Sbaraglia, continúa escribiendo la historia inspirándose en personas reales. Está la asistente Mónica, interpretada por Aitana Sánchez-Gijón, una suerte de antagonista de la propia vida de Almodóvar. “Es un reflejo de las formas en que me cuestiono a mí mismo. Siempre estoy muy atento y receloso de no caer en la complacencia”, ha dicho el español a Deadline.

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Para Sbaraglia, Raúl fue un alter ego que tuvo que construirse a partir de los detalles. “Pero insisto, estaba como muy puesto en el relato; entonces, era realmente difícil ir contándolo, pero tuvimos la suerte de tener muchísimos ensayos, muchísimo trabajo codo a codo con Pedro, de mucha precisión. Es un director que busca, casi como un cirujano, el trabajo sobre el actor o sobre la actriz. Entonces, no es fácil para nada porque tienes que ir encontrando la organicidad en esa especie de precisión, y ese fue, creo, que el trabajo más difícil”.

Pedro Almodóvar ha comentado que esta película ha sido una experiencia liberadora y divertida como parte de un proceso de autocrítica. Para el argentino, volver a trabajar con él sigue siendo un salto creativo que define como impresionante.

“Trabajar así, como cuando uno le toca trabajar con grandes directores, como el caso de Pedro, como el caso de otros grandes directores con los que me ha tocado trabajar, creo que el máximo desafío y la originalidad siempre tienen que ver con subirte a algo de esa especie, de esa impronta, de esa paleta. Subirte a algo de esa especie de micromundo que estos grandes directores construyen, y esa precisión también implica una renuncia de algo más personal. Es como que tener que convertirte, tener que llevar todo tu cuerpo y todo tu lugar a un lugar que le pertenece a otro. Y eso es el mayor trabajo, ¿no? Como algo de la propia renuncia para poder hundirte y plegarte y mimetizarte con un mundo que es completamente nuevo”.

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Con la película The Mandalorian and Grogu, el actor chileno-estadounidense vuelve a interpretar al personaje detrás de la armadura mandaloriana. “De lo que me siento muy orgulloso de esta película y por lo que estoy tan conectado con ella es de ver la reacción que ha tenido la gente, especialmente durante el COVID, cuando era una de las pocas cosas que se podían hacer. Era un entretenimiento nuevo, muy cinematográfico para la televisión, era un descubrimiento, y Grogu era un personaje muy positivo para eso. El Mandaloriano al principio era un personaje muy oscuro, así que esa yuxtaposición fue genial”, declaró Pascal en una entrevista para Cadena Ser.

Desde el inicio del filme, Mando o Din Djarin está acompañado de un carismático Baby Yoda, como lo conocen los fans. La coronel Ward (Sigourney Weaver) lo envía a una misión para encontrar a Rotta (con la voz de Jeremy Allen White), pero se enfrentará a los gemelos Hutt. La película tiene un guion sencillo y las críticas que ha recibido son mixtas. Quizá ello responda a la gran expectativa por cada historia que se desprenda del universo creado por George Lucas.

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Sin embargo, uno de los aciertos de The Mandalorian and Grogu es que no es necesario ser fanático de la franquicia para entender aspectos del mundo del protagonista y cómo, acompañado de su protegido, lucha contra los enemigos de la democracia.

 “Uno siempre se tiene que acordar de que la lucha en estas películas es por lo bueno. Y en la República o la democracia galáctica, esa es la aventura, luchar por el bien del mundo, y proteger a los inocentes y a la gente que merece protección. Por eso vamos al cine.  Star Wars representa muchos mundos con diferentes especies, personajes de diferentes mundos que reflejan las culturas que tenemos en nuestra tierra, todos los países”, responde en la mencionada entrevista.

Para Pascal, quien recuerda haber ido al cine desde pequeño para ver Star Wars, cada generación tiene una versión de ese universo.

“Los personajes han calado en la cultura popular”

El director dio declaraciones para D23 y coincidió con Pascal sobre la idea de que cada generación busca ver una historia de Star Wars en los cines. 

“Estos personajes han calado hondo en la cultura popular. Hay fans que nos han apoyado desde el principio; les debemos mucho y han corrido la voz. Pero existe toda una categoría de público, incluso espectadores más jóvenes: alguien que ahora tiene 12 años, hace siete no tenía edad para ir al cine a ver una película de Star Wars. Pero puede que conozcan al personaje; puede que hayan jugado con un juguete de Grogu, y ahora quizás estén listos para adentrarse en este mundo”, señaló Favreau.

Según explicó, el equipo se alistaba para la preproducción de la cuarta temporada de la serie The Mandalorian, pero debido a la huelga histórica de guionistas y actores de Hollywood, los planes cambiaron y pensó en el cine.

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“Esta historia de terror nace en los campamentos, en lo que se cuenta alrededor de la fogata. Entonces, Javi (Velásquez, el director) fue más allá de la leyenda y escribió la novela”, nos comenta la actriz sobre La niña del azúcar. “El protagonista era un hombre, pero decidieron ‘castear’ a mujeres y me escogieron”. La coproducción tiene en el elenco a Fernando Bacilio, Teddy Guzmán y al recordado Óscar Carrillo.

Teddy Guzmán dijo que el guion la convenció por los temas que abordaba. ¿Cómo fue en tu caso?

Cuando leí el guion me parecía entre una película de terror y una historia de detective increíble, ¿no? O sea, creo que es una reinvención del género dentro de AVF (la productora) que ha logrado conectar con el público. Si pensaban que verían solo una película donde iba a aparecer una niña que los iba a asustar, se llevaron  una historia más grande. El recibimiento del público ha sido muy bonito.

El llamado cine comercial peruano no ha tenido muchas películas que convenzan a la crítica y es cierto que varias producciones están muy lejos de ello por su calidad. En ese sentido, ¿qué crees que ha logrado La niña?

Creo que es de las pocas de su género, por no decir la primera, en gustarle al público y gustarle a la crítica. Un día pasé por el Cinerama, que está frente al (Parque) Kennedy, para fijarme cuántas funciones había y vi a un señor que estaba mirando el tráiler y me dice: ‘yo soy crítico de cine y vengo porque he escuchado buenos comentarios’. Que una película logre gustar a ambos es bien complejo y eso es lo estamos logrando.

Es decir, ¿piensas que el cine siempre deber abordar lo que sucede en el entorno?

Completamente. Javi, el director, dijo que la película es un pretexto para seguir hablando de temas sociales que suceden en nuestra selva. Entonces, puedes hablar de un tema social a través de una comedia, y en este caso, a través de un género de terror policial. No por ello dejas de dar una crítica o una reflexión. Siempre se puede. Porque finalmente el género de terror nace de una crítica social, de una denuncia hacia algo que sucede y que la sociedad ignora.

Hablando de nuestra sociedad, este Congreso se despide, pero acaba de crear el Colegio de Artistas sin reunir al sector. ¿A qué crees que se debe esta propuesta?

Este es un Congreso y un gobierno que más se ha preocupado por el qué dirán y no por el hacer, definitivamente. Están haciendo un Colegio de Artistas, gracias, pero eso lo decidimos nosotros, ¿no? Nos lo tienen que consultar. Creo que hay otros rubros que los necesitan con mucha mayor urgencia, como la ley de educación sexual y protección a las niñas y adolescentes que quedan embarazadas. Nosotros, los actores, todos tenemos el derecho de dar nuestra opinión. No sé cuántos partidos no han vuelto a ser elegidos para el Congreso y ahora no saben de dónde más agarrar para llevarse su cuota, ¿no? Para sobrevivir, porque se van a quedar sin trabajo.

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Tú hiciste una carrera universitaria, pero algunos de tus colegas creen que la creación de un colegio sería excluyente y podría buscar censurarlos. ¿Coincides con eso?

Sí, creo que (los congresistas) han pretendido transformar el arte, ¿no? Censurarlo, controlarlo, no se puede, porque el arte es la voz del pueblo. El público no es tonto, pero yo creo que hay muchos políticos que subestiman al público. Creen que mientras no le den tanta importancia a la educación, la gente va a mantenerse ahí. Podrán hacer colegios y leyes, pero el arte va a sobrevivir, porque como decía Manuela Sáenz en la serie El Último Bastión, el artista recoge el sentir del pueblo, lo transforma en una historia y lo cuenta. En La niña se habla de extorsión, de persecución y de mafias. No todo lo hace un gran plan de marketing, hay cosas que se descubren viendo una película.

Desde el teatro también han hablado de la coyuntura y en los últimos años se ha hecho común llamarlos ‘caviares’ para desacreditarlos.

(Sonríe) Pero seguimos y seguimos haciendo cine y teatro. Es que ya no sé si eso nos hace mal o nos hace bien, ¿por qué? Porque nos están haciendo publicidad, y tú sabes que lo peor que puede pasar es que nos ignoren, y por lo menos ignorados en este gobierno no hemos sido. Nos han dado vitrina; bueno, sigan así.

En esta película te toca ser una policía que lidera una investigación en un ‘mundo’ de hombres. Hay varios temas que entrecruzan con lo que debería ser ideal en un país cuando no hay una cultura machista, ¿no?

Qué bueno que lo menciones porque nadie refuta el hecho de que toda esta investigación es llevada por una mujer y ella todo el tiempo está trabajando en conjunto. Entonces, ese es el camino, ¿no? Que pueda ser totalmente natural ver a alguien en un puesto de poder; puede ser hombre, puede ser mujer. Lo importante, más allá del género de quien ocupa un cargo de poder, es que haga un buen trabajo. Y también pues, que quienes lleguen al poder no dejen mal a nuestro género.

Te refieres a la expresidenta.

Como ella: ocupan un puesto de poder y lo usan para cosas que uno mismo critica como mujer, pero ahí están, ‘pensando en mi cabello, mi cuerpo y mis joyas’. En general, a los hombres y a las mujeres no se nos enseña que si ocupas un cargo, ya es trabajo y para eso estamos, para trabajar y no es tan difícil. Por eso en la película se ve la corrupción en la policía y cómo, a pesar de eso, mi personaje sigue haciendo su trabajo.

• Talento extranjero. El actor español Marc Clotet y a los actores argentinos Pepe Monje y María Jesús Rentería.