Su última película, 'Fue solo un accidente', filmada en Irán, obtuvo La Palma de Oro del Festival de Cannes 2025. Y estuvo en el bolo a mejor película internacional (esa categoría ya no se llamará mejor película extranjera) en la reciente edición de los premios Oscar. La estatuilla a mejor película internacional, en esa ocasión, se la llevó 'Valor sentimental', del cineasta noruego Joachim Trier. Todo un homenaje a la tradición actoral del maestro Ingmar Bergman. Pero tras ver 'Fue solo un accidente', nos damos cuenta de que la premiación de 'Valor sentimental' (que llegamos a comentar en La República), siendo una extraordinaria película, obedeció a cálculos para no llenar la gala de la Academia con puros proyectos que dialogaran con la actualidad política mundial. La estatuilla a mejor película, recordaremos, de los Oscar 2026 se la llevó 'Una batalla tras otra' de Paul Thomas Anderson. Una joyita visual y muy política.

La opresión contra el pueblo iraní por parte de sus autoridades teocráticas ha dejado mucho odio contenido, tanto en las personas que lo sufrieron como en sus respectivas familias. Es un odio y resentimiento muy presente en el imaginario de la población iraní.

La historia comienza cuando un hombre y su familia, en la noche, se dirigen a su casa en auto. En el trayecto, el hombre atropella a un perro. El impacto produce desperfectos en el auto y busca un mecánico que pueda reparar el vehículo. De esta manera, llega donde Vahid, mecánico de la zona. Pero el hombre es atendido por otro mecánico, quien le dice que vaya a buscar la caja de herramientas. Vahid se halla conversando vía celular con su madre y, cuando escucha la pregunta del hombre sobre el lugar donde está la caja de herramientas, Vahid se descompone anímicamente. Reconoce esa voz. ¿Será su torturador? La duda termina de apoderarse de él cuando escucha el ruido al caminar que hace el hombre a razón de su pierna protésica. ¿Es acaso Pata de Palo? El hombre de la pierna protésica no lo ve; Vahid no se deja ver. El otro mecánico repara el auto y el hombre y su familia se van a casa. Vahid los sigue.

Con los datos de la dirección del supuesto Pata de Palo, Vahid busca vengarse del hombre que, literalmente, le desgració la vida. Entonces, a la mañana siguiente, lo empieza a seguir y secuestra a Pata de Palo en un momento de descuido. Lo lleva al desierto para enterrarlo vivo. Pata de Palo le pide a Vahid que averigüe bien porque tiene esposa, una hija y un bebé que está a nada de hacer. Vahid se quiebra, duda. Y comienza a buscar a sus otros compañeros que no solo estuvieron en prisión con él, sino que igualmente fueron torturados por Pata de Palo. El recuerdo no hace más que avivar el deseo de venganza. Vahid busca a sus excompañeros de tortura llevando inconsciente a Pata de Palo en su van.

A Vahid y Pata de Palo se suman otros personajes, como una pareja de novios, una fotógrafa y un desempleado. Al principio quieren matar a Pata de Palo, pero tienen duda ante la catástrofe que significaría equivocarse. Quieren que Pata de Palo diga que es Pato de Palo, quien perdió su pierna en la guerra de Irán con Irak.

Este es un relato trágico, pero Panahi lo conduce con cuotas de ironía; además, por medio de la cotidianidad se nos muestran detalles de la vida en Irán, como es el caso de las mujeres, que todas deben llevar velo de acuerdo a su estatus. A saber, la fotógrafa tiene que ponerse un velo cada vez que tiene que hablar con un hombre; otras, en cambio, tienen que usar el hiyab todo el tiempo.

El Irán que nos muestra Panahi no dista mucho de cualquier ciudad moderna del mundo. Su urbe cambia en cuestión de minutos y sale a flote un humor muy propio de la interacción social iraní. Pero Panahi también es moral y deja que sus personajes decidan qué hacer, en este caso con Pata de Palo: vengarse para estar tranquilos o perdonar para no ser como ese torturador.

Panahi y los actores son valientes. Esta película fue filmada desafiando a la muerte. No se sabe en dónde vive Panahi, quien en más de una ocasión ha declarado que no puede filmar en otro sitio que no sea Irán. Los actores sí han tenido que salir y quizá para ya no regresar nunca más a su país.

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Laëtitia Hollard ingresa a la segunda temporada interpretando a una enfermera recién graduada. “A través de Emma, que está viviendo su primer día como enfermera en un hospital tan intenso, el público puede experimentar esa sensación de presión, incertidumbre y vulnerabilidad que muchas veces no se muestra en pantalla”, responde la actriz a La República en una rueda de prensa organizada por HBO Max.

La serie ha tenido éxito en audiencia, pero también del lado de la crítica, y ha ganado los Emmy y los Globos de Oro. Nació como un proyecto del equipo responsable del fenómeno ER. Para Laëtitia Hollard, la autenticidad de un guion que no muestra solo héroes, es un sello de la producción. Por ello, comenta, logró conectar con el público. “The Pitt no solo muestra la intensidad de los casos médicos, sino también lo que pasa internamente con cada personaje: el miedo, el cansancio, la presión y el deseo de hacer las cosas bien. Eso hace que la historia se sienta muy humana”.

Su personaje se enfrenta a varios retos, algo que ella misma comparte, ya que llegó a la serie cuando acababa de graduarse de la prestigiosa escuela de arte Juilliard. “En el caso de Emma (Nolan), pienso que muchas personas se identificaron con esa sensación de llegar a un lugar nuevo sintiéndote abrumada, con miedo de no estar a la altura, pero aun así seguir adelante. Ella representa esa etapa de aprendizaje en la que dudas de ti misma, pero también descubres tu fortaleza. Creo que esa mezcla de vulnerabilidad, resiliencia y empatía hizo que mucha gente conectara con ella”.

En esta temporada, la historia inicia meses después del final de la primera y se sitúa durante las celebraciones del 4 de julio en Estados Unidos y las urgencias. También aborda la salud mental, el bajo presupuesto y muestra la violencia del ICE como parte de las políticas de migración de Donald Trump.

 “En general, siento que la serie ha resonado porque habla de algo muy universal: cómo enfrentamos situaciones difíciles, cómo seguimos adelante en medio del caos y cómo, incluso en los momentos más duros, seguimos buscando cuidar de los demás. Eso es algo con lo que muchas personas pueden sentirse identificadas”.

 ¿Cómo desmitifica la serie al sistema de salud?

Creo que The Pitt desmitifica el sistema de salud porque muestra la realidad del trabajo en una sala de emergencias sin romantizarla. La serie retrata un entorno caótico, exigente y emocionalmente agotador, donde las decisiones deben tomarse en segundos y donde no siempre hay respuestas claras. Lo importante es que la serie no presenta al personal de salud como héroes perfectos, sino como personas reales: con miedo, cansancio, dudas y también una enorme vocación. Además, toca temas muy relevantes, como la sobrecarga laboral, la falta de recursos y los riesgos que enfrentan quienes trabajan cuidando a otros. Creo que eso hace que la historia se sienta mucho más honesta y cercana, y también genera más empatía hacia quienes sostienen el sistema todos los días

-El 2025 fue un año muy agitado para el cine peruano.

-Sí, el año 2025 fue importante porque se dio una ley de cine. Una ley de cine que, en fin, todavía no puede aplicarse porque no tiene reglamento, del cual se sabe mucho menos que antes debido a los cambios que ya conocemos. El Ejecutivo tiene que hacerlo. Esa ley tiene dos problemas serios, que se han debatido. Primero, el tratamiento al cine regional, que ha sido el gran hecho cultural que ha ocurrido en el Perú en los últimos 30 años. Hemos visto personas y personajes que se pudieron expresar a través del cine y que nunca antes lo habían podido hacer. Ha habido una expansión del cine hecho en todas las regiones del Perú. No creo que haya una región que no tenga su película. Si uno mira hacia atrás, desde el año 96 hasta el año pasado, sin duda la producción regional ha sido muchísimo mayor que toda la producción de los 100 años previos.

-En el libro haces un repaso sobre el proceso histórico de nuestro cine. Es una historia importante, en donde subrayas los procesos de cambios que ha tenido, pero ¿crees que el cine peruano está escribiendo su historia en estos momentos?

-Por supuesto. El cine peruano siempre se está reescribiendo. Pero esta última época, yo diría que ha sido la más potente en la capacidad para poder convocar a voces muy distintas y lenguas. El cine peruano hasta, digamos, fines del siglo pasado, era un cine básicamente limeño. Podía haber, por supuesto, películas hechas aquí o allá. Incluso hubo películas en quechua; por ejemplo, desde Kukuli de 1961 hasta las películas de Federico García en los años 70. Pero ahora casi todas las lenguas que se hablan en el Perú están representadas. Una gran cantidad de lenguas habladas en comunidades culturales distintas están en el cine.

-¿Bajo qué marco legal se ha dado esta eclosión?

-Estaba bajo una ley dictada en 1994, luego de la derogación de la ley que se dio con los militares. Los militares dieron una ley que duró de 1972 hasta 1992. Duró 20 años. Fue un momento muy importante para el cine peruano porque había exhibición obligatoria, había cortometrajes antes de cada película. Eso lo derogó Fujimori en el momento de la reforma liberal de la economía. Y en el año 1994 se da una ley que está totalmente expurgada de cualquier elemento proteccionista. Es una ley que se basa en concurso. Si la Constitución dice que el Estado está obligado a promover la cultura y la educación, bueno, el cine está dentro de esa categoría. Entonces se da una ley en la que el cine puede beneficiarse con premios dados por el Estado a la calidad de los proyectos presentados. Esta es una ley que tuvo muchos cambios durante un tiempo, pero era básicamente ese concepto. Y ese concepto hasta ahora perdura. Durante el gobierno Vizcarra se da un decreto de urgencia que lo que hace es modificar un poco el panorama, pero manteniendo los pilares centrales, que son este sistema de proyectos que se presentan y que son premiados por su calidad. Pero acá hay una cosa bien importante: que no se piense que esta explosión que hubo de producción se hizo bajo ese marco. Ese marco sí sirvió para algunas películas, pero hubo mucho cine que se hizo fuera de él.

-¿Como un emprendimiento?

-Así es. Como autogestión. Buena parte del cine regional de sus inicios se hizo de espaldas a ese régimen legal.

-Es producto del empuje.

-Del deseo de hacer cine y también de las nuevas tecnologías que abarataron los costos, que permitieron hacer películas de un modo más accesible.

-Cuando escribes de Francisco Lombardi, eres muy enfático al resaltar el marco legal en el que empezó a hacer cine. Una situación muy distinta al marco legal desde 1994. Entonces, la ley de los militares fue útil.

-Así es. Para explicar el cine que se hizo entre 1972 y 1992, esa ley fue importantísima para la producción de 60 largos y 1200 o 1300 cortos. Pero la siguiente ley desvió el apoyo al cine al campo de los concursos. Pero a partir de 1996, la producción desborda el marco legal.

-El libro es igualmente un testimonio de la lucha del cine peruano, pero a medida que se avanza, hay como una mirada más enfocada en las películas que en el contexto difícil que se da. Es de esos libros que se terminan de escribir de manera feliz.

-De manera preocupada, más bien. Reconozco que el cine peruano está en un momento importante; hay mucha gente que está haciendo cine y no necesariamente pasando por todas las instancias del Ministerio de Cultura. Es importante señalar que el cine de las regiones se ha profesionalizado y que los estímulos que se crearon para promover el cine regional fueron fundamentales para hacer películas como Winaypacha y Kinra. Lo preocupante ahora es que se quiere revertir esa fase mucho más expansiva del cine regional.

-La gente que hizo esta nueva ley de cine no tiene idea de lo que es una ley de cine. No sabe lo que es cine nacional.

-Hay cuatro elementos. Promover el cine de todo el Perú. En segundo lugar, hay una norma, que existe en casi todos los países, en la cual se crean beneficios tributarios para empresas que vienen del exterior a firmar en el territorio. Se les da facilidades, se da retribución como lo hace todo el mundo, incluido Hollywood, que por supuesto recibe beneficios por filmar aquí o allá. En tercer lugar, una cinemateca. Eso es absolutamente fundamental para crear un vínculo de parentesco con los cineastas que nacen, con los cineastas jóvenes, que quieren ver qué continuidad hubo y cómo fue la relación con el público y demás. Esas tres cosas me parecen muy importantes. Y deben ser separadas. Cada una con un tratamiento. Entonces, no se puede mezclar en una ley todo. Ese es el problema aquí, porque cuando se mezcla todo, nada queda claro; hay una serie de vacíos. Y, por otro lado, está el asunto de la censura. Esa disposición de la ley que dice que no podrán recibir estímulos de Estado los proyectos que atenten contra nadie sabe qué. ¿Quién va a tener esa tarea de censura previa de recibir los proyectos que se presenten para decir esto sí, esto no; quita esto, pon esto; porque si no, no pasa al jurado? ¿Y qué jurado que tenga algo de dignidad va a aceptar que les lleguen a sus manos proyectos que han pasado por una censura previa? Creo que ahí hay un problema serio. ¿Quiénes van a ejercer esa censura?

-¿Se puede hacer algo al respecto, porque la ley aún no se aplica?

-Creo que se tendrían que articular todos los sectores de la cultura. Esto que está afectando al cine va a afectar a cualquier actividad cultural que pretenda recibir estímulos del Estado. Cuando tú creas una norma como esta, tú sabes que las leyes son genéricas, son para todos los ciudadanos; tú estás filtrando a los ciudadanos por su manera de interpretar una realidad determinada. Entonces, van a participar y van a poder recibir estímulos porque piensan como lo quiere el órgano oficial o la memoria oficial o la manera de concebir el mundo oficial; y estos otros no porque, ojo, están viendo de otra manera la realidad; ¿son ciudadanos de segunda categoría, son ciudadanos cuya opinión no puede formularse? Se desplaza el concepto de estímulo por calidad a estímulo por buen comportamiento.

-Lima es un tema protagónico en el libro. Como si en Lima estuviera todo.

-Es una Lima que tiene muchas cosas. Se va reformulando. A ver, está la Lima de la cárcel de mujeres, la Lima de Azángaro, como en la última película de Josué Méndez, El caso de Monroy. Está la Lima de una zona periférica muy pobre, como en Paraíso, que yo creo que es una de las grandes películas peruanas. Está la Lima de las fusiones culturales de La teta asustada, en donde hay una presencia indígena muy clara, pero al lado están los primos de la protagonista haciendo fiesta chicha y creando matrimonios con trampantojos de la costa, y más allá está la casa de la señora, que está como rodeada por un mercado.

-Cinematográficamente, ¿crees que Lima está representando al Perú?

-Hay una representación del Perú en Lima, evidentemente; pero yo creo que el cine peruano está representando al Perú. En Kinra, por ejemplo, es una visión interesante de lo que es la migración de un chico que hoy busca un lugar en el mundo, en el espacio de Cusco. Manco Cápac es una especie de deriva por Juliaca, por Puno, por la ciudad de Puno misma.

-En los últimos cinco meses, dos películas generaron mucha polémica: Chavín de Huántar: el rescate del siglo y Uyariy.

-Uyariy es mucho más interesante que Chavín de Huántar. Chavín de Huántar es una película que busca el género, tiene esa especie de dinámica muy propia de contar una historia de acción. Evidentemente, como todas las películas, hay una ideología detrás. No es que se manifieste necesariamente en un mensaje, en un lema o en una proclama, pero está ahí, en mostrar cierta versión del hecho, excluyendo de ese hecho algunas otras posibles versiones y sucesos, y sobre todo centrada en la figura del héroe entre comillas. No digo entre comillas, no en forma irónica, lo digo héroe en el sentido de un hombre que murió en acción. Uyariy tiene el mérito de la urgencia, de acercarse a un hecho terrible y hacerlo desde el punto de vista de los personajes que lo vivieron y desde ahí remitirse a las comunidades del sur que también lo vivieron. Pero me hubiera gustado mucho más que profundizasen todo, que tal vez lo urgente no predominase tanto como lo reflexivo.

-Estás películas generaron debate, generaron muchos puntos de vista.

- Yo creo que todos los debates interesantes sobre el cine peruano, que no hay tantos tampoco, son útiles. Incluso el debate sobre la comedia. Muchas comedias hablan sin decir, hablan de muchas cosas sin decirlas. Y justamente la omisión es lo que te va dando pistas sobre lo que la película es.

-¿Cómo ves la crítica?

-La crítica de cine en el mundo entero está en crisis.

-¿Qué debe tener un crítico?

-El crítico se define como crítico por su argumentación, por su capacidad para argumentar; si no hay argumentación, no es crítico.

-Uno de los aspectos de tu crítica es que esta no está pautada por lo ideológico. El cine se defiende como cine.

-Lo ideológico siempre está presente, pero lo que sí me causa cierto rechazo a una película es que formule a manera de catecismo determinadas ideas, así sean políticas o no. En el cine, las ideas y las reflexiones están entretejidas. Lo que el crítico tiene que hacer es argumentar sobre eso.

-Se supone que el crítico no debe tener miedo a quedar mal.

-A ver, mi primera crítica, que la hice cuando tenía 18 años, fue al Padrino. Y fue una crítica muy negativa. No me interesó, no me gustó, no la entendí. Era un ignorante.

-Esas son palabras mayores.

-Ah, sí, totalmente. Son mayores. Era ignorante en el sentido de que desconocía justamente la tradición, el mundo referencial que es importantísimo en la crítica, en el que se insertaba la película de Coppola. En esa época no existía internet, no existían las plataformas; si querías ver una película, tenías que ir al cine o no verla nunca. No había VHS, no había DVD, no existía nada de eso. Yo tenía un conocimiento del cine de gánsteres asociado con el mundo de la Warner Bros. de los años 30, con James Cagney. Eso no es El padrino. Le pedí a la película algo que la película no era y que estaba más bien en una tradición europea, que es la gran saga familiar, el mundo decadentista. No la entendí por falta de referentes personales. Ahora tienes todo al alcance de la mano, tienes la historia del cine en tu monitor, en tu celular.

En el pasado mes de febrero, este proyecto fue elegido como la mejor película peruana de 2025 en los Premios APRECI. Un mes después, en marzo, Uyariy se proyectó en la edición 29 del Festival de Cine de Málaga. Y el próximo jueves 9 de abril hará su estreno en las salas comerciales de cine de España.

“El estreno de Uyariy fuera de Perú es posible gracias al impulso de los espectadores. En realidad, el público le ha dado una visibilidad a la película y ha permitido que esta historia, la historia de los familiares, la historia de lo que sucedió, cruce las fronteras. Uyariy está en España y también estará en otros países de Europa. Hay muchísimos peruanos en Europa que quieren ver esta película. Fue importante también que Uyariy haya sido elegida como la mejor película peruana en los Premios APRECI”, declara para La República el director Javier Corcuera.

Recordemos que el estreno del documental en salas peruanas, en enero último, estuvo pautado por la polémica a razón de que lo habían programado en horarios difíciles para el público interesado. No obstante, fue el público el que respondió llenando esas funciones imposibles, lo cual hizo que la programación cambie a horarios más amables. A días de su estreno en salas comerciales españolas, Uyariy tiene varias salas completamente llenas. El interés por el documental es patente.

Tema universal

“Si bien Uyariy trata sobre una masacre que pasó en Perú, Uyariy es una película universal. Lo que ha sucedido en Perú está pasando en el mundo. Hay un desprecio por el otro, una sistemática violación de los derechos humanos saltándose todas las normas internacionales. Incluso estamos viendo genocidios televisados. Uyariy es una historia en este momento universal. Cada vez estoy más convencido de que Uyariy es una película de dignidad y valentía. La película es de los familiares de las víctimas”, precisa Corcuera.

En los días en los que Uyariy estuvo en las salas comerciales, hubo una marcha de sacrificio de los familiares de las víctimas. Esta marcha se llamó Uyariy (escuchar en quechua) y tenía el objetivo de reclamar justicia ante las autoridades. Hay, pues, factores que acompañaron a Uyariy en su viaje. Al respecto, Corcuera indica: “Las películas no van a cambiar el mundo, pero sí pueden cambiar a las personas que pueden cambiar el mundo. Para mí, lo más importante es sentir que los familiares se reconocen en la película”.

La emoción

Todos los documentales de Javier Corcuera proyectan una luz especial más allá del evidente cuidado formal y estructural. Corcuera es de los pocos cineastas peruanos con gran público. Su secreto no es otro que el asombro constante.

“El cine es emoción y la emoción no tiene lugar. Cuando una historia te llega, por muy lejana que sea, es porque existe una conexión. Lo que pasó en Juliaca está pasando en otras partes del mundo. Cómo no indignarse. Las amenazas de los poderosos son descaradas. Estamos en un momento en donde los millonarios hacen lo que les da la gana. Entonces, hay una sensibilidad del espectador que se acerca a películas de este tipo. Él se emociona y siente esas historias de aquel lugar lejano muy próximas. El cine es un arte que trabaja la emoción. Las películas te tienen que hacer sentir cosas. El cine es maravilloso porque admite todos los géneros y lo que yo busco es emoción en las películas. Es muy importante, además, que las películas no tengan fecha de caducidad, que vayan a la esencia de las cosas. Porque si no, unos años después las películas envejecen. Pero cuando tú vas a la esencia de las cosas y trabajas desde el lenguaje cinematográfico con la emoción, las películas no caducan, porque van a la esencia, y porque la emoción no caduca. Eso queda en el espectador”.

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Datos:

Sala llena. A días de su estreno en salas españolas, ya hay funciones agotadas de Uyariy.

Histórico. Uyariy es el primer documental que recibe el galardón a mejor película peruana del año (Premios APRECI).

Con un guion de Taylor Sheridan, la película se enfocará en la representación de un grupo de soldados de élite, aunque los detalles de la trama aún se mantienen en secreto. La producción busca ofrecer una experiencia auténtica que resuene con los seguidores de la franquicia.

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La ola de adaptaciones de videojuegos

El acuerdo entre Paramount y Activision no solo contempla la película, sino también la posibilidad de desarrollar series y otros contenidos relacionados con 'Call of Duty'. Este enfoque podría abrir nuevas oportunidades para explorar diferentes narrativas dentro del universo del videojuego.

La producción de 'Call of Duty' se une a una creciente lista de adaptaciones de videojuegos que han llegado a los cines, como 'Sonic the Hedgehog' y 'Super Mario Bros'. Este fenómeno refleja el interés de Hollywood por capitalizar el éxito de los videojuegos, creando historias que atraigan tanto a jugadores como a nuevos públicos.

El directivo de Paramount expresó su entusiasmo por el proyecto, afirmando: "Que Activision y jugadores de todo el mundo nos hayan confiado la tarea de llevar este extraordinario universo narrativo a la gran pantalla es un honor y una responsabilidad que no nos tomamos a la ligera".

Bertrand Morane (Charles Denner) no puede vivir sin el cariño de las mujeres, a quienes divide entre las potrancas y las gatitas. Este tipo es capaz de todo con tal de poder cruzar palabra con aquella que le gusta, siempre y cuando sus piernas le llamen la atención, porque, según él, a través de una somera observación del contorno de las pantorrillas y tobillos, se puede llegar a conocer el carácter y la personalidad de las mujeres.

Podría pensarse que Bertrand es un seductor incorregible, un hormonal que deambula por las calles de Montpellier. Pues no. No es el clásico mujeriego en búsqueda de aventuras; es solo un sujeto normal y corriente, de casi 50 años, dispuesto a ofrecer honestas dosis de afecto, ternura y cariño. A Bertrand solo le basta su franqueza para hacer que las mujeres se enamoren perdidamente de él, tal y como le ocurre con Delphine (Nelly Borgeaud). Delphine está obsesionada con recibir toda la atención posible, toda una loca de atar que llega a matar a su esposo para tener el camino libre con Bertrand.

Sin embargo, es con Helene (Geneviève Fontanel), de 41 años y dueña de una tienda de lencería femenina, con quien experimenta el primer rechazo de su vida, ya que ella solo se enrola con hombres menores de 30. Esta cachetada al orgullo le impulsa a exorcizarse por medio de la escritura de sus memorias amatorias. Ese ejercicio de exploración lo lleva a exponer la difícil relación que tenía con su madre, para quien sus novios eran más importantes que el pequeño Bertrand. Bertrand envía el manuscrito de sus memorias a varias editoriales, pero solo una acepta publicarlo tras ser aprobado por la lectora editorial Geneviève (Brigitte Fossey). Entre Bertrand y ella, vaya novedad, surge un romance basado en el mutuo apoyo. Bertrand está por publicar su primer libro y, por ello, anda nervioso.

Cierta noche, Bertrand se dirige al encuentro con una examante. Mientras camina, reconoce a una mujer en la acera de enfrente, pero al cruzar la pista para darle el alcance, es atropellado. En el hospital fallece luego de un fallido intento por tocar las piernas de su enfermera. Días después es despedido en el cementerio por todas las mujeres de su vida, quienes, en honor del hombre que las amó, y pese a no conocerse, al parecer se han puesto de acuerdo para llevar falda.

Todo indica que lo único que esperó Truffaut de esta película fue divertirse. Contar una historia simple, perfilar bien a sus personajes, que cada detalle cuajara en la estructura sin hacer ruido. Todo un digno trabajo de relojería. Esta película no es una obra maestra, pero tiene encanto.

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Datos:

Disponibilidad. El hombre que amaba a las mujeres en Prime Video.

Edición. Sugerimos la lectura de El cine según Hitchcock de Truffaut. Es una clase maestra de cómo armar una historia.

Ineludible. François Truffaut es un pilar de la Nouvelle Vague francesa. Entre sus títulos más importantes: Los 400 golpes (1959) y Jules y Jim (1962).

Además, los fanáticos esperan que el protagonista, Mark Grayson, logre salir triunfante en su lucha por salvar a la humanidad. Por otro lado, la incertidumbre persiste respecto a la posibilidad de una quinta temporada, lo que mantiene en expectativa a miles de usuarios.

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¿Dónde ver 'Invencible', temporada 4?

Los siete primeros episodios de la cuarta temporada de 'Invencible' ya se encuentran disponibles en Amazon Prime Video, junto con las temporadas anteriores. Para acceder a cada capítulo, solo es necesario contar con una suscripción a esta plataforma de streaming.

La entrega final de esta temporada se podrá disfrutar el miércoles 22 de abril, por lo que es recomendable ponerse al día con los episodios previos para estar preparado para un desenlace que promete muchas sorpresas.

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¿Quiénes conforman las voces de 'Invencible', temporada 4?

• Steven Yeun le da voz a Mark Grayson
• Sandra Oh le da voz a Deborah 'Debbie' Grayson
• JK Simmons le da voz a Nowl-Ahn / Nolan Grayson / Omni-Man
• Andrew Rannells le da voz a William Francis Clockwell
• Seth Rogen le da voz a Allen el alienígena
• Gillian Jacobs le da voz a Átomo Eva
• Aaron Paul le da voz Powerplex
• John DiMaggio le da voz a The Elephant
• Christian Convery le da voz a Oliver Grayson
• Kate Mara le da voz a Becky Duvall
• Tzi Ma le da voz a Mr. Liu
• Simu Liu le da voz a Multi-Paul
• Xolo Maridueña le da voz a Fightmaster y Dropkick
• Walton Goggins le da voz a Cecil
• Zazie Beetz le da voz a Amber
• Zachary Quinto le da voz a Robot
• Chris Diamantopoulos le da voz a Donald

¿De qué trata 'Invincible' temporada 4?

Según la sinopsis oficial de Amazon Prime Video, la cuarta temporada de 'Invencible' presenta a un Mark transformado que lidia con la culpa tras la catástrofe global ocurrida en la entrega anterior. En su lucha por salvaguardar su hogar y a sus seres queridos, se enfrenta a una nueva y formidable amenaza que podría cambiar el destino de la humanidad de manera irreversible.

Tras ocho años sin rastro, Katie Cannon (Natalie Grace) es encontrada en condiciones que los médicos no pueden explicar. “Es muy importante que se preparen completamente para lo que están a punto de ver”, le dicen a la familia. “Nada de movimientos bruscos. Nada de ruidos fuertes”.

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El director de Evil Dead: El despertar está a cargo también del guion de La posesión de la momia. Cronin convocó a los actores Jack Reynor  y Laia Costa para interpretar a los padres de una familia en medio de los rituales del antiguo Egipto, la fe católica y los conjuros. “Verla con público y ver cómo conecta el humor, y luego sentir a la gente retorcerse en sus asientos, gritar y reír, eso siempre, siempre es divertido”, dijo tras el estreno en Los Ángeles a Indiewire.

El cineasta contó que ha plasmado parte de una tragedia personal en la historia.  El mismo día que terminó la película, su madre falleció repentinamente. “Fue un golpe muy duro y nunca llegó a ver la película. (El filme) es, en cierto modo, una respuesta a eso”.

Sin intención de hacer spoiler, evidentemente, hay humor ácido y horror corporal en algunas escenas del filme, pero también hay un drama sobre la muerte súbita o accidental.

En ese sentido, a la tragedia de la desaparición de la niña, la cinta le agrega varios elementos tras su regreso y estos golpean emocionalmente, una y otra vez a una familia que intenta recuperarse. Quizá por eso, La posesión de la momia es, por momentos, escalofriante. “Sabía que quería traer la momia a casa”, señaló Lee Cronin a Indiewire. “Y desde que vi Breaking Bad, me ha encantado esa atmósfera de Nuevo México. Esa paleta de colores encaja perfectamente con mi sensibilidad”.

El productor de El conjuro

La película tuvo 65 días de rodaje y fue producida por James Wan, el productor de El conjuro, la exitosa historia sobre los investigadores Ed y Lorraine Warren. El título en inglés es Lee Cronin's The Mummy, una propuesta de los productores para evitar la confusión con la película de la década de los 90, La momia, con Brendan Fraser y Rachel Weisz.

 “Cuando me la propusieron, dije: ‘Tendrán que darme el fin de semana para pensarlo’. Y entonces me di cuenta de que personas muy inteligentes, con más experiencia y éxito que yo, realmente creían en ella. Fue una confirmación de que creían en mí y me dio mucha confianza para abordar la película. Mi huella está presente en cada rincón de esta película. Nada se dejó al azar”, comentó el director.

La película que lleva como frase “algunas cosas deben quedarse enterradas”, empieza intercalando el idioma inglés, español y el egipcio (el antiguo y el árabe actual), muestra sarcófagos antiguos y estudios sobre la momificación.

 El estreno mundial de La posesión de la momia ha obtenido el visto bueno de los seguidores de este tipo de cine. v