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Minutos después, proyectaron un video de Nora de Izcue reconociendo la carrera de la venezolana Mariana Rondón y de la peruana Marité Ugás, las homenajeadas de esta edición. La célebre cineasta remarcó el trabajo de sus colegas como guionistas, directoras y productoras.

“Es un festival que siempre ha acompañado nuestras películas y eso es de una importancia enorme para todos nosotros”, dijo Mariana Rondón al recibir el trofeo Spondylus. “Siempre hemos hecho un cine entre Perú y Venezuela, pero hace unos cuantos años, bastantes ya, vine a vivir a Lima. Y gracias a un proyecto de DAFO, empezamos a asesorar a jóvenes cineastas de las regiones. Pero lo más importante de esa experiencia fue que me permitió conocer Perú. Y en este momento no creo que exista una manera más poderosa y bonita de conocer un país”, agregó una de las fundadoras de Sudaca Films.

Ugás, quien codirigió con Rondón Aún es de noche en Caracas, señaló la importancia de la coproducción con otros países para seguir haciendo cine. “Creemos que las alianzas entre nosotros son las que nos protegen. Protegen nuestras imágenes, nuestra imaginación y nuestra memoria”.

Tal como declaró para La República por su nominación a los Premios Platino 2026, la cineasta abordó el difícil panorama para la cultura en el país. “Sentimos también que ahora más que nunca tenemos que cuidar el cine peruano. La cultura no es un lujo. La cultura es donde la sociedad preserva su memoria, su capacidad de pensamiento crítico y de imaginar el futuro. Y un país que no se filma es un país que corre el riesgo de perder su memoria. Los años que nos vienen no vienen fáciles, ya lo sabemos. Pero pues lo que tenemos es eso: sabemos hacer es contar historias, contarlas siendo fieles a nosotros mismos y sobre todo cuidando nuestra memoria”.

Ugás cerró su discurso entre aplausos: “¡Viva el cine peruano!, ¡viva el cine latinoamericano!, ¡viva el cine de mujeres!, ¡viva el cine queer!”.

Reinventar Hamlet

Otra protagonista del primer fin de semana del festival ha sido Ser Hamlet, la ópera prima de Chela De Ferrari. Tras culminar la función, el público se puso de pie para aplaudir al elenco que veía por primera vez la película en una pantalla de cine.

El documental muestra el proceso de creación y ensayos de la obra que estrenó De Ferrari en 2019. Hamlet rompió mitos como una versión libre con un elenco de actores con síndrome de Down y se convirtió en una exitosa puesta en escena que representó al Perú a nivel internacional.

"Nos decían que no iban a poder estar solos en el escenario, que era necesario que actores neurotípicos guiaran a los actores en escena. Y eso dijimos: no, si hay errores, como puede haber en cualquier función, confiemos en que se sabrán resolver. Creo que la palabra más importante, quizás, en este proceso es confianza. Hemos confiado".

Uno de los momentos más emotivos del estreno fue cuando Octavio Bernaza, quien interpreta a Claudio, pidió a los actores que estaban en las butacas que se pusieran de pie. Parte de la crítica sostiene que Ser Hamlet, al igual que la obra, está lista para representar al Perú.

En cuanto a películas internacionales, hay dos cintas dirigidas por mujeres que compiten este año y que se perfilan para los premios del festival: la mexicana Chicas tristes y la argentina Las corrientes.v

• Alfombra azul. En la sección dedicada al cine nacional hoy estrenan Estados generales de Mauricio Freyre. La función es a las 6:50 p.m. En la competencia ficción proyectan La anatomía de los caballos de Daniel Vidal Toche a las 9:10 p.m. Ambas funciones son en el Teatro Nos.

La cinta sigue a la familia Delgado, cuyos integrantes quedan completamente aislados cuando una extraña fuerza impide abrir puertas y ventanas. Mientras intentan descubrir qué está ocurriendo, unas misteriosas figuras aparecen entre la lluvia que cae sin parar, aumentando la sensación de peligro.

Dirigida por Louis Leterrier, responsable de títulos como 'Fast X' y 'El increíble Hulk', la producción cuenta con Greta Lee, recordada por 'Vidas pasadas', y Wagner Moura, protagonista de 'El agente secreto'. El guion de Matthew Robinson lleva la historia por un camino inesperado y propone una particular vuelta de tuerca a las clásicas historias de invasiones extraterrestres.

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¿De dónde vienen las criaturas de la lluvia en 'La última casa'?

El mayor misterio de 'La última casa' no está dentro de la vivienda donde permanece atrapada la familia Delgado, sino en las extrañas criaturas que aparecen en medio de la lluvia. La película plantea que estos seres no son visitantes de otro planeta, sino organismos que llevan millones de años en la Tierra.

Según la historia, estas criaturas habitaban las profundidades del océano mucho antes de que los seres humanos aparecieran. Por ello, su llegada a la superficie no representa una invasión extraterrestre convencional. "Han estado ahí mucho antes que nosotros. Vivimos en su planeta", explicó el director Louis Leterrier a Netflix Tudum.

La película también vincula su aparición con una de las mayores amenazas actuales: el cambio climático. El calentamiento global, la contaminación y el consumo desmedido habrían provocado un deterioro extremo de los océanos, obligando a estos antiguos habitantes marinos a abandonar las profundidades y buscar un nuevo lugar en la superficie.

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Final explicado de 'La última casa'

El desenlace de 'La última casa' deja una puerta abierta para imaginar qué ocurrió realmente con el resto de la humanidad. Después de atravesar la aterradora experiencia y conseguir sobrevivir, Ruth decide utilizar una radio con la esperanza de encontrar alguna señal de vida.

Su búsqueda tiene una respuesta inesperada. Luego de varios segundos marcados por la interferencia, una voz aparece al otro lado y pronuncia únicamente un "¿Hola?". Sin embargo, la película corta la escena sin mostrar quién se encuentra detrás de esa transmisión.

El misterio tampoco fue resuelto por Louis Leterrier. El director adelantó que se trata de una voz perteneciente a alguien "muy, muy, muy icónico", aunque dejó claro que la identidad del personaje no puede determinarse con certeza.

Por eso, la última escena funciona más como una posibilidad que como una respuesta definitiva. 'La última casa' no confirma cuántas personas lograron sobrevivir ni quién está al otro lado de la radio, pero sí deja una idea clara: la familia Delgado podría no ser la única que consiguió permanecer con vida.

El éxito de la producción se reflejó en el ranking global de la plataforma, donde se posicionó en los primeros lugares en varios países de Latinoamérica. La recepción confirmó que la serie no solo consolidó a sus protagonistas, sino que también aseguró su futuro con una nueva temporada.

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¿'Mi vida con los chicos Walter' tendrá temporada 4 en Netflix?

Netflix anunció oficialmente la realización de la temporada 4 de 'Mi vida con los chicos Walter' el 13 de mayo de 2026 durante su presentación anual, ‘TUDUM’, en Nueva York. El rodaje comenzó el 27 de junio en Alberta, Canadá, y se extenderá por varias semanas en locaciones de Calgary, Cochrane y Crossfield. La producción está a cargo de Sony Pictures Television e iGeneration Studios.

Aunque la plataforma no ha revelado una fecha exacta de estreno, se espera que la cuarta temporada llegue en 2027. Alerta de spoilers de la tercera temporada: el argumento retomará un terrible accidente sufrido por uno de los hermanos, mostrado en el final de la tercera entrega, y explorará las consecuencias emocionales para Jackie y el resto de la familia Walter.

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La tercera temporada de 'Mi vida con los chicos Walter' profundizó en la relación de Jackie con los hermanos Walter y en la tensión entre Cole y Alex. El accidente de auto de uno de los intereses amorosos de la protagonista cerró la historia en un punto crítico, dejando abierta la pregunta sobre su futuro y el impacto en la dinámica familiar. Este giro narrativo fue clave para mantener la atención del público y preparar el terreno para la siguiente entrega.

Elenco y personajes

El reparto principal se mantiene y seguirá encabezando la cuarta temporada:

• Nikki Rodriguez como Jackie Howard
• Noah LaLonde como Cole Walter
• Ashby Gentry como Alex Walter
• Marc Blucas como George Walter
• Sarah Rafferty como Katherine Walter

El interés del público se disparó desde el estreno, no solo por la historia, sino también por el peso de su elenco. Figuras reconocidas de la televisión mexicana y latinoamericana dan vida a personajes que enfrentan dilemas morales, médicos y afectivos, en una trama que ya se ubica entre las más vistas de la región.

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¿De qué trata ‘El otro padre’ en Netflix?

La historia sigue a Maca, una médica que descubre que su hija Julieta necesita un trasplante de riñón. El único donante compatible resulta ser Emilio Martínez, el verdadero padre biológico de la joven, cuya existencia había permanecido oculta por 20 años. La revelación sacude a la familia y abre un conflicto que mezcla el drama íntimo con la urgencia médica.

La primera temporada cuenta con 10 capítulos de aproximadamente cincuenta minutos cada uno. Desde su lanzamiento, la producción se instaló en el top de lo más visto en México y otros países de Latinoamérica, consolidando a Netflix como vitrina de historias locales con alcance global.

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Elenco y personajes

El reparto de ‘El otro padre’ en Netflix reúne a intérpretes de distintas generaciones, capaces de sostener la tensión dramática y conectar con el público. A continuación, la guía completa de actores y personajes:

• Silvia Navarro (47 años) interpreta a Macarena Sotomayor, la madre que enfrenta el dilema de revelar un secreto guardado por dos décadas. Navarro es una de las actrices más reconocidas de la televisión mexicana, recordada por series como ‘Mañana es para siempre’ y ‘Juegos interrumpidos’.
• Manolo Cardona (49 años) da vida a Ricardo, esposo de Macarena y padre legal de Julieta. El actor colombiano ha destacado en ‘Rosario Tijeras’, ‘Narcos’ y ‘¿Quién mató a Sara?’.
• Azul Guaita (25 años) interpreta a Julieta, la hija adolescente que necesita el trasplante. La actriz se hizo conocida por ‘Rebelde’, ‘Como agua para chocolate’ y ‘La mujer del diablo’.
• Erik Hayser (45 años) encarna a Emilio Martínez, padre biológico de Julieta y pieza clave en el conflicto. Ha trabajado en ‘Ingobernable’, ‘Oscuro deseo’ y otras series famosas.
• Paola Núñez (48 años) es Yolanda Martínez, esposa de Emilio. Su trayectoria incluye ‘Las Juanas’, ‘Reina de corazones’ y la serie estadounidense ‘La purga’.

El reparto de ‘El otro padre’ incluye además a:

• Emilio Osorio como Bernardo, hijo de Maca y Ricardo
• Sebastián Dante como Gustavo, hijo mayor de Maca y Ricardo
• Romina Poza como María, hija mayor de Emilio y Yolanda
• Blanca Guerra como Hilda Sotomayor, madre de Ricardo
• Pamela Moreno como Victoria Martínez, mejor amiga de Julieta
• Georgia Alexi como Rosa, personaje cercano a la familia.

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El regreso de la serie se vio primero en Bogotá. Más de 350 invitados acompañaron al elenco a la premiere en el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo. Previo al estreno, las actrices Daniella Reyes, Marleyda Soto y María Adelaida Puerta se conectaron por Zoom para el junket de entrevistas sobre el estreno. Aunque la primera parte tuvo críticas divididas, la producción logró premios y una gran respuesta de la audiencia.

“Yo creo que el éxito no solamente de la serie, sino del libro, radica en el hecho de que no solamente nos retrata muy bien a nosotros como colombianos, sino que la obra está tan bien escrita que termina siendo una radiografía de Latinoamérica. Entonces, cualquier país hermano que vea la serie o que lea el libro, va a encontrar allí muchas concordancias con su propia historia, con su cultura, con las costumbres y con las personas que lo habitan. Y creo que es una de las cosas más bellas que tiene precisamente la obra de Cien años de soledad, que aunque es muy local, muy nuestro, muy colombiano, termina siendo también muy universal”, responde a La República la actriz Marleyda Soto (Úrsula Iguarán).

Puerta ingresó a la serie para interpretar a Amaranta y opina en la misma línea que su colega: “Ese microuniverso en Macondo termina siendo un reflejo del universo en el que vivimos, con las mismas batallas, amores, desamores, tristezas y alegrías. Entonces, es lo más importante de esta obra: funcionar como un reflejo universal de la esencia humana”.

Esta vez vemos un Macondo en caos, en decadencia. En ese contexto entra su personaje. “Para mí fue una sorpresa porque fue algo así, de último momento. Llega uno a una fiesta que ya está empezada, pero la segunda parte es una fiesta tensa, turbia, entonces, ¿cómo asume uno ese reto? Y toca llegar con la mirada de sorpresa de una niña chiquita a la que le dieron el mejor juguete y que lo tiene que asumir, así sea un reto oscuro. Amaranta trae esa carga de todo lo que hizo de joven y tiene que asumir ese rol. Entonces, fue un gran reto, pero muy hermoso porque está ese realismo mágico que es esa interpretación poética de la realidad, de una realidad que a veces puede entrar como un puñal, pero cuando se cuenta de esta manera poética nos genera una reflexión y otra mirada”.

Daniella Reyes interpreta a Remedios, la bella, el místico personaje que parece no pertenecer al mundo de los Buendía y desafía las normas. “Todos al leerla podemos identificarnos un poco con los personajes”, agrega la actriz. Para ella, la historia escrita por el Nobel permite que “nuestros pueblos” se identifiquen. “Ahí está la naturaleza de la acogida del libro a nivel mundial”.

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Cien años de soledad: parte 2 nos habla de los vínculos, de la guerra y permite hacer paralelismos con la actualidad. La intención, sostienen, era hacer esta parte más grande que la primera. “Porque en la primera temporada la historia nos muestra el surgimiento, el nacimiento y el esplendor de Macondo. Y los televidentes que asisten a la serie, los lectores que, por supuesto, han tenido acceso al libro, pueden ver en estos primeros 50 años de la historia de Macondo como la parte más próspera, si se quiere, pero justo en ese momento entra la violencia y entra la política. Y estos temas se van a desarrollar mucho más en la segunda parte. Generalmente, la gente asocia Cien años de soledad a la fundación de Macondo, a los Buendía y todo lo que acontece en esta primera parte. Pero resulta que la segunda parte es muy potente precisamente porque el tema de la violencia y de la política entró con tanta fuerza. Y aquí viene el ocaso de Macondo, el ocaso de la casa Buendía, los personajes entran en un deterioro, todo se cae, viene el olvido y la soledad absoluta”.

Frente a una coyuntura mundial compleja y violenta, ¿ustedes creen que una buena serie, como una buena novela, siempre tiene que conectar con la actualidad?

Marleyda: Por supuesto. De hecho, nosotros como intérpretes, que tuvimos que acercarnos tantas veces al libro, que tuvimos que leerlo tantas veces, es impresionante cómo en cada lectura encontramos cosas nuevas y encontramos elementos que tienen una vigencia impresionante con lo que nuestro país está viviendo en este momento. Bueno, y no solamente nuestro país, es decir, todos los países hermanos. Los temas de la corrupción, de la violencia política, de todo lo que nos acontece como pueblos latinoamericanos están más vigentes que nunca. Así que yo creo que ahí la gente va a encontrar un retrato muy actual de lo que estamos viviendo como pueblos latinoamericanos.

María Adelaida: Para mí, siempre ha sido muy importante estar en proyectos que cuestionen lo que somos como seres humanos, porque a veces todo esto que pasa en nuestra realidad no lo vemos. Tenemos como una distancia y no nos damos cuenta. Por eso me encanta la obra de Gabriel García Márquez, porque nos muestra realmente lo que somos.

Daniella: Estoy muy de acuerdo. Si bien la obra nos atravesó a nosotros como personas en la construcción de cada uno de nuestros personajes y de lo que íbamos viviendo, era natural despertar y darnos cuenta de que también atraviesa todo lo que está pasando social, cultural y políticamente en este momento, porque esa es la magia de Cien años de soledad. Eso fue, yo pienso, lo que todos vivimos y descubrimos allá adentro, que además de mostrarnos una realidad de Macondo, nos mostraba también la realidad dentro de nosotros mismos. Era impresionante.

Antes de ingresar al elenco, el actor ya era un admirador del universo creado por George R. R. Martin. Basada en el libro Fuego y Sangre, es una precuela de la serie que fue en un momento la más popular del mundo: Juego de tronos (Game of Thrones). Ambientada 200 años antes, La casa del dragón se desarrolla durante el reinado del rey Viserys I Targaryen (Paddy Considine).

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Es una historia sobre el poder y Daeron Targaryen aparece, al inicio, siguiendo las órdenes de su tío Ormund Hightower (James Norton) a modo de supervivencia. Sin embargo, pronto sufre un intento de asesinato. “Por mi experiencia, poder actuar junto a actores increíbles y leer personajes moralmente ambiguos nunca es blanco o negro ni simple”, responde a La República.

Benjamin Evan Ainsworth se conecta una tarde por Zoom desde el Reino Unido para el junket promocional, en entrevistas de seis minutos con cada medio de comunicación. El actor considera que la complejidad de los personajes es una de las cosas que atrapó a la audiencia y a él mismo. “Siempre hay diferentes capas y formas multifacéticas de ver a las personas. Y he disfrutado mucho, especialmente la relación entre Daeron y Ormund, todos los detalles retorcidos e intrincados del guion, y luego poder actuar junto a James Norton, quien hace que Ormund cobre vida de una manera tan fluida, caótica e impredecible. Hay algo increíble en poder observarlo y seguirlo durante una toma, así que sí, ha sido genial”.

El primer rol principal que tuvo fue en la serie The Haunting of Bly Manor (2020) y acaban de anunciar que interpretará a Link en la película de acción real de Legend of Zelda. Este domingo se transmite el último episodio de la temporada 3 de La casa del dragón.

¿Cuál es el mayor desafío de unirse a una producción que ya tiene historia con temporadas exitosas?

Me siento muy agradecido de formar parte de la serie. Ya era un gran admirador, un gran fan de Game of Thrones, y también de House of the Dragon, como espectador. Así que audicionar y estar aquí ahora, un año y medio después, es bastante surrealista y algo por lo que estoy muy agradecido. Y sí, creo que podría haber sido un poco intimidante, incluso aterrador, unirme a semejante legado, pero como todos fueron tan acogedores — recuerdo que todos fueron muy amables conmigo esos primeros días— me sentí como si me uniera a un equipo y a un grupo. Así que ha sido genial.

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Esta también es una serie sobre una familia y tu personaje parece representar el lado bueno de ella. ¿Crees que eso cambiará con el tiempo? ¿Qué es lo que más te identifica con él?

Interesante. Creo que su conexión con Tessarion (la dragona conocida como ‘La Reina Azul’) es la más pura. Con Tessarion puede ser él mismo sin reservas, sin ocultar ni disimular ninguna emoción ni intención. Es ahí cuando más me siento conectado con Daeron. Pero no sé, creo que su búsqueda de identidad se relaciona con mi propia experiencia. Tengo 17 años, casi 18, y estoy a punto de comenzar mi último año de bachillerato, así que siento que mi vida está a punto de experimentar un cambio bastante drástico. Ver cómo Daeron, al poder explorar cómo se ha visto inmerso en una situación diferente — aunque su situación sea más oscura que la que me espera en muchos sentidos — esa similitud es bastante interesante y divertida de analizar.

Antes de finalizar, ¿qué significa este personaje para tu carrera de cara a las próximas producciones?

Significa muchísimo porque, ya sabes, creo que todo esto tiene mucho que ver con la suerte, y tengo la gran suerte de contar con gente brillante a mi lado, como mis padres, Sarah Arrington, mi profesora de interpretación con la que he trabajado continuamente desde que empecé como actor. Todos los equipos... poder explorar un personaje como este e interactuar con gente como Jim Clay, Ryan Condal, los directores, gente de primer nivel en sus respectivos campos... simplemente experimentarlo, verlos trabajar, es realmente increíble. Y lo que significa para el futuro, la verdad es que no lo sé, pero me encanta, me encanta actuar, así que espero poder seguir haciéndolo.❖

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Una de las secciones más interesantes este año será ‘Latinoamérica - fuera de competencia’ con temas que difícilmente encuentran espacio en la cartelera comercial. Entre ellas están Ser Hamlet, la ópera prima de la directora teatral Chela De Ferrari, quien muestra lo que ha sido el viaje de su exitosa versión del clásico de Shakespeare con actores con síndrome de Down, y Belén, de Dolores Fonzi, basada en el caso que movilizó a Argentina. “Lamentablemente, nuestras películas no viajan mucho a la cartelera comercial, entonces nos queda el festival para verlas”, nos comenta el director artístico del festival, Josué Méndez.

Tras la conferencia de prensa en el Centro Cultural PUCP, hablamos con el cineasta y también director teatral.

En tiempos en que es más difícil producir cine en Perú, el festival aumentó los premios para las producciones nacionales. Es un 400%, ¿no?

Sí, este año realmente lo que ha habido es una voluntad de apostar por el cine peruano como en ninguna edición anterior. Entonces, hemos aumentado los premios en todas las áreas donde hay cine peruano e incluso donde no había antes premios, que fueron, por ejemplo, en el Mercado Lab, que era un espacio de proyectos. Este año por primera vez ya vamos a tener premios. Entonces, sí, la intención ha sido apostar todo por el cine peruano del futuro y del presente e incrementar los premios. Que haya más premios en efectivo y en servicios.

¿Lo han logrado con alianzas?

Absolutamente. Y ha sido gracias a la habilidad del equipo del Centro Cultural de concretar esas alianzas y unirnos con otros festivales. En el sentido de que las que están aquí o ganan algo están también en otros eventos internacionales como Málaga, DocsBarcelona y Chiledoc. Son alianzas que vamos formando para que esas películas que están en proceso puedan ir recorriendo ya eventos y se van fortaleciendo.

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Entonces, eso rompe el mito de que al público no le interesa el cine peruano.

En verdad, es algo que ha venido ocurriendo en los últimos años, ¿no? Ya desde hace unos años las primeras películas que se agotan (en el festival) son las peruanas. El premio del público en los últimos años siempre ha ido a Perú también, queda de local. Entonces, sí, ahí hay una expectativa muy grande por las películas peruanas. Funcionan con el público.

En cuanto al mercado internacional, este año tienen a las películas premiadas recientemente en Cannes. En 30 años del festival, ¿ya pueden decir que está consolidado como una vitrina internacional?

Sí, pero hasta hace unos años, era un sueño tener películas así. No venían porque una película que esté en Cannes, sus expectativas, pues estar en el siguiente festival grande, importante, ¿no? Y de pronto Lima se ha vuelto ese festival. Ha ganado un prestigio muy grande internacional. De tal manera de que, en Cannes, le dices a la gente de ventas que una película venga a Lima y dicen: “ya”. Es algo increíble que, directo de Cannes, la siguiente parada sea a Lima, es algo extraordinario, pero no es fácil conseguirlo. Creo que el festival se ha hecho de un nombre a nivel internacional y nos permite, mira, tener otra vez a la ganadora de Cannes, que es Fjord.

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El brasileño Kleber Mendonça vendrá a Lima en un año en que ha sido invitado y nominado en festivales del mundo. ¿Cómo resumes esa cercanía con Perú?

Bueno, digamos que una de las cosas lindas del festival es que a lo largo de los años también hemos creado un vínculo muy especial con los cineastas. En el caso de Kleber, todas sus películas no solo han estado en el festival, han ganado. Ha ganado en ficción y ha ganado en documental. Es decir, su vitrina está llena de Spondylus. Entonces, me gustaría pensar que tiene un agradecimiento muy grande por el público peruano que siempre lo ha acogido con mucho cariño y por eso se ha animado a aceptar el homenaje que le queremos hacer. Es algo muy especial porque estamos homenajeando a Kleber en el momento pico: ganó en Cannes como mejor director, fue nominado al Óscar. Está en el pico, digamos, de su carrera.

Coincido. Hay un gran respeto por él como cineasta y también por abordar temas importantes sobre la memoria de su país y pronunciarse, ¿no? El agente secreto está ambientada en la dictadura de Brasil.

Sí, es un cineasta muy político, con una postura política muy clara que le ha ganado no pocos enfrentamientos. Es un director clave del cine latinoamericano de todas las épocas, ¿no? Ya tiene una obra muy, muy sólida y, bueno, va a ser lindo volver a ver sus películas.

¿Te parece un acierto también homenajearlo en un momento en que los cineastas son perseguidos en varios países? Digamos, ¿eso muestra una postura del festival?

Definitivamente. Y en el espacio de encuentros tendremos también varias charlas y conversatorios sobre la situación que está pasando en Latinoamérica, en muchos países donde están peligrando todos los apoyos, los estímulos y una evaluación de, pues, qué es lo que hay que defender y qué hay que hacer para que sigamos haciendo cine como lo hemos venido haciendo estos años. Un cine peruano muy diverso que puede decir las cosas como son.

• Nuevas secciones. Cine y música, cine y gastronomía y Latinoamérica-fuera de competencia (pre-estrenos). El festival anunció funciones en Lima, Cusco e Iquitos.
• Más de 130 películas en programación. El festival va del 6 al 15 de agosto.

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El protagonista estaba en el mismo teatro. Jaime Cruz trabajaba atendiendo al público en La Plaza y un día le contó a la directora que su sueño era actuar. Ese fue el punto de partida. La versión libre de Hamlet, con actores con síndrome de Down, con música, multimedia, frases sobre ellos y la sociedad, ha logrado ser vista en 50 países. “Ha sido el proceso más interesante que hemos vivido”, nos dice De Ferrari. “Ha sido la obra que más ha viajado. Ya cerramos este año con cerca de 60 ciudades. Y eso nos ha dado, de alguna manera, un reconocimiento que inicialmente no tuvo en Perú”.

Siete años después del estreno, entrevistamos a la directora por su debut en el cine, precisamente, con esta historia. Ser Hamlet es una película sobre el proceso creativo de una obra que fue difícil de estrenar en Lima. “Había muchos prejuicios. Se pensaba que iba a ser una obra quizá infantil, para niños o muy ingenua. Y el público no se esperaba el montaje con el que se encontraba. El boca a boca fue muy bueno y empezó el público a aparecer. Además, que la Sociedad Peruana de Síndrome de Down y los padres también se movieron. Fue muy bonito ver en el público a una población que no solíamos ver”.

En la conferencia de 2019, Octavio Bernaza, como la mayoría del elenco, comentaba que hacer teatro era la oportunidad para demostrar que podían dedicarse a diferentes carreras y oficios. “Nos sentimos muy satisfechos de haber logrado ese objetivo”, nos comenta. “Recuerdo que me encantó hacer el casting para Hamlet y saqué a bailar a Chela. La saqué porque comencé a cantar una canción que me encantó de cumbia. Se impresionó demasiado (sonríe) porque, al momento de que terminé mi casting, yo no sabía nada de lo que estaba pasando hasta que a mi padre y mi madre les dijeron que ya estaba dentro de la obra”. La directora agrega que no era necesario tomarse tanto tiempo. “Hizo un monólogo estupendo”.

El resultado era incierto

De Ferrari dirige La Plaza. Cuando presentó la temporada 2026, dijo que las tablas tienen un compromiso, sobre todo, cuando existen discursos contra la diversidad y la equidad. “El teatro es un acto de resistencia”. Y después de una reconocida carrera, nos comenta lo trascendente que ha sido Hamlet a nivel personal. “Ha cambiado nuestras vidas. No solo la de los actores, la mía también. Me ha permitido crecer como directora”.

¿Qué viste en Octavio para que pudiera interpretar a Claudio?

Primero, él quería ser un villano (ríe).

Es un villano que puede parecer encantador, que nos recuerda a ciertos políticos. ¿Estaba inspirado en alguno?

Acertaste absolutamente. De hecho, en la película hay una escena donde Octavio está ensayando. Ensayábamos siempre de día, pero esta vez nos juntamos una noche y lo esperaba para la escena donde Claudio preparaba su discurso. Y le pregunté: “¿No quieres inspirarte en algún personaje?”. Y me dijo: “Por supuesto, Chela”. Agarró su celular y puso a Alan García.

Ser Hamlet se estrena en una nueva sección del festival dedicada a Latinoamérica. ¿Hubo un momento en que te diste cuenta de que estabas en un gran proyecto?

Ni por casualidad. Lo que sabía es que quería vivir la experiencia. Los especialistas me decían: “Chela, es posible que nunca lo puedas estrenar y vamos a ensayar durante un año”. Entonces, decía: “Bueno, que me sirvan esos comentarios no para renunciar al proyecto, sino para hacerlo más fuerte”. Sabía que la obra podía mostrar un resultado incierto y ahí es donde nace la idea. Antes de empezar el ensayo decidimos que también iba a ser una película. Y me encontré, de pronto, siendo una directora que solo había hecho teatro en su vida.

Viniendo del teatro, ¿qué priorizaste en la etapa de edición?

El mayor descubrimiento es lo que pasó en esa sala. Tenía 500 horas. ¿Cómo reducirlo? Primero vi las 500 horas completas e hice mi propio sistema: los corazones. Tres corazones: “Era ¡wow!, es un escenón”. Pero pasaron años de eso y una pandemia. Nuestra productora, Nuria Frigola, me aconsejó: “Si encuentras una perla, esa empieza a editar”. Elegí una que le llamamos ‘Manuel dice p...’, porque era la primera vez que le iba a decir eso a Gertrudis. Luego de editarla, dije: “Así fue”. Mi recuerdo se ajustaba más a esos cinco minutos profundamente editados que al material original. Fue un descubrimiento precioso, porque es a través de la memoria.

Antes de Hamlet estrenaste una versión de Mucho ruido por nada que incomodó a algunos. ¿Fue esa obra o La Cautiva la que marcó el antes y después de La Plaza?

Yo diría que La Cautiva. Bueno, de hecho, nos quisieron llevar presos (la obra está ambientada en Ayacucho y recuerda la violencia del Estado durante el conflicto armado interno). Aunque Mucho ruido por nada es una obra que amo, fue La Cautiva la que marcó un antes y un después.

En ese sentido, ¿qué te ha dejado como experiencia artística una obra como Hamlet?

Mi propósito era profundamente artístico. Lo que quería ver en el escenario eran otros rostros, otras maneras de decir. Hacer que aquello que consideramos un “defecto” o un “problema”, puede ser una oportunidad de encontrar belleza, por ejemplo, en una tartamudez pronunciada. Eso que haría que un actor sea rechazado de un casting convencional, aquí encontrábamos interés, abrazábamos las diferencias. Cuando Octavio se para sobre la silla en medio del público y dice un monólogo, ese momento en que le cuesta encontrar la palabra, es profundamente teatral, muy humano. Me emociona ver belleza donde no solemos verla y que eso tenga una consecuencia social.

El elenco ensaya Noche de reyes y ya vio Ser Hamlet en la casa de la directora. “Estoy con un nudo en la garganta de estar tan emocionado de poder estar en el cine”, nos comenta Octavio. Se va a casar pronto y espera que su familia vaya al estreno. “Mis padres van a poder verlo, no sé cómo lo van a tomar, pero yo, en realidad, después de ver la película, se me van a caer las lágrimas. Es algo fantástico. Es la primera vez que voy a verme yo mismo ahí, en el cine”.

• Producción: En la edición estuvo Nicolé H. Céspedes, quien trabajó en Canción sin nombre y el director de fotografía fue Mathew Orzel, del documental El choque de dos mundos.
• Elenco. Actúan Bernaza, Jaime Cruz, Lucas Demarchi, Manuel García, Diana Gutiérrez, Cristina León Barandiarán (neurodivergente), Ximena Rodríguez y Álvaro Toledo.

El capítulo 8 será, además, el cierre de una entrega que ha llevado a sus principales personajes hacia un punto decisivo. Mientras Rhaenyra intenta conservar su posición, Aegon II (Tom Glynn-Carney) vuelve a encontrarse con Sunfyre, su dragón, y Aemond (Ewan Mitchell) queda expuesto a las consecuencias de las maniobras de su madre. La inminente Primera Batalla de Tumbleton se perfila como uno de los acontecimientos centrales del desenlace.

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Fecha de estreno de 'La casa del dragón' temporada 3 capítulo 8

El octavo y último episodio de 'La casa del dragón' temporada 3 se estrenará el domingo 9 de agosto de 2026. El lanzamiento estará disponible mediante HBO y HBO Max, plataforma que concentra el catálogo de la producción derivada de Game of Thrones.

El episodio final fue dirigido por Andrij Parekh y cuenta con un guion de Ryan Condal y Ti Mikkel. De acuerdo con la información proporcionada, tendrá una duración de 75 minutos, es decir, una hora y 15 minutos.

La historia retoma los acontecimientos posteriores a The Dragon in Winter. En ese capítulo, Rhaenyra buscó respuestas de Helaena Targaryen (Phia Saban) para intentar despejar sus dudas sobre su permanencia en el Trono de Hierro. La conversación no ofrece la certeza que esperaba la reina y la situación empeora cuando descubre la identidad de quien monta a Sheepstealer.

Rhaena resulta ser la verdadera jinete del dragón relacionado con la muerte del primogénito de Rhaenyra. El encuentro entre ambas desencadena un enfrentamiento entre dragones que termina con Syrax herida. Rhaenyra abandona el lugar junto a Rhaena, mientras Daemon intenta hacerse cargo de Sheepstealer, aunque el dragón consigue escapar.

En el otro frente del conflicto, Alicent consigue acercarse nuevamente a Aemond y ganarse su confianza. El príncipe ignora las advertencias de Alys (Gayle Rankin) y termina siendo envenenado. Por su parte, Aegon II se enfrenta al ejército del Pez Rojo y descubre que Sunfyre continúa con vida. El reencuentro con su dragón desemboca en un momento decisivo cuando Aegon ordena Dracarys, una acción que también aparece vinculada con una de las visiones de Helaena.

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¿A qué hora se estrena House of the Dragon season 3?

El episodio 8 de House of the Dragon llegará a HBO Max y HBO a las 9.00 p. m., hora del Este de Estados Unidos (ET), durante el domingo 9 de agosto. La emisión tendrá diferentes horarios según el país desde el que se siga el capítulo.

Estos son los horarios indicados para el estreno de 'La casa del dragón' temporada 3 capítulo 8:

• Estados Unidos: 6.00 p. m. (PT) / 9.00 p. m. (ET), domingo 9 de agosto.
• México, Guatemala, Honduras, El Salvador, Nicaragua y Costa Rica: 7.00 p. m., domingo 9 de agosto.
• Perú, Colombia, Panamá y Ecuador: 8.00 p. m., domingo 9 de agosto.
• Chile, Venezuela, Bolivia, República Dominicana y Puerto Rico: 9.00 p. m., domingo 9 de agosto.
• Paraguay, Argentina, Uruguay y Brasil: 10.00 p. m., domingo 9 de agosto.
• España: 2.00 a. m. del lunes 10 de agosto.

Para ver el gran final de House of the Dragon, será necesario contar con una suscripción activa a HBO Max, debido a que la serie forma parte del catálogo exclusivo de la plataforma y de la señal de HBO.