“Ponerme el traje por primera vez fue interesante porque fue un año antes de rodar Supergirl, obviamente, para Superman. Recuerdo que me lo puse, hicimos una toma y Chantal, una de nuestras productoras, estaba llorando. Le dije: “¡Dios mío!, ¿estás bien?”. Y ella me respondió: “Sí, no, estoy bien. Llevo cinco años intentando hacer esta película”. Así que sí, fue entonces cuando comprendí la responsabilidad, no solo con los fans, sino también con la gente que está haciendo esta película”, dice la actriz en la conferencia en Brasil y transmitida por Zoom a la prensa acreditada.

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Milly Alcock ingresa al salón de la conferencia que lleva el logo de la película.  Está acompañada por el director Craig Gillespie, la guionista Anna Nogueira y el productor y copresidente de DC Studios, Peter Safran. “Supergirl es un personaje importantísimo en DC. Y ya la conocieron un poco en Superman. Sabíamos que había mucho más que contar de su historia. Sabíamos de las tragedias y los traumas que había vivido, y queríamos mostrar cómo encontraba su lugar en el universo”, comenta Safran. “Y a lo largo de Supergirl, lo encuentra. Para nosotros, los guiones son nuestra prioridad. Siempre hemos dicho que no haríamos una película hasta tener un guion excelente. Anna nos entregó un primer borrador fantástico. Y dijimos: ‘Esta será nuestra próxima película’. Para poder seguir explorando la historia de la superfamilia, que es la historia principal que estamos contando en todo el Universo DC”.

Esta película se aleja también de la reciente adaptación televisiva protagonizada por Melissa Benoist. La primera vez que Milly Alcock interpretó a Supergirl en el cine fue en Superman (2025). Kara aparece tropezando, ebria, en la última escena antes de los créditos. “¿Dónde está mi perro?”, dice sobre Krypto, el tercer superviviente de su planeta. “Creo que lo más emocionante de Supergirl fue lo poco convencional que es en comparación con todas las versiones anteriores que habíamos visto”, responde la actriz en la conferencia. “Y en cuanto a la preparación, recibí un regalo maravilloso: el guion de Anna. Sentí que sus experiencias de vida se reflejaban perfectamente en el guion. Y simplemente tuve que confiar en las palabras que estaban escritas. Fue fabuloso. No tuve que hacer prácticamente nada”.

Nogueira sostiene que la película es un “sueño hecho realidad” y se mostró honrada por los comentarios sobre el guion y de los riesgos que tomó la franquicia. “Que no tuvieran miedo de esta caracterización del personaje. Me pareció muy valiente que quisieran hacer esta versión de Kara. Que no se la defina únicamente por su relación con Clark es, creo, simplemente honesto. Todos somos producto de nuestras relaciones, de todo lo que nos sucede, y sí, creo que su relación con Superman importa en la película y en su historia, pero es solo una parte de ella, así que me sentí muy afortunada de poder explorar todas las facetas de su vida, su personalidad, su familia y su pasado, porque, como todos, ella es un tapiz de todo eso”.

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En ese sentido, el director agrega que fue un acierto volcarse a la historia del cómic Woman of Tomorrow: “Milly ya estaba vinculada al proyecto cuando yo me incorporé. Esa combinación del guion con ella, porque es un personaje tan complejo, interesante y con defectos, que no se disculpa por ello, que está pasando por un trauma, y ​​que, de una manera extraña, se convierta en una heroína, tan humana, eso es lo que me entusiasmaba. Poder cambiar esa perspectiva y que no resultara inalcanzable, y que fuera algo con lo que el público pudiera identificarse y celebrar esos defectos, fue un honor. No creo que lo hayamos visto mucho en el universo de los superhéroes, y en particular con las superheroínas, a quienes se suele idealizar y exigirles que sean perfectas, y ver a alguien que es compleja, que se acepta tal como es y no se disculpa por ello fue absolutamente genial”.

Salida de un libro de Roald Dahl

Después de la serie Upright, para tener dinero extra, Milly Alcock continuaba lavando platos en un restaurante en Sídney. “Parece que salgo de un libro de Roald Dahl. Vivía en el ático de la casa familiar porque no teníamos suficientes habitaciones; hacía muchísimo calor allí”, cuenta la actriz en una entrevista a Variety. “Era un esqueleto. Lavaba los platos con tanto orgullo y a la vez tan mal, y como la cocina era abierta, todo el mundo me veía”.

    A las primeras portadas y entrevistas largas de su carrera, llega después de ser mundialmente conocida como Rhaenyra, de House of the Dragon, pero Alcock recuerda que ese personaje lo consiguió tras un casting  por Zoom en 2020. La audición para Supergirl fue presencial y confiesa haber estado “muy asustada”. Sin embargo, James Gunn, luego de verla en la serie de HBO, pensó que ella daría “un toque innato que Supergirl necesitaba”.

Ahora, con los reflectores puestos en ella, Milly Alcock comenta a Variety: “Mi experiencia personal como Milly reflejaba la de Kara, que era: esconderse, huir, fingir que no está pasando. Y luego tienes que enfrentarlo para sanar una parte de ti misma que has estado descuidando”. Ella misma tuvo que convencerse y mostrar valentía para interpretar a Supergirl. “Me miré al espejo y pensé: ‘¿Quién soy yo para rechazar esta oportunidad?’. Sabía que era lo que tenía que hacer porque me daba miedo. Y pensé: ‘Bueno, tengo una vida grande, mala y maravillosa. ¿Por qué no aprovecharla al máximo?”.

• Carrera. Alcock se formó como actriz en el Newtown High School of the Performing Arts en Sídney, pero dejó sus estudios para ingresar a la serie Upright.
• Supergirl. se estrena en la cartelera nacional este jueves 25 de junio.

El cine de Panahi es, principalmente, un cine de denuncia que, por ser tal, no descuida en nada los alcances expresivos a nivel formal. Sin depender de grandes locaciones y presupuestos, ha hecho de la sencillez de recursos, como la cámara en mano que sigue a sus actores, toda una clase maestra de cómo contar historias. Ejemplo de lo dicho lo podemos ver en sus películas Taxi Teherán (2015) y El círculo (2000).  Pensemos en el segundo trabajo consignado, en donde el cineasta pone en bandeja la situación de las mujeres en Irán. Es una película que sorprende al espectador, porque dentro de las limitaciones que las mujeres tienen para expresarse y desarrollarse, se muestra cómo han hecho del disimulo y del ingenio cotidianos un modo de vida en contraste con las restricciones.

Con lo hecho, Panahi podría estar enfocado en otros temas. Ya dejó un valioso documento visual sobre la situación de su país y un legado para los jóvenes cineastas que quieren hacer cine sin necesidad de depender de grandes presupuestos. Panahi dice cómo hacer cine si lo que quieres es hacer cine. Panahi podría estar filmando en cualquier parte del mundo proyectos tanto de denuncia como de búsqueda estética a razón de que es un personaje muy incómodo para el gobierno de Irán. Pero él prefiere regresar a Irán porque no puede hacer cine sin ese contexto que lo alimenta.

En la primera semana de junio, el Tribunal Revolucionario Islámico de Teherán confirmó la sentencia contra Panahi por el delito de propaganda contra la República Islámica de Irán. Este tribunal rechazó la apelación presentada por la defensa del cineasta. La sentencia consta de un año de prisión, dos años de prohibición para salir de Irán y se le prohíbe afiliarse a organizaciones políticas y sociales. Panahi, por cierto, ya ha estado en prisión. En el 2022 fue condenado a seis años de prisión por conspiración contra el gobierno. Fue liberado siete meses después tras hacer una huelga de hambre y pagar una fianza.

A Panahi no le sirve de mucho su prestigio internacional en su país, en donde existe el Ministerio de Cultura y Orientación Islámica, que es el organismo que regula la producción artística y cultural.

Regulación del arte y la cultura en Perú

El sábado 13 de junio, en el diario oficial El Peruano, se dio a conocer la Ley 32645, la cual crea el Colegio Profesional de Artistas del Perú. Este colegio tendrá como misión ordenar y supervisar el ejercicio profesional de las disciplinas artísticas, como las artes plásticas y visuales, música, danza, artes escénicas y afines. En otras palabras, es la oficialización de la censura, la cual, en este quinquenio, hemos visto en todo su esplendor mediante cancelaciones y leyes que atentan contra el sentido común, como la nueva ley de cine.

Este colegio de artistas no es un hecho aislado, no es una ocurrencia local. Es parte de una ola cancelatoria a nivel global que busca avasallar el espíritu crítico del arte. Sin duda, habrá creadores que se mantendrán independientes e igualmente habrá otros que buscarán beneficiarse de este organismo.

Lo sucedido con Panahi es el extremo de la cancelación, pero por ahí van estos despropósitos que nos obsequia el actual Congreso. Estaremos muy atentos.

…

Situación del cineasta. Si bien Jafar Panahi ha sido condenado, aún no ha sido detenido. Se desconoce su paradero exacto.

La ley del Congreso. Esta medida fue impulsada por la Comisión de Educación, cuyo presidente es Segundo Montalvo (PL). Tuvo 83 votos a favor. Contó con el apoyo de las bancadas Fuerza Popular, Alianza para el Progreso y Podemos Perú.

La tranquilidad del resort se rompe cuando una misteriosa desaparición obliga a la policía a intervenir. A partir de ese momento, huéspedes, trabajadores y familias influyentes quedan bajo sospecha. Nadie puede abandonar las instalaciones mientras avanza una investigación que destapa secretos ocultos y vínculos marcados por la desconfianza.

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Reparto de 'Oasis', nueva serie española juvenil de Netflix

Uno de los nombres principales del elenco es Ana Garcés, quien interpreta a Helena, una de las figuras centrales de la historia. La actriz ha ganado notoriedad gracias a trabajos en producciones como 'La promesa' y 'Quizás mañana', consolidándose como uno de los rostros jóvenes más reconocibles de la televisión española.

Junto a ella aparece Tomy Aguilera en el papel de Dani, personaje involucrado en los hechos que rodean la desaparición investigada dentro del resort. El actor es conocido por sus participaciones en 'Bienvenidos a Edén' y 'Asalto al Banco Central'.

Otra integrante destacada del reparto es Victoria Kantch, encargada de dar vida a Celia. Su trayectoria incluye proyectos como 'Por tus muertos', 'El mal invisible' y 'Pura sangre', producciones que le han permitido ganar visibilidad dentro de la industria audiovisual.

Por su parte, Berta Castañé interpreta a Maca, uno de los personajes que forma parte del entramado de relaciones y secretos que impulsa la trama.

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Más actores y personajes de la serie 'Oasis'

Además de sus protagonistas, 'Oasis' cuenta con un amplio reparto que completa el universo de la producción de Netflix:

• Manel Duarte como Pablo.
• Ada Molina como Sofía.
• Álex Mola como Jaén.
• Candela Méndez como Alicia.
• Laura Simón como Laura.
• Jan Buxaderas como Oliver.
• Amanda Palomino como Leo.
• Blas Polidori como Jon.
• Paco Tous como el subinspector Ginés.
• Verónica Sánchez como la inspectora Ortega.

La presencia de Paco Tous y Verónica Sánchez aporta experiencia al elenco, especialmente en la línea argumental vinculada a la investigación policial.

Ambos personajes encabezan las pesquisas dentro del complejo turístico y desempeñan un papel determinante en la búsqueda de respuestas sobre la desaparición que mantiene en vilo a todos los residentes del exclusivo enclave.

En medio de esa emoción, una pregunta se repite entre los espectadores: ¿conviene quedarse en la sala una vez que la trama principal concluye? La duda surge porque, en producciones recientes, las escenas postcréditos se han convertido en un recurso para prolongar la experiencia y ofrecer detalles adicionales que enriquecen la película.

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¿'Toy Story 5' tiene escenas postcréditos?

La respuesta es afirmativa: 'Toy Story 5' sí cuenta con dos escenas postcréditos. Una aparece a mitad del listado de nombres y otra al final absoluto, cuando la pantalla parece apagarse por completo. Aunque no afectan directamente la trama principal, ambas funcionan como complemento y están pensadas para quienes desean disfrutar de un cierre más completo.

• Primera secuencia: se ubica en medio de los créditos y actúa como un epílogo ligero.
• Segunda secuencia: llega al final definitivo y ofrece un guiño que refuerza el mensaje central de la película.

¿Qué aportan estas escenas postcréditos en 'Toy Story 5'?

Más allá de la curiosidad, las secuencias postcréditos en 'Toy Story 5' cumplen un papel simbólico. No revelan giros ocultos ni modifican la historia principal, pero sí transmiten un mensaje que conecta con la esencia de la saga: la convivencia entre juguetes tradicionales y nuevas formas de entretenimiento. Pixar apuesta por un cierre reflexivo que invita a valorar la imaginación en tiempos dominados por la tecnología.

Además, estas escenas funcionan como un gesto hacia los seguidores más fieles. Si bien tampoco confirman si habrá una sexta película de la saga, son un recordatorio de que la franquicia sigue viva y de que cada entrega busca dejar un detalle especial para quienes se quedan hasta el final.

Con Father Mother Sister Brother (Padre Madre Hermana Hermano), Jarmusch vuelve sobre el registro en el que la cotidianidad, y la epifanía que se desprende de ella, es la protagonista. Nos presenta tres historias cuyos ejes son un padre, una madre y dos hermanos gemelos. Empecemos de atrás hacia adelante.

En “Hermana Hermano” tenemos a los gemelos afroamericanos Skye (Indya Moore) y Billy (Luka Sabbat). Ambos se reúnen después de muchos años sin verse para dirigirse al departamento en París en donde sus padres vivían antes de morir en un accidente aéreo (el avión era piloteado por la madre). Por el diálogo que sostienen en el auto, se deduce que han sido criados bajo una mentalidad abierta. Billy le muestra a Skye algunas fotografías y documentos que ha encontrado sobre sus padres. Esos documentos refuerzan la extrañeza sobre quiénes fueron en realidad sus progenitores (identificaciones falsas y certificados de matrimonio falsos) y se afianza el sentido de protección mutua entre los dos hermanos.

En “Madre” tenemos a la escritora Catherine Russell (Charlotte Rampling), quien espera la llegada de sus hijas Timothea (Cate Blanchett) y Lilith (Vicky Krieps) para la inevitable reunión anual. Las hermanas llegan por separado y, desde el momento que se sientan a compartir la mesa, es notoria la desconexión de la madre artista con sus hijas. Ella no las entiende, pero no porque no sea capaz de hacerlo, sino porque en el fondo no le interesa lo que hagan con sus vidas siempre y cuando se encuentren bien. Esta historia está ambientada en la literaria Dublín.

“Padre” es una pequeña obra maestra. Está ambientada en una zona rural de Estados Unidos en donde vive un padre (el músico Tom Waits) en estado de pobreza. Sus hijos, Jeff (Adam Driver) y Emily (Mayim Bialik), se dirigen a verlo. Las últimas noticias que se tienen de él no son de las mejores en cuanto a su salud y calidad de vida. El padre no ha sido un padre atento. A los tres los une el sentimiento de la madre y esposa que ha fallecido. El padre no tiene ni para el té (Jeff le lleva una caja de víveres). Cuando los hijos se retiran, el padre comienza a ordenar la casa. Quita de los muebles la tapicería antigua, que revela, oh sorpresa, un sillón de lujo; se quita el abrigo, dejando al descubierto un Rolex original que Jeff creyó ver durante la visita. Con el dinerito que le dio Jeff antes de despedirse, el padre llama a una amiga y la invita a cenar. La camioneta sucia y destartalada que los hermanos vieron al llegar era un pantallazo; el padre se dirige a ver a su amiga en un auto moderno que retira del garaje.

El cine de Jarmusch es poético. Dice más en los silencios y en las sugerencias que en lo explícito. Como ya hemos indicado en su momento, para apreciar este cine, el espectador tiene que poner de su parte. El tiempo invertido en películas como Father Mother Sister Brother vale la pena. Ensancha la visión de la vida. En Mubi y en el Centro Cultural PUCP (otra cosa verla en pantalla grande).