Después de Dolor y gloria (2019), esta película también es una historia personal del artista manchego, pero esta vez el guion se acerca más y narra dos autoficciones: presenta a una directora Elsa (Bárbara Lennie) y al guionista Raúl (Leonardo Sbaraglia), quien tiene la tarea de escribir sobre la vida de la cineasta.  En declaraciones enviadas por Warner Bros. a La República, el actor argentino comenta que a diferencia de la anterior película tenía ahora más exigencia y “más responsabilidad” por acercarse a la búsqueda del director.

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 “La diferencia tuvo que ver con que la responsabilidad era mucho mayor. Quizás aquella vez era un personaje que yo lo tenía más cerca, no sé, había colores que, desde cierta ternura, de cierto candor, de cierta cosa que naturalmente, quizás ya se lo estaba dando”, comenta sobre la película protagonizada por Antonio Banderas y que fue nominada a dos premios Óscar en 2020. “En cambio, en este caso, con Raúl, había que encontrar, como dice Pedro, un retrato diferente, un retrato no amable del mismo, un retrato escurridizo”.

En una entrevista con Deadline, a propósito del estreno en Cannes que tuvo en las butacas a Juliette Binoche, Pedro Almodóvar reveló que Amarga Navidad terminó siendo tan personal que lo sorprendió. “Suena un poco paranormal, pero realmente siento que algo más se apodera de mí durante el proceso de escritura, y llega un punto en el que es la historia la que dicta lo que sucede. Yo mismo me sorprendí con el final cuando llegué al final de la historia. En realidad, esta es la adaptación de un cuento que escribí hace muchos, muchos años, que contaba la historia de Elsa con su novio, el bombero/stripper, y su amiga Patricia (Victoria Luengo), y el viaje que hacen a Lanzarote. Fue una completa sorpresa para mí que Mónica, el personaje que aparece en la última media hora de la película, sea quien desafía al autor. Ella no formaba parte de la historia anteriormente. Ella vino a mí”.

Almodóvar es un artista que ha defendido la libertad creativa y su cine ha visibilizado a las minorías. También sus películas han abordado temas complejos como la eutanasia en La habitación de al lado. En Cannes 2026, sostuvo que el artista tiene un deber moral.

“Sin querer juzgar a nadie, creo que el artista debe hablar de la situación que vive la sociedad. El silencio y el miedo —porque claramente se trata de una expresión de miedo— son una muy mala señal; son una señal de la erosión de la democracia”, dijo en la rueda de prensa. “Como europeos, estamos también obligados a convertirnos en una especie de escudo contra monstruos como Trump, Netanyahu o el ruso. Estamos obligados porque aquí si obedecemos las leyes internacionales”.

En la piel del alter ego

Después de interpretar a la expareja del protagonista de Dolor y gloria, Leonardo Sbaraglia fue ovacionado tras la proyección de Amarga Navidad en Cannes. “Había que ir encontrándolo y era mucha más la responsabilidad de ir encontrando a ese personaje porque, al ser un alter ego tampoco es que estaba muy retratado en lo conceptual, porque no tiene escenas donde, de alguna, se ve o se expresa lo que le está pasando, sino que se expresa desde un lugar muy conceptual, se expresa desde la palabra, desde cierto relato”.

El guion había sido escrito por Almodóvar durante cuatro años, mientras continuaba desarrollando otras películas. En este cruce de la realidad y la ficción, Raúl, el personaje de Sbaraglia, continúa escribiendo la historia inspirándose en personas reales. Está la asistente Mónica, interpretada por Aitana Sánchez-Gijón, una suerte de antagonista de la propia vida de Almodóvar. “Es un reflejo de las formas en que me cuestiono a mí mismo. Siempre estoy muy atento y receloso de no caer en la complacencia”, ha dicho el español a Deadline.

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Para Sbaraglia, Raúl fue un alter ego que tuvo que construirse a partir de los detalles. “Pero insisto, estaba como muy puesto en el relato; entonces, era realmente difícil ir contándolo, pero tuvimos la suerte de tener muchísimos ensayos, muchísimo trabajo codo a codo con Pedro, de mucha precisión. Es un director que busca, casi como un cirujano, el trabajo sobre el actor o sobre la actriz. Entonces, no es fácil para nada porque tienes que ir encontrando la organicidad en esa especie de precisión, y ese fue, creo, que el trabajo más difícil”.

Pedro Almodóvar ha comentado que esta película ha sido una experiencia liberadora y divertida como parte de un proceso de autocrítica. Para el argentino, volver a trabajar con él sigue siendo un salto creativo que define como impresionante.

“Trabajar así, como cuando uno le toca trabajar con grandes directores, como el caso de Pedro, como el caso de otros grandes directores con los que me ha tocado trabajar, creo que el máximo desafío y la originalidad siempre tienen que ver con subirte a algo de esa especie, de esa impronta, de esa paleta. Subirte a algo de esa especie de micromundo que estos grandes directores construyen, y esa precisión también implica una renuncia de algo más personal. Es como que tener que convertirte, tener que llevar todo tu cuerpo y todo tu lugar a un lugar que le pertenece a otro. Y eso es el mayor trabajo, ¿no? Como algo de la propia renuncia para poder hundirte y plegarte y mimetizarte con un mundo que es completamente nuevo”.

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Con la película The Mandalorian and Grogu, el actor chileno-estadounidense vuelve a interpretar al personaje detrás de la armadura mandaloriana. “De lo que me siento muy orgulloso de esta película y por lo que estoy tan conectado con ella es de ver la reacción que ha tenido la gente, especialmente durante el COVID, cuando era una de las pocas cosas que se podían hacer. Era un entretenimiento nuevo, muy cinematográfico para la televisión, era un descubrimiento, y Grogu era un personaje muy positivo para eso. El Mandaloriano al principio era un personaje muy oscuro, así que esa yuxtaposición fue genial”, declaró Pascal en una entrevista para Cadena Ser.

Desde el inicio del filme, Mando o Din Djarin está acompañado de un carismático Baby Yoda, como lo conocen los fans. La coronel Ward (Sigourney Weaver) lo envía a una misión para encontrar a Rotta (con la voz de Jeremy Allen White), pero se enfrentará a los gemelos Hutt. La película tiene un guion sencillo y las críticas que ha recibido son mixtas. Quizá ello responda a la gran expectativa por cada historia que se desprenda del universo creado por George Lucas.

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Sin embargo, uno de los aciertos de The Mandalorian and Grogu es que no es necesario ser fanático de la franquicia para entender aspectos del mundo del protagonista y cómo, acompañado de su protegido, lucha contra los enemigos de la democracia.

 “Uno siempre se tiene que acordar de que la lucha en estas películas es por lo bueno. Y en la República o la democracia galáctica, esa es la aventura, luchar por el bien del mundo, y proteger a los inocentes y a la gente que merece protección. Por eso vamos al cine.  Star Wars representa muchos mundos con diferentes especies, personajes de diferentes mundos que reflejan las culturas que tenemos en nuestra tierra, todos los países”, responde en la mencionada entrevista.

Para Pascal, quien recuerda haber ido al cine desde pequeño para ver Star Wars, cada generación tiene una versión de ese universo.

“Los personajes han calado en la cultura popular”

El director dio declaraciones para D23 y coincidió con Pascal sobre la idea de que cada generación busca ver una historia de Star Wars en los cines. 

“Estos personajes han calado hondo en la cultura popular. Hay fans que nos han apoyado desde el principio; les debemos mucho y han corrido la voz. Pero existe toda una categoría de público, incluso espectadores más jóvenes: alguien que ahora tiene 12 años, hace siete no tenía edad para ir al cine a ver una película de Star Wars. Pero puede que conozcan al personaje; puede que hayan jugado con un juguete de Grogu, y ahora quizás estén listos para adentrarse en este mundo”, señaló Favreau.

Según explicó, el equipo se alistaba para la preproducción de la cuarta temporada de la serie The Mandalorian, pero debido a la huelga histórica de guionistas y actores de Hollywood, los planes cambiaron y pensó en el cine.

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“Esta historia de terror nace en los campamentos, en lo que se cuenta alrededor de la fogata. Entonces, Javi (Velásquez, el director) fue más allá de la leyenda y escribió la novela”, nos comenta la actriz sobre La niña del azúcar. “El protagonista era un hombre, pero decidieron ‘castear’ a mujeres y me escogieron”. La coproducción tiene en el elenco a Fernando Bacilio, Teddy Guzmán y al recordado Óscar Carrillo.

Teddy Guzmán dijo que el guion la convenció por los temas que abordaba. ¿Cómo fue en tu caso?

Cuando leí el guion me parecía entre una película de terror y una historia de detective increíble, ¿no? O sea, creo que es una reinvención del género dentro de AVF (la productora) que ha logrado conectar con el público. Si pensaban que verían solo una película donde iba a aparecer una niña que los iba a asustar, se llevaron  una historia más grande. El recibimiento del público ha sido muy bonito.

El llamado cine comercial peruano no ha tenido muchas películas que convenzan a la crítica y es cierto que varias producciones están muy lejos de ello por su calidad. En ese sentido, ¿qué crees que ha logrado La niña?

Creo que es de las pocas de su género, por no decir la primera, en gustarle al público y gustarle a la crítica. Un día pasé por el Cinerama, que está frente al (Parque) Kennedy, para fijarme cuántas funciones había y vi a un señor que estaba mirando el tráiler y me dice: ‘yo soy crítico de cine y vengo porque he escuchado buenos comentarios’. Que una película logre gustar a ambos es bien complejo y eso es lo estamos logrando.

Es decir, ¿piensas que el cine siempre deber abordar lo que sucede en el entorno?

Completamente. Javi, el director, dijo que la película es un pretexto para seguir hablando de temas sociales que suceden en nuestra selva. Entonces, puedes hablar de un tema social a través de una comedia, y en este caso, a través de un género de terror policial. No por ello dejas de dar una crítica o una reflexión. Siempre se puede. Porque finalmente el género de terror nace de una crítica social, de una denuncia hacia algo que sucede y que la sociedad ignora.

Hablando de nuestra sociedad, este Congreso se despide, pero acaba de crear el Colegio de Artistas sin reunir al sector. ¿A qué crees que se debe esta propuesta?

Este es un Congreso y un gobierno que más se ha preocupado por el qué dirán y no por el hacer, definitivamente. Están haciendo un Colegio de Artistas, gracias, pero eso lo decidimos nosotros, ¿no? Nos lo tienen que consultar. Creo que hay otros rubros que los necesitan con mucha mayor urgencia, como la ley de educación sexual y protección a las niñas y adolescentes que quedan embarazadas. Nosotros, los actores, todos tenemos el derecho de dar nuestra opinión. No sé cuántos partidos no han vuelto a ser elegidos para el Congreso y ahora no saben de dónde más agarrar para llevarse su cuota, ¿no? Para sobrevivir, porque se van a quedar sin trabajo.

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Tú hiciste una carrera universitaria, pero algunos de tus colegas creen que la creación de un colegio sería excluyente y podría buscar censurarlos. ¿Coincides con eso?

Sí, creo que (los congresistas) han pretendido transformar el arte, ¿no? Censurarlo, controlarlo, no se puede, porque el arte es la voz del pueblo. El público no es tonto, pero yo creo que hay muchos políticos que subestiman al público. Creen que mientras no le den tanta importancia a la educación, la gente va a mantenerse ahí. Podrán hacer colegios y leyes, pero el arte va a sobrevivir, porque como decía Manuela Sáenz en la serie El Último Bastión, el artista recoge el sentir del pueblo, lo transforma en una historia y lo cuenta. En La niña se habla de extorsión, de persecución y de mafias. No todo lo hace un gran plan de marketing, hay cosas que se descubren viendo una película.

Desde el teatro también han hablado de la coyuntura y en los últimos años se ha hecho común llamarlos ‘caviares’ para desacreditarlos.

(Sonríe) Pero seguimos y seguimos haciendo cine y teatro. Es que ya no sé si eso nos hace mal o nos hace bien, ¿por qué? Porque nos están haciendo publicidad, y tú sabes que lo peor que puede pasar es que nos ignoren, y por lo menos ignorados en este gobierno no hemos sido. Nos han dado vitrina; bueno, sigan así.

En esta película te toca ser una policía que lidera una investigación en un ‘mundo’ de hombres. Hay varios temas que entrecruzan con lo que debería ser ideal en un país cuando no hay una cultura machista, ¿no?

Qué bueno que lo menciones porque nadie refuta el hecho de que toda esta investigación es llevada por una mujer y ella todo el tiempo está trabajando en conjunto. Entonces, ese es el camino, ¿no? Que pueda ser totalmente natural ver a alguien en un puesto de poder; puede ser hombre, puede ser mujer. Lo importante, más allá del género de quien ocupa un cargo de poder, es que haga un buen trabajo. Y también pues, que quienes lleguen al poder no dejen mal a nuestro género.

Te refieres a la expresidenta.

Como ella: ocupan un puesto de poder y lo usan para cosas que uno mismo critica como mujer, pero ahí están, ‘pensando en mi cabello, mi cuerpo y mis joyas’. En general, a los hombres y a las mujeres no se nos enseña que si ocupas un cargo, ya es trabajo y para eso estamos, para trabajar y no es tan difícil. Por eso en la película se ve la corrupción en la policía y cómo, a pesar de eso, mi personaje sigue haciendo su trabajo.

• Talento extranjero. El actor español Marc Clotet y a los actores argentinos Pepe Monje y María Jesús Rentería.

Uno de los últimos logros de Jarmusch es el siguiente: en el marco del Festival de Cine de Venecia, obtuvo el León de Oro 2025 por su película 'Father, Mother, Sister, Brother'. Si tuviera que recomendar algunas de sus obras, apuntaría a la ya mencionada 'Stranger than Paradise' (premio del jurado en el Festival de Sundance de 1984), 'Mystery Train' (1989) y 'Dead Man' (1995).

Jarmusch también ha participado en películas como actor. Al respecto, sugiero la regular 'Blue in the Face' (1995), del dúo Wayne Wang y Paul Auster. Esta película fue una pésima secuela de esa maravilla llamada 'Smoke' (también de 1995), de Wang. En ella, Wang y Auster solo se abocaron a lo que mejor sabían hacer: uno en la dirección y el otro en el guion. Lo mejor de 'Blue in the Face' es la actuación de Jim Jarmusch, quien da vida a un tipo llamado Bob, un hombre que tiene toda la pinta de ver pasar la vida desde una esquina de Brooklyn. Bob, en un arranque de voluntad, se dirige a la tienda de Auggie Wren (Harvey Keitel) y le dice que dejará de fumar de una vez por todas y que ante él fumará su último cigarrito. Auggie se siente honrado e incrédulo por lo que le confiesa Bob (¿cuántos de los que viven adheridos a un cigarro han estado en una situación parecida a la de él?, se pregunta Auggie). Es una escena de antología. (Por cierto, en 'Blue in the Face' también aparecen Madonna, Lou Reed —quien se manda toda una declaración de amor por Nueva York—, Michael J. Fox, entre otros ilustres).

'Coffee and Cigarettes' es, a todas luces, el proyecto más personal de Jarmusch. Este es un proyecto trabajado a lo largo de más de 15 años, el cual se inició en 1986 con un corto de seis minutos, 'Strange to Meet You', que tuvo como actores a Roberto Benigni ('La vida es bella', de 1997) y Steven Wright; en 1989 continuó con 'Menphis Version' —aunque luego lo cambió por 'Twins'— con el gran Steve Buscemi; en 1993 recibió la Palma de Oro del Festival de Cannes al mejor cortometraje por 'Somewhere in California', con las actuaciones de, agárrense, Iggy Pop y Tom Waits. En 2003, Jarmusch decidió reunir todos los cortos, 11 en total, bajo el título de 'Coffee and Cigarettes', o 'Café y cigarrillos'. Con esta película, Jarmusch celebra la cotidianidad mediante una taza de café y cajetillas de cigarros.

De todos los cortometrajes, me quedo con el noveno, 'Cousins' (primos), protagonizado por los británicos Alfred Molina y Steve Coogan (el protagonista de '24 Hour Party People' (2002), de Michael Winterbottom). En ese corto, ambos actores se encuentran en un café. Molina ha citado a Coogan, quien llega tarde. Coogan está en la cúspide de la fama a razón de '24 Hour'... Su actitud es la de un sobrado. Molina le dice que ha descubierto que son primos y que le gustaría conocerse más. Quizá en un viaje juntos. “¿Eres gay?”, le pregunta Coogan. “No”, le responde Molina. La conversación está pautada por silencios incómodos. Coogan siente que en ese momento podría estar reunido con otras estrellas. Entonces, Molina recibe una llamada. “Hola, Spike. Claro, hay que mantener nuestra integridad artística...”. “¿Has estado hablando con Spike Lee?”, pregunta Coogan. “No”, le responde Molina. (Claro, qué vas a estar hablando con Spike Lee). Con quien hablaba era con Spike Jones, le dice Molina. “¿Spike Jonze? Amo el cine de Spike Jonze”, precisa Coogan, quien queda como un lobista de alto vuelo luego de menospreciar a Molina.

Todos los cortos de 'Coffee and Cigarettes' son protagonizados por estrellas del cine y de la música en sus propios roles. Actuaron para Jarmusch, ojo aquí, por el prestigio que significa ser dirigidos por él. No es un director fácil de ver. Pero hay que verlo por amor al cine. 'Coffee and Cigarettes' resulta ideal para ingresar a su poética.

El anuncio se da tras el éxito comercial de la cinta protagonizada por Jaafar Jackson, que además dejó abierta la puerta a una continuación con un mensaje mostrado antes de los créditos finales: 'Su historia continúa', frase que disparó las especulaciones entre los fanáticos y que ahora ha sido respaldada oficialmente con el desarrollo de Michael 2.

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Lionsgate confirma secuela de Michael

La historia cinematográfica de Michael Jackson continuará. Durante una reunión con inversionistas y analistas, altos ejecutivos de Lionsgate confirmaron que el estudio ya proyecta una nueva entrega del biopic, convencidos de que aún quedan etapas importantes de la vida y legado musical del artista por mostrar en pantalla.

Jon Feltheimer, director ejecutivo del estudio, y Adam Fogelson, presidente de la división de cine, sostuvieron que el universo narrativo de Michael todavía tiene material suficiente para expandirse. “Creemos que hay mucha más historia que contar y mucha más música que compartir”, afirmó Feltheimer, en declaraciones recogidas por Deadline.

El ejecutivo también destacó el enorme potencial comercial del proyecto y aseguró que la película podría marcar un antes y un después para Lionsgate, al perfilarse como la primera producción del estudio con posibilidades de superar los 1.000 millones de dólares en recaudación mundial.

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¿De qué trataría la secuela de Michael?

Tras confirmarse la secuela del biopic de Michael Jackson, una de las principales preguntas entre los fanáticos gira en torno a qué etapa de la vida del cantante será llevada a la pantalla. La primera película cerró su relato durante la era de Bad en 1987, dejando fuera algunos de los momentos más importantes, exitosos y mediáticos de la carrera del Rey del Pop.

Esto abre la puerta a que la nueva cinta explore periodos marcados por discos fundamentales como Dangerous, HIStory o Invincible, etapas que incluyen algunos de los mayores éxitos musicales del artista y momentos clave de su trayectoria pública.

Sin embargo, Adam Fogelson adelantó que la continuación no necesariamente seguirá una línea temporal estricta. Según explicó, el estudio evalúa una narrativa más flexible que permita moverse entre distintas etapas de la vida de Michael Jackson. “Podemos ir hacia adelante y hacia atrás para contar esta historia. Hay una enorme cantidad de material increíblemente entretenido sobre Michael Jackson, y gran parte de las canciones más importantes de su catálogo ni siquiera aparecieron en la primera película”, afirmó.