Este documental, vale señalar, ganó el premio a mejor película peruana de 2025 otorgado por Apreci. Y el actual reconocimiento, dado por un importante festival del circuito argentino, es una prueba de que la temática Uyariy (la masacre de Juliaca ocurrida el 9 de enero de 2023) no solo compete al ámbito local; además, en este festival se ha destacado uno de los componentes esenciales del proyecto: su música, a cargo de la joven artista Edith Ramos.

No deja de ser extraño, de acuerdo con las fechas consignadas líneas arriba sobre el arco cronológico en el que se desarrolló el mencionado festival de cine argentino, que esta noticia no haya tenido el rebote que merece en el medio local. Esta es una señal de los tiempos que corren, en los que no es conveniente visibilizar los galardones que obtienen el arte y la cultura peruanos en el contexto internacional, siempre y cuando el contenido del producto premiado no atente contra la narrativa del oficialismo de derecha que gobierna y con el que muchos quieren quedar bien. Hasta las buenas noticias pasan por el filtro de la censura. Otra característica de esta época es que la censura ha adquirido varios caminos de ejecución.

El buen momento del cine peruano

Este par de premios, subrayemos bien, se suma a los que viene obteniendo el cine peruano en los últimos años. Pese a la existencia de una ley de cine, aprobada por el Congreso del quinquenio pasado, que intenta frenar la producción regional (a saber, reduce el financiamiento del Estado), la calidad del cine peruano no solo despierta admiración estética, sino también mucha discusión. Este es el caso de Uyariy. Tampoco olvidemos que el tránsito de Uyariy no ha sido fácil.

El documental se ha enfrentado a una serie de obstáculos desde el momento en que pasó a ser proyectado en las salas comerciales locales. Pensemos en su estreno, que estuvo programado en horarios desalentadores. No obstante, fue el público el que hizo que el documental se quedara más semanas de lo previsto.

 Existe, pues, un público que consume documentales, y que no son los cinco gatos que van a verlos, tal y como dijo un olvidable congresista, que felizmente no fue reelegido, sobre lo que él pensaba/creía/alucinaba que era el cine peruano. 

Uyariy vale por su carácter de denuncia y por su dimensión estética. El premio a su banda sonora es una muestra de ello; pero esta banda sonora va de la mano con la fotografía, otra de las joyas del documental, la cual corrió a cuenta de Mariano Agudo, director de fotografía con el que Corcuera lleva trabajando más de 20 años.

Consignamos algunos fragmentos del acta del jurado.

“Una película con enorme valor testimonial que dialoga con nuestro presente latinoamericano, proponiendo la escucha y la empatía como prácticas fundamentales para la construcción colectiva y defensa de nuestros territorios.

Desde su propio título, en idioma quechua, Uyariy formula una invitación explícita e ineludible: escuchar.  Este punto de partida nos compromete con una escucha atenta y profunda, sumergiéndonos en un universo sonoro y social frente al cual nos resulta imposible permanecer indiferentes.

Con notable compromiso político y narrativo, la película se convierte en vehículo de resistencia popular ante un aparato de poder que, histórica y actualmente, busca silenciarla. Uyariy se propaga como un grito de justicia que se hace escuchar, porque, como dice Lucrecia Martel, no se pueden cerrar los oídos.

Encontramos en el material documental un valor que precede a la habilidad técnica o narrativa: la valentía y el compromiso del equipo al registrar los hechos en el centro mismo de la violencia, construyendo así un documento clave para la memoria histórica. El diseño sonoro captura con sensibilidad la entereza de los testimonios e hilvana recursos climáticos en la medida que exige el relato.

La integración armónica de la música popular como lenguaje narrativo, el pulso de la lucha, la vivencia del duelo, la vastedad de los silencios del altiplano, la raigambre que transmite la palabra en quechua y la presencia viva de los elementos del entorno convierten a Uyariy en una obra sonora testimonial, identitaria e indispensable en el panorama contemporáneo”.

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Dato:

Otro premio más. Uyariy fue galardonado con el premio a mejor película internacional en el Festival de Cine de Goitacá en Brasil. El jurado de este festival brasileño premió a la obra, destacando su gran valor social, humano y artístico mediante un emotivo mensaje. El jurado también resaltó el carácter sanador del documental a razón de la confluencia entre la dulzura y la tristeza.

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Flor Pucarina, rebelde hasta los huesos es uno de los estrenos nacionales. La directora reconoce que, al abordar la historia de una figura icónica del folclor, era imposible resumir su vida y su legado en una sola película. “Este es un primer acercamiento, pero esperemos que se haga más: una película de ficción o una serie”, señala sobre la primera artista andina en realizar un concierto en el Teatro Municipal de Lima.

En 1987, más de 40.000 personas despidieron a Leonor Chávez Rojas. Pero la cantante también ha sido defendida de los prejuicios y calificativos que le atribuían. “La gente de mi generación la veía como una figura que inspira y que su legado nos ha ayudado a repensar y a territorializar nuestros feminismos”.

¿Este documental nace a partir de que reconoces que existe una mirada machista sobre la figura de la cantante?

Sí, hay dos partes sobre cómo se ve a una mujer históricamente en la sociedad: eres santa o eres la p... no hay punto medio. Entonces, desde ese lugar más machista y misógino, ella era eso y para el pueblo era como una Santa Rosa de Lima y tenían que salir en su defensa. Yo pensaba que no se estaba viendo, un poco, la zona en grises. Al final, veo este conservadurismo y este fundamentalismo que aún están muy fuertes en nuestra sociedad y creo en ese momento digo: hay que hacer algo para narrar y ponerla en un lugar de humanidad y de dignidad. Siendo muy crítica, pienso que es bien complejo encontrar un punto medio.

¿Planeas hacer otra película sobre su legado?

No sé si la haría, no estoy segura, pero sí creo que hay mucho por profundizar y reflexionar en torno a estas figuras femeninas que rompen con el estereotipo de la mujer sumisa que se le pone a la mujer del Ande. Además, hacer un análisis de género, pero situado desde una mirada también territorial.

Hay una parte del documental en la que se dice que, posiblemente, era coautora de sus canciones, pero no fue reconocida así.

Está de manera sutil, porque eso es para otra película, pero fue una de las cosas que más me motivó para hacer el documental. Yo siempre escuché desde chiquita —porque mi mamá es cantante (del dúo Las Salcabambinitas)— que las familias cuando las hijas les decían que serían cantantes era lo peor. Crecí con ese estigma hacia las mujeres. Lo que es más mágico en esta historia de Pucarina es que ella se zurra en todo eso.

¿Flor Pucarina asistiría a las marchas?

Yo creo que sí, pero por momentos. En otros momentos nos criticaría porque creo que era una mujer muy compleja. Por eso digo que santificarla o romantizarla no tiene mucho sentido, pero sí encontrarse en su música.

Volviendo al tema de su música, algo que se mantiene a lo largo de la película es la situación del artista andino. ¿Ella representa, digamos, esta deuda histórica?

Sí, hay una deuda histórica con las mujeres trabajadoras del arte. Es muy duro el trabajo de los artistas del Ande; hay músicos que trabajan más de 12 horas al día y no tienen seguro social, y eso es triste. También tiene que ver con las clases sociales porque no es lo mismo un músico de una orquesta huancaína que un músico del Grupo 5.

La película la terminaste de grabar en la pandemia. ¿Lograste reunir los testimonios que necesitabas?

La mayoría de los testimonios son de personas mayores que casi no han dado entrevistas. Entonces, muchos que eran viejitos nos dijeron que no. Con los que querían, buscamos locaciones. Quizá, por eso, perdimos contexto. Por ejemplo, uno de los bordadores más importantes que aún sigue vivo es Aníbal Ríos. Grabamos, pero vive en un cuarto chiquitito en El Agustino; no podíamos entrar. La magnitud de su arte es hermosa, pero hay que entender cómo es la precarización de los artistas populares.

Respecto a la condición del artista, tú ganaste DAFO, pero, ¿piensas que hay una especie de batalla cultural?

Hay un trabajo narrativo de la ultraderecha y que lo vemos no solamente aquí en Perú, sino en toda Latinoamérica. Era impensable que en Colombia hicieran esto, pero son las mismas estrategias. Nadie está hablando aquí de esta persona, de Cerimedo y los bots, que es un trabajo de narrativas. También lo que ha hecho el fujimorismo con todo esto de las manifestaciones contra el gobierno de Dina es que realmente han debilitado muchísimo los movimientos sociales. Tenemos mucho miedo de salir a las calles porque, obviamente, nadie quiere morir, ¿no? Eso implica a los trabajadores del arte que salíamos y decíamos cosas. Con toda esta persecución está difícil volver a fortalecer el tejido social, pero lo necesitamos mucho.

¿Crees que uno de los puntos que se debió debatir era la cuota de pantalla para el cine peruano?

Sí, es urgente y necesario porque, como cineastas, nos cuesta muchísimo hacer una película y el corazón del cine es que esa película se vea. En todos los países hay un apoyo grande porque hay esta cuota de pantalla y también es importante que pueda haber políticas para este proceso que es la distribución y la circulación de obras cinematográficas, no solo en salas de cine, también en otros contextos. Dentro del circuito cinematográfico se habla mucho de esto, “que estamos intentando en cines que te maltratan y que además son empresas explotadoras”. Claro, todo eso está mal, pero nosotros convivimos en este sistema, en el capitalismo. Pero no por eso vamos a renunciar a los cines.v

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Con Álbum de familia, cierra la trilogía en la que abordó dos décadas de violencia desde diferentes perspectivas: la subversión, las víctimas del terrorismo y del Estado, y las secuelas. “En este momento hay un clima de polarización donde se busca la descalificación del otro”, comenta Calero y señala que volvería a debatir si lo acusan de romantizar el terrorismo. “Si hay algo que nos diferencia de las hordas y del salvajismo es el ejercicio de la palabra y la inteligencia. Si alguien dice que hago apología, que lo argumente. Tenemos la necesidad de replicar”.

En el filme, uno de los personajes prefiere ocultar la evidencia y seguir adelante. Calero considera que esto se puede trasladar a otros escenarios. "Me lleva a pensar en lo que dice el canciller Espá. Él quiere atacar el LUM (El Lugar de la Memoria), quiere destruirlo, sin duda. Quiere que desaparezca. Y entonces se están utilizando argumentos falsos, además, se dice que no va a nadie, pero se está mintiendo para lograr tu objetivo, que puede ser la supresión de la memoria".

Por coincidencias del cine, estrenas esta película en un momento complejo para el arte y, digamos, para la memoria en Perú. ¿Te imaginabas aportar a la conversación con este escenario?

Estoy de acuerdo contigo, pero la película, claro, tendría que haberse estrenado el año pasado. Se estrena ahora por una cuestión burocrática. No dejo de pensar que ahora esta película cobra una vitalidad particular. Primero, porque ha habido una ley de amnistía a los militares y policías asesinos. Es el momento en que, de manera coordinada y orquestada, el ministro de Cultura de Beingolea y el canciller Espá hacen declaraciones que apuntan a cuestionar el LUM. Es decir, un lugar que preserva la memoria objetiva del horror. Mi película tiene escenas filmadas ahí.

Esta trilogía inicia con La última tarde (2016), porque querías aportar a la memoria sobre el conflicto armado interno. ¿Qué te pareció el retorno del fujimorismo?

Yo, como ciudadano peruano, tengo clarísimo que el fujimorismo fue una etapa nefasta para el país porque se acentuó una cierta degradación moral. Sus propios delitos quedaron grabados por uno de sus propios delincuentes, Montesinos. Y si uno podría haber tenido un margen de ‘vamos a ver qué ocurre’, este primer mes de gobierno, lo que te muestra es la improvisación. Había una apetencia por llegar al poder, pero al parecer sin que existiera una cualificación. Entonces, a mí me produce ganas de refugiarme en el cine, en la literatura, en la música.

Te digo esto porque La piel más temida generó un debate. Ahora, en 'Álbum de familia', te centras en la idea de que un hijo tiene que cuestionar a su padre. ¿Has querido revisar a una generación que se repite?

La película surge de una reflexión sobre eso: sobre cómo los hijos podemos y debemos diferenciarnos de nuestros padres y elegir nuestro propio camino, nuestros propios valores. Trasladando eso al aspecto político, Keiko Fujimori tiene el derecho de ser presidenta, pero no tiene por qué ser como su padre. Vemos que hay una estela de hijos de políticos, entre los cuales está, seguramente, la excongresista Tudela, la hija de Alan García y el hijo de Acuña. Estamos viendo unos sujetos políticos que son epígonos de sus padres, sus defensores. Pienso en las enseñanzas desde el cine, como el documental del hijo de Pablo Escobar. Por supuesto que habla de su padre con afecto, pero no deja de reconocer que era un asesino ni deja de pedir perdón a las víctimas. Eso es madurez.

Hay una escena violenta para recuperar la evidencia. ¿Quisiste representar a una suerte de villano que no dejó de serlo o al producto de un país?

Para mí, no es un villano. Estamos haciendo spoilers, pero si la hija le tiene lealtad, es porque su padre se encargó de protegerlos. Le tienen devoción, es un padre empático. No creo que sea ni remotamente un villano, es un personaje que está respondiendo al discurso de una época. Yo tenía un profesor que fue militar y decía algo que para él tenía lógica: sus compañeros estaban caminando y unos campesinos se alzaron los ponchos y los balearon. Por eso decía: "Ahora, si veo a unos campesinos que están cerca, primero los baleo y luego los reviso".

¿Crees que estaba normalizada la violencia contra los campesinos?

Sí, estaba normalizada y los militares eran sujetos conducidos por el miedo y el racismo: no estaban matando gente como ellos, sino campesinos. Y eso no cambia. En el gobierno de Boluarte, la mayoría de las víctimas son de Puno y de Ayacucho. En provincias, es decir, donde la marronidad es predominante, se mata con más soltura, es menos ominoso matar.

En cuanto al cine y las artes en general, ¿eres de los que piensan que peligra el Ministerio de Cultura?

Por supuesto, como está ocurriendo con esos otros países en los que, claro, se pretende eliminar la cultura, como si un país solamente fuera economía. Ahora estamos ante un panorama nefasto, hay una idea ridícula de colegiar a los artistas y hay una cosa concreta que es la censura. Todavía eso no se ha convertido en reglamento. Entonces, parece ser que hay una ofensiva contra la cultura y la memoria. Lo que queda es defenderla, por supuesto.❖

• Trilogía. La película en blanco y negro. Actúan Lucho Cáceres, Emanuel Soriano, María Fernanda Valera y Natalia Torres Vilar. Paulina Tacac en un personaje que habla de la violencia del Estado.
• Estreno. Álbum de familia, protagonizada por Emanuel Soriano, ingresa a la cartelera este jueves 17. La película ganó el premio DAFO (del Ministerio de Cultura) en 2018 y se estrenó en el Festival de Cine de Lima en la edición 2024.

Se fue, del mismo modo, un faro, un guía para muchísimos documentalistas de América Latina y el Caribe. Si hoy somos testigos de una producción documental que explora la política y la memoria, y sus implicancias en la sociedad, se debe en gran medida a Guzmán, que ha sido un paradigma de muchos de ellos.

De su obra, destaquemos La batalla de Chile, título de su trilogía en la que hallamos tres documentales: La insurrección de la burguesía (1975), El golpe de Estado (1976) y El poder popular (1979). El hilo conductor de esta trilogía es el colapso de la democracia en Chile y el camino hacia el golpe de Estado de 1973. Guzmán vivió esos momentos de opresión con la llegada de Augusto Pinochet al poder. A saber, estuvo detenido 15 días en el Estadio Nacional de Santiago y fue sometido a tortura psicológica. La dictadura militar tenía una fijación con Guzmán porque había apoyado la candidatura y el gobierno de Salvador Allende con lo mejor que sabía hacer: cine documental. Al respecto, pensemos en su primer trabajo, El primer año (1971), dedicado a los primeros 12 meses del gobierno de Salvador Allende, en el que destacaba las reformas propuestas por el presidente (elegido democráticamente) y su partido Unidad Popular, como la reforma agraria y la nacionalización del cobre.  Por lo expuesto, se deduce que Guzmán era una figura sumamente incómoda para la dictadura militar.

Guzmán fue político sin usar un discurso político. Su política era su cine. Salió libre de su detención de 15 días debido a que no existía en él una militancia política formal. Ni bien salió en libertad, viajó primero a Cuba y luego a Europa, fijando después su residencia permanente en Francia, en donde residió más de 40 años. Pero cuando salió de Chile tuvo que camuflar los rollos de su trilogía. Para tal propósito, recibió la ayuda del embajador de Suecia en Chile. Las películas de su trilogía fueron estrenadas en festivales de cine y recién pudieron ser exhibidas en Chile en 1997. La manera en que salvó los rollos de 'La batalla de Chile' representa toda una odisea, una muestra no solo de su amor por el cine, sino también porque era consciente de que debía cuidar una memoria. La memoria es el elemento que toda dictadura pretende borrar o acomodar a su narrativa. Eso lo sabía muy bien Guzmán y no dudó en poner su vida en peligro con tal de preservar lo que él consideraba una memoria histórica, en especial para las futuras generaciones. Esta actitud lo posiciona como un visionario.

La vigencia y actualidad

Guzmán hizo más documentales y algunos trabajos de ficción. En su trayectoria recibió premios importantes, como el Oso de Plata de la Berlinale por 'El botón de nácar' en 2015 o el Premio Goya a mejor película iberoamericana por 'Mi país imaginario' en 2022. Se trata de galardones relevantes, pero ninguno tan significativo como el Premio Nacional de Artes de la Representación y Audiovisuales de 2023, que le otorgó su propio país.

El director falleció en un contexto mundial peculiar. Los movimientos radicales han apuntado a acomodar la memoria a discursos que no guardan relación con la verdad histórica. Contra ese tipo de manipulación luchó Guzmán toda su vida y el cine fue su arma para preservar lo que pasó. Se le admira y respeta por la calidad de su cine, pero también hay que destacar que nunca fue un demagogo. Lo suyo era la acción. Su poética está signada por la coherencia.

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Dato.

'La batalla de Chile' está disponible en Mubi. 

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“La cuarta temporada se puso un poco oscura. Me preocupaba que la gente me odiara”, comentó Jean Smart en la conferencia de prensa a la que tuvo acceso La República por el estreno de la quinta temporada. “Pero creo que, como les importaba tanto la relación, estaban dispuestos a ir a cualquier parte con nosotros, lo cual fue maravilloso. Pero en la quinta temporada, volvemos a ser profundamente tontas, lo cual es muy, muy divertido”, agrega la actriz de 74 años que ha ganado cuatro premios Emmy por la serie. Este año también es favorita.

“Sería más fácil ser elegida presidenta”

Al inicio de su carrera, Deborah Vance quiso convertirse en la primera mujer en conducir el show televisivo Late Night. “Esta cadena nunca ha contratado a una mujer para el programa de las 11:30”, dice en una de las temporadas. “Ni a nadie de mi edad. O, seamos sinceras, a una rubia. Sería más fácil ser elegida presidenta”. En Hacks, Ava logra que la veterana estrella retome ese sueño apostando por guiones diferentes, pero ya en la cima, la diva prefiere mantener el control del show y de su escritora. “Por supuesto, tenemos nuestras discusiones a lo largo de la temporada, que también disfrutamos muchísimo”, señaló la actriz de 31 años. Einbinder fue premiada por la Academia de la Televisión por la temporada que se estrenó en 2025.

Una de las virtudes de la serie es que siempre va enlazando la historia con los cambios reales en la industria y también con la coyuntura. En una escena en un campo de golf, Ava es confundida con una ayudante y es invitada a una suite. La escritora termina abandonando la habitación acusando a la mujer “republicana” de querer abusar de su poder.

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En la conferencia, Smart respondió también sobre la gran empresa de medios que decide quién está dentro y qué voz puede silenciar. “Estamos pasando por un momento realmente extraño y agitado en nuestra industria donde las grandes corporaciones realmente están tomando el control y tomando las decisiones y es muy aterrador. Tengo un socio productor, y estábamos hablando de un proyecto y tuvimos que detenernos y pensar: ‘¿Esto será bien recibido por los poderes más conservadores?’ Ya sabes, cosas así. Es un momento muy extraño. Deborah, ciertamente, aquí es donde ha sido empujada al límite. Creo que es la primera vez que realmente la vemos, aunque sea momentáneamente, completamente derrotada”.

Quizá, la primera escena de Deborah y Ava sea la que marque la pauta de las cinco temporadas de la serie. Son dos artistas talentosas, pero dos mujeres autosuficientes que están juntas en un viaje inesperado, pero que tiene que ser exitoso para continuar con sus carreras. “Esa gran escena de la entrevista es una de las escenas más icónicas de toda la serie y es la base de su conexión. Y salir de ahí es una locura, sí, sentarse en esos sofás y marcharse”, declaró Hannah Einbinder. Jean Smart dijo que nunca preguntó en qué acabaría la serie. “Me ha encantado que me sorprendan en cada episodio durante todos estos años”.

Ícono queer y reina de la comedia

Para la actriz que interpreta a Deborah Vance, ahora hay personajes más interesantes “para mujeres que no tienen 25 años”, algo que no pasó décadas atrás. “Los hombres siguen siendo dominantes en todas las películas que ves. Va a haber, ya sabes, 10 hombres por cada mujer, pero solía ser que solo escribían historias sobre hombres porque eran los que estaban en el mundo haciendo cosas. Y muy pronto la gente empezó a darse cuenta de que algunas mujeres siempre estuvieron ahí fuera haciendo cosas, y empezaron a escribir sobre mujeres que eran un poco inusuales, rebeldes, y adelantadas a su tiempo. Pero ahora se están dando cuenta de que pueden ser igual de tridimensionales y las mayores pueden tener el mismo tipo de vidas, deseos que las de 30 años”.

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Hacks también se ha convertido en una de las producciones televisivas que más aborda la diversidad. Hannah Einbinder, abiertamente bisexual en la vida real, consideró que la serie ha creado personajes admirados por la comunidad LGBTI.

“Creo que Deborah Vance es un ícono queer. Una de las conversaciones más increíbles que he visto representadas en nuestro programa sobre la identidad queer y los íconos es entre Tim Bagley y Carl Clemons-Hopkins en el bar de Palm Springs, donde hablan sobre lo que significa amar a una diva. Lo que significa ver y apoyar a alguien antes de que reciba la aprobación del público general. Ava es producto de personas queer que crearon un personaje vívido y auténtico. Y cuando leí este personaje por primera vez en la página, pensé: ‘este es un ser humano completamente realizado. No hay clichés. No hay parodia’. Es lo que sucede cuando las personas escriben sobre su experiencia. Y el espíritu de la serie gira en torno a este personaje que siempre sale adelante”.

Como esta comedia también es un homenaje al arte de reinventarse, Smart y Einbinder respondieron sobre el avance de la IA en los guiones. La actriz de 74 años comentó que ha leído acerca de que la tecnología está reduciendo la imaginación, lo cual le parece aterrador. Einbinder agrega: “No son artistas. No son creativos. Así que están tratando de robarle a la gente verdaderamente creativa los dones. Cualquiera que esté cerca de ustedes es porque ansían poder y acceso por encima de cualquier estándar ético”. Hacks compite en los Emmy 2026 con un récord de 24 nominaciones.

• Hacks se estrenó en 2021. Jean Smart podría convertirse en una leyenda de la televisión al ser la única actriz en ganar el Emmy con cada temporada de una serie.
• La temporada final se estrenó el 9 de abril en HBO Max. Tiene 10 episodios.
• En total, Hacks acumuló 86 candidaturas y 12 premios Emmy.

Ahora, nuevas revelaciones de la investigación apuntan a una posible causa de muerte. De acuerdo con información difundida por TMZ y recogida por medios internacionales, los investigadores creen que Panettiere habría consumido una pastilla de oxicodona que estaba adulterada con fentanilo. Sin embargo, los resultados toxicológicos todavía son necesarios para confirmar oficialmente la causa del fallecimiento.

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¿De qué habría muerto Hayden Panettiere?

Según TMZ, las autoridades creen que una de las sustancias que consumió Panettiere antes de morir pudo ser una pastilla de oxicodona contaminada con fentanilo. La investigación apunta a que la actriz habría obtenido medicamentos de un proveedor de drogas en Los Ángeles y que la pastilla que habría provocado su muerte estaría relacionada con ese suministro.

La investigación continúa para determinar el origen de la pastilla. La DEA participa en las pesquisas y busca reconstruir cómo Panettiere obtuvo los medicamentos. La autopsia preliminar no encontró signos de traumatismo que explicaran su muerte, mientras que los análisis toxicológicos serán determinantes para establecer la causa oficial.

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¿Qué se sabe de las últimas horas de Hayden Panettiere?

Las autoridades encontraron a Hayden Panettiere en parada cardiorrespiratoria en una residencia de Greenville, Carolina del Sur, el 16 de agosto. Brian Hickerson, quien se encontraba en el lugar, habría intentado reanimarla con Narcan, medicamento utilizado para revertir los efectos de una sobredosis de opioides.

De acuerdo con las últimas informaciones, la investigación también busca identificar al supuesto proveedor que habría vendido los medicamentos a la actriz. TMZ señala que las autoridades están enfocadas en determinar quién le proporcionó las sustancias y si alguna de ellas contenía fentanilo. Hasta el momento, no se ha establecido oficialmente que esta haya sido la causa de su muerte.