“Lo que siento es que las sociedades de hoy están fracturadas, radicalizadas. Y esta película también es un compromiso contra cualquier forma de integrismo”, dijo el director al recibir la Palma de Oro de manos de Tilda Swinton. “Es un mensaje a favor de la tolerancia, de la inclusión, de la empatía. Son términos magníficos que todos apreciamos, pero hay que aplicarlos más a menudo”.

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Fjord está basada en un caso real y cuestiona las contradicciones de la sociedad noruega que, a pesar de ser un modelo en varios aspectos, es estricta con los que van en contra de lo establecido. “Crecí bajo un régimen que creía saber mejor que los ciudadanos lo que necesitábamos”, declaró Mungiu a la AFP en Cannes. “Pensábamos que eso había terminado con la caída del comunismo y hoy descubrimos que puede volver a ocurrir, incluso con las mejores intenciones, en sociedades democráticas”. El cineasta ganó su primera Palma de Oro en 2007 con 4 meses, 3 semanas y 2 días.

De otro lado, Cannes 2026 ha sido histórico por el empate en la categoría de mejor dirección, mejor actor y en la categoría mejor actriz. Mientras los actores Valentin Campagne y Emmanuel Macchia convencieron al jurado con la película Coward, Virginie Efira y la actriz japonesa Tao Okamoto compartieron el premio a mejor actriz por sus interpretaciones en All of a Sudden de Ryusuke Hamaguchi. “Ryusuke nos hizo vivir una aventura... no, una aventura es una palabra demasiado pequeña; fue una experiencia de vida que quedará grabada para siempre”, dijo Efira, quien aprendió japonés para interpretar a la directora de una residencia de ancianos”.

“El cine no va a desaparecer”

Además de ser la encargada de entregar la Palma de Oro 2026, la célebre Tilda Swinton participó en un conversatorio y habló de su carrera y de los retos en el cine, un arte que, según sus palabras, ni la inteligencia artificial podrá desaparecer. “Hay que probar que podemos ser mejores que la IA y eso no es difícil. Solo tenemos que proponérnoslo”.

Por ello, recordó la crisis en la pandemia con las salas de cine cerradas y producciones canceladas o postergadas a nivel mundial. “Volví a leer la autobiografía de Michael Powell, uno de mis grandes maestros. Él nació prácticamente al mismo tiempo que el cine y creció con el auge del cine mudo(...). Contaba que cuando llegó el sonido, todo se detuvo y entró en una crisis absoluta. Y luego, por supuesto, llegó el color, y pasó lo mismo. Después llegó la televisión, luego el video, los DVD y ahora las plataformas de streaming. No pasa nada. El cine no va a desaparecer. Es un medio muy elástico, robusto y entregado a la evolución porque –y esta es una afirmación radical hoy en día– es un negocio humano. Los seres humanos hacen cine, ¿verdad? Y los humanos somos moldeables, elásticos y evolucionamos constantemente. Por lo tanto, el cine está a salvo”.

• Gran premio: Andrey Zvyagintsev por Minotaur.
• Mejor director: Javier Calva y Javier Ambrossi por La bola negra y Pawel Pawlikowski por Fatherland.
• Mejor guion: . Emmanuel Marre por Notre Salut.
• Premio especial del jurado: Valeska Grisebach por L’Aventure rêvée.

Uno de los últimos logros de Jarmusch es el siguiente: en el marco del Festival de Cine de Venecia, obtuvo el León de Oro 2025 por su película 'Father, Mother, Sister, Brother'. Si tuviera que recomendar algunas de sus obras, apuntaría a la ya mencionada 'Stranger than Paradise' (premio del jurado en el Festival de Sundance de 1984), 'Mystery Train' (1989) y 'Dead Man' (1995).

Jarmusch también ha participado en películas como actor. Al respecto, sugiero la regular 'Blue in the Face' (1995), del dúo Wayne Wang y Paul Auster. Esta película fue una pésima secuela de esa maravilla llamada 'Smoke' (también de 1995), de Wang. En ella, Wang y Auster solo se abocaron a lo que mejor sabían hacer: uno en la dirección y el otro en el guion. Lo mejor de 'Blue in the Face' es la actuación de Jim Jarmusch, quien da vida a un tipo llamado Bob, un hombre que tiene toda la pinta de ver pasar la vida desde una esquina de Brooklyn. Bob, en un arranque de voluntad, se dirige a la tienda de Auggie Wren (Harvey Keitel) y le dice que dejará de fumar de una vez por todas y que ante él fumará su último cigarrito. Auggie se siente honrado e incrédulo por lo que le confiesa Bob (¿cuántos de los que viven adheridos a un cigarro han estado en una situación parecida a la de él?, se pregunta Auggie). Es una escena de antología. (Por cierto, en 'Blue in the Face' también aparecen Madonna, Lou Reed —quien se manda toda una declaración de amor por Nueva York—, Michael J. Fox, entre otros ilustres).

'Coffee and Cigarettes' es, a todas luces, el proyecto más personal de Jarmusch. Este es un proyecto trabajado a lo largo de más de 15 años, el cual se inició en 1986 con un corto de seis minutos, 'Strange to Meet You', que tuvo como actores a Roberto Benigni ('La vida es bella', de 1997) y Steven Wright; en 1989 continuó con 'Menphis Version' —aunque luego lo cambió por 'Twins'— con el gran Steve Buscemi; en 1993 recibió la Palma de Oro del Festival de Cannes al mejor cortometraje por 'Somewhere in California', con las actuaciones de, agárrense, Iggy Pop y Tom Waits. En 2003, Jarmusch decidió reunir todos los cortos, 11 en total, bajo el título de 'Coffee and Cigarettes', o 'Café y cigarrillos'. Con esta película, Jarmusch celebra la cotidianidad mediante una taza de café y cajetillas de cigarros.

De todos los cortometrajes, me quedo con el noveno, 'Cousins' (primos), protagonizado por los británicos Alfred Molina y Steve Coogan (el protagonista de '24 Hour Party People' (2002), de Michael Winterbottom). En ese corto, ambos actores se encuentran en un café. Molina ha citado a Coogan, quien llega tarde. Coogan está en la cúspide de la fama a razón de '24 Hour'... Su actitud es la de un sobrado. Molina le dice que ha descubierto que son primos y que le gustaría conocerse más. Quizá en un viaje juntos. “¿Eres gay?”, le pregunta Coogan. “No”, le responde Molina. La conversación está pautada por silencios incómodos. Coogan siente que en ese momento podría estar reunido con otras estrellas. Entonces, Molina recibe una llamada. “Hola, Spike. Claro, hay que mantener nuestra integridad artística...”. “¿Has estado hablando con Spike Lee?”, pregunta Coogan. “No”, le responde Molina. (Claro, qué vas a estar hablando con Spike Lee). Con quien hablaba era con Spike Jones, le dice Molina. “¿Spike Jonze? Amo el cine de Spike Jonze”, precisa Coogan, quien queda como un lobista de alto vuelo luego de menospreciar a Molina.

Todos los cortos de 'Coffee and Cigarettes' son protagonizados por estrellas del cine y de la música en sus propios roles. Actuaron para Jarmusch, ojo aquí, por el prestigio que significa ser dirigidos por él. No es un director fácil de ver. Pero hay que verlo por amor al cine. 'Coffee and Cigarettes' resulta ideal para ingresar a su poética.

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“Esta historia de terror nace en los campamentos, en lo que se cuenta alrededor de la fogata. Entonces, Javi (Velásquez, el director) fue más allá de la leyenda y escribió la novela”, nos comenta la actriz sobre La niña del azúcar. “El protagonista era un hombre, pero decidieron ‘castear’ a mujeres y me escogieron”. La coproducción tiene en el elenco a Fernando Bacilio, Teddy Guzmán y al recordado Óscar Carrillo.

Teddy Guzmán dijo que el guion la convenció por los temas que abordaba. ¿Cómo fue en tu caso?

Cuando leí el guion me parecía entre una película de terror y una historia de detective increíble, ¿no? O sea, creo que es una reinvención del género dentro de AVF (la productora) que ha logrado conectar con el público. Si pensaban que verían solo una película donde iba a aparecer una niña que los iba a asustar, se llevaron  una historia más grande. El recibimiento del público ha sido muy bonito.

El llamado cine comercial peruano no ha tenido muchas películas que convenzan a la crítica y es cierto que varias producciones están muy lejos de ello por su calidad. En ese sentido, ¿qué crees que ha logrado La niña?

Creo que es de las pocas de su género, por no decir la primera, en gustarle al público y gustarle a la crítica. Un día pasé por el Cinerama, que está frente al (Parque) Kennedy, para fijarme cuántas funciones había y vi a un señor que estaba mirando el tráiler y me dice: ‘yo soy crítico de cine y vengo porque he escuchado buenos comentarios’. Que una película logre gustar a ambos es bien complejo y eso es lo estamos logrando.

Es decir, ¿piensas que el cine siempre deber abordar lo que sucede en el entorno?

Completamente. Javi, el director, dijo que la película es un pretexto para seguir hablando de temas sociales que suceden en nuestra selva. Entonces, puedes hablar de un tema social a través de una comedia, y en este caso, a través de un género de terror policial. No por ello dejas de dar una crítica o una reflexión. Siempre se puede. Porque finalmente el género de terror nace de una crítica social, de una denuncia hacia algo que sucede y que la sociedad ignora.

Hablando de nuestra sociedad, este Congreso se despide, pero acaba de crear el Colegio de Artistas sin reunir al sector. ¿A qué crees que se debe esta propuesta?

Este es un Congreso y un gobierno que más se ha preocupado por el qué dirán y no por el hacer, definitivamente. Están haciendo un Colegio de Artistas, gracias, pero eso lo decidimos nosotros, ¿no? Nos lo tienen que consultar. Creo que hay otros rubros que los necesitan con mucha mayor urgencia, como la ley de educación sexual y protección a las niñas y adolescentes que quedan embarazadas. Nosotros, los actores, todos tenemos el derecho de dar nuestra opinión. No sé cuántos partidos no han vuelto a ser elegidos para el Congreso y ahora no saben de dónde más agarrar para llevarse su cuota, ¿no? Para sobrevivir, porque se van a quedar sin trabajo.

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Tú hiciste una carrera universitaria, pero algunos de tus colegas creen que la creación de un colegio sería excluyente y podría buscar censurarlos. ¿Coincides con eso?

Sí, creo que (los congresistas) han pretendido transformar el arte, ¿no? Censurarlo, controlarlo, no se puede, porque el arte es la voz del pueblo. El público no es tonto, pero yo creo que hay muchos políticos que subestiman al público. Creen que mientras no le den tanta importancia a la educación, la gente va a mantenerse ahí. Podrán hacer colegios y leyes, pero el arte va a sobrevivir, porque como decía Manuela Sáenz en la serie El Último Bastión, el artista recoge el sentir del pueblo, lo transforma en una historia y lo cuenta. En La niña se habla de extorsión, de persecución y de mafias. No todo lo hace un gran plan de marketing, hay cosas que se descubren viendo una película.

Desde el teatro también han hablado de la coyuntura y en los últimos años se ha hecho común llamarlos ‘caviares’ para desacreditarlos.

(Sonríe) Pero seguimos y seguimos haciendo cine y teatro. Es que ya no sé si eso nos hace mal o nos hace bien, ¿por qué? Porque nos están haciendo publicidad, y tú sabes que lo peor que puede pasar es que nos ignoren, y por lo menos ignorados en este gobierno no hemos sido. Nos han dado vitrina; bueno, sigan así.

En esta película te toca ser una policía que lidera una investigación en un ‘mundo’ de hombres. Hay varios temas que entrecruzan con lo que debería ser ideal en un país cuando no hay una cultura machista, ¿no?

Qué bueno que lo menciones porque nadie refuta el hecho de que toda esta investigación es llevada por una mujer y ella todo el tiempo está trabajando en conjunto. Entonces, ese es el camino, ¿no? Que pueda ser totalmente natural ver a alguien en un puesto de poder; puede ser hombre, puede ser mujer. Lo importante, más allá del género de quien ocupa un cargo de poder, es que haga un buen trabajo. Y también pues, que quienes lleguen al poder no dejen mal a nuestro género.

Te refieres a la expresidenta.

Como ella: ocupan un puesto de poder y lo usan para cosas que uno mismo critica como mujer, pero ahí están, ‘pensando en mi cabello, mi cuerpo y mis joyas’. En general, a los hombres y a las mujeres no se nos enseña que si ocupas un cargo, ya es trabajo y para eso estamos, para trabajar y no es tan difícil. Por eso en la película se ve la corrupción en la policía y cómo, a pesar de eso, mi personaje sigue haciendo su trabajo.

• Talento extranjero. El actor español Marc Clotet y a los actores argentinos Pepe Monje y María Jesús Rentería.

Si bien la cinta fue concebida como una historia que puede disfrutarse sin haber seguido previamente la serie en Disney+, Favreau reconoció en una entrevista con Entertainment Weekly que ya piensa en el futuro narrativo del cazarrecompensas mandaloriano y su joven aprendiz, lo que alimenta las expectativas sobre una eventual secuela.

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¿Qué dijo el director de 'The Mandalorian & Grogu' sobre una secuela?

Aunque evitó confirmar planes concretos, Jon Favreau dejó claro que sigue imaginando el futuro de los protagonistas de 'The Mandalorian & Grogu'. El realizador explicó que suele pensar las historias del universo Star Wars como un espacio en constante crecimiento, donde cada personaje puede abrir nuevas posibilidades narrativas.

“Pienso en ello creativamente, y para mí es como un jardín o un invernadero con todas las diferentes historias y personajes”, comentó. “Veo oportunidades en todos ellos, porque estas historias han cobrado vida propia, y me gusta la progresión de estos personajes, y me gusta pensar hacia adelante en cuál es el siguiente paso para ambos”.

Favreau también sugirió que el camino de Mando y Grogu aún tiene mucho por explorar, al describir su evolución como un territorio abierto para futuras historias. Sin embargo, remarcó que la visión global del rumbo de la franquicia está en manos de Dave Filoni, quien lidera el desarrollo narrativo de la saga.

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¿De qué trata la película 'The Mandalorian & Grogu'?

'The Mandalorian & Grogu' sitúa su historia en una galaxia marcada por la caída del Imperio, en un periodo donde distintos remanentes imperiales y señores de la guerra aún intentan mantener influencia, mientras la Nueva República busca imponer el orden. En ese escenario, Din Djarin y Grogu son convocados para asumir una nueva misión vinculada con la protección del legado que dejó la Rebelión.

La trama lleva al dúo a rastrear a Rotta el Hutt, heredero de una poderosa familia criminal, con el objetivo de devolverlo a los suyos. Sin embargo, el rumbo de la historia cambia cuando ambos optan por liberarlo, una decisión que termina alterando el destino de Mando y desatando nuevas consecuencias a lo largo de su travesía.

'La banda Baader Meinhof' tuvo mucho éxito en taquilla y llegó a ser nominada a mejor película extranjera en los premios Oscar de 2009. Al final, ese galardón se lo llevó la japonesa 'Departures', de Yojiro Takita. No pocos especialistas señalan que una de las razones por las que no ganó el trabajo de Edel obedeció a que la Academia prefirió proyectos con temáticas más emocionales y universales, como la reconciliación.

Se trata de un trabajo de ficción con voluntad de crónica. La historia empieza con la escritora y periodista Ulrike Meinhoff (Martina Gedeck), quien pasa una tarde familiar en una playa nudista. Para Ulrike, casada y con dos hijos, su círculo está desconectado de lo que sucede en el mundo. Ella es una intelectual rebelde que escribe en la revista de izquierda Konkret y desde esa trinchera critica la guerra de Vietnam, el abuso contra el pueblo palestino y la obsesión crematística de las grandes potencias. Es 1967 y a Alemania ha llegado en visita oficial el Sha de Irán, Mohammad Reza Pahlavi, y su esposa. Este arribo no pasa desapercibido para Ulrike, quien escribe un artículo furibundo sobre la esposa del Sha. A razón de esta visita, se refuerzan las protestas del estudiantado contra las políticas del gobierno. No solo participan de la represión las fuerzas del orden, sino igualmente jóvenes de ultraderecha. Esa confrontación dejó muertos, heridos y procesados. Cuando Ulrike se dirige a cubrir los juicios que condenarían a los líderes de los revoltosos, conoce al cabecilla Andreas Baader (Moritz Bleibtreu). Ulrike abandona a su esposo (a razón de una infidelidad) y a sus dos hijas. Para ella, había una razón superior: no quería ser una rebelde de escritorio, había que cambiar el mundo, había que pasar a la acción.

Para Uli Edel, quien fue testigo de las protestas juveniles y del auge de la banda, llamada también Fracción del Ejército Rojo, esta es la mayor tragedia que le pudo pasar a la Alemania de la posguerra. Su trabajo es visualmente impecable y se adecúa al espíritu del libro de Aust; es decir, solo representa y, en esa dinámica, no juzga. Con la representación misma ya hay una crítica implícita a lo que supuso esta organización, que recogió el espíritu insatisfecho de una parte de la juventud alemana que no quería ser dominada por el fascismo.

En La banda Baader Meinhof hay mucho rock, sexo, drogas y desenfreno. Uli Edel la rompe con un ritmo que hace que sus dos horas y media no se sientan. Tenemos, se deduce, la actitud de los rebeldes; pero del mismo modo el lado de las autoridades, que recayó en Horst Herold (genial Bruno Ganz), presidente de la Oficina Federal de Investigación Criminal, quien fue el encargado de perseguir, desarticular y capturar a los líderes de la banda. Su discurso sobre el orden no solo contrasta con el de los rebeldes, sino que asimismo es más aterrizado en la realidad. Del encuentro de ambas posturas, se origina una pregunta que atraviesa toda la película: ¿qué tuvo que pasar en Alemania, en el lado supuestamente próspero, para tener un grupo de jóvenes que dejó con sus atentados más de 30 muertos?

La banda Baader Meinhof se enfoca en el periodo 1967-1977 (terminó por desaparecer definitivamente en 1998) y desarrolla la dinámica de Andreas Baader y Ulrike Meinhof (de ahí el nombre Baader Meinhof). Baader era el más impetuoso y se relacionó con no pocas agrupaciones armadas del mundo. Por su lado, Ulrike no soportó la prisión y terminó suicidándose en 1976.

Andreas Baader y otros adherentes se hallaban en prisión en 1977. Herold había cumplido su tarea. Baader ideó una última estrategia para exigir su liberación. Sus adherentes en libertad secuestraron un avión, el vuelo 181 de Lufthansa. Pidieron la liberación de Baader y compañía. Las negociaciones fracasaron. Baader y sus seguidores acordaron suicidarse. Lo hicieron en la prisión de alta seguridad de Stammheim, en Stuttgart. Ese suceso es conocido como la 'Noche de la muerte de Stammheim'. ¿Cómo lo hicieron en un centro catalogado como uno de los más seguros de Alemania? Ese es un misterio que sigue hasta hoy. Esta película de Edel es, de acuerdo con los historiadores, una representación histórica muy fidedigna. Puede verse en plataformas y circuitos alternativos, que en Lima aún existen.

La producción británica, basada en la exitosa saga literaria de Holly Jackson, continuará expandiendo el universo criminal presentado en los primeros episodios. Esta vez, la trama tomará como referencia el libro 'Good Girl, Bad Blood', donde la protagonista interpretada por Emma Myers deberá enfrentarse a un nuevo caso mientras intenta dejar atrás los hechos que cambiaron su vida tras resolver el asesinato de Andie Bell.

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'Asesinato para principiantes' 2: ¿cuándo sale la segunda temporada de la serie?

Netflix confirmó que 'Asesinato para principiantes' 2 llegará oficialmente a la plataforma el miércoles 27 de mayo de 2026. Al igual que ocurrió con la primera temporada, todos los capítulos estarán disponibles desde el día del estreno, por lo que los espectadores podrán ver la historia completa en formato maratón.

La nueva entrega contará con seis episodios y cada uno tendrá una duración aproximada de entre 45 y 50 minutos. La serie busca consolidarse como una de las producciones juveniles de suspenso más populares del catálogo de Netflix, especialmente entre los seguidores de dramas criminales y adaptaciones literarias.

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Reparto principal de 'Asesinato para principiantes' 2

El reparto de 'Asesinato para principiantes' temporada 2 mantiene a varios rostros de la primera entrega y suma nuevos personajes clave para el desarrollo de la investigación.

Estos son los actores y personajes confirmados:

• Emma Myers como Pip Fitz-Amobi
• Zain Iqbal como Ravi Singh
• Asha Banks como Cara Ward
• Jude Morgan-Collie como Connor Reynolds
• Yali Topol Margalith como Lauren Gibson
• Henry Ashton como Max Hastings
• Eden H. Davies como Jamie Reynolds
• Jack Rowan como Charlie Green
• Misia Butler como Stanley Forbes
• Freddie Thorp como Luke Eaton
• Anna Brindle como Flora Green
• Peter Sullivan como Christopher Epps
• Lu Corfield como Joanna Reynolds
• Freddie England como Robin Hastings

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'Asesinato para principiantes' temporada 2 sinopsis

La trama de 'Asesinato para principiantes' temporada 2 comienza después de que Pip logra resolver el caso de Andie Bell, investigación que transformó por completo su vida personal y la relación con su entorno. Aunque la joven intenta mantenerse alejada de nuevos peligros, el pasado vuelve a alcanzarla cuando ocurre una misteriosa desaparición.

Todo cambia cuando Jamie Reynolds, hermano de Connor, desaparece días antes del inicio del juicio contra Max Hastings. La situación provoca alarma en la comunidad y empuja otra vez a Pip a involucrarse en una compleja investigación repleta de pistas contradictorias, amenazas y secretos ocultos.

Mientras intenta descubrir qué ocurrió con Jamie, la protagonista deberá lidiar con las secuelas psicológicas de su caso anterior, además de enfrentar la presión social y el temor de que alguien quiera silenciarla. Con este nuevo misterio, Netflix apuesta por una segunda temporada más intensa y emocional, y profundiza en las consecuencias que dejó el crimen original dentro del pueblo.

Después de Dolor y gloria (2019), esta película también es una historia personal del artista manchego, pero esta vez el guion se acerca más y narra dos autoficciones: presenta a una directora Elsa (Bárbara Lennie) y al guionista Raúl (Leonardo Sbaraglia), quien tiene la tarea de escribir sobre la vida de la cineasta.  En declaraciones enviadas por Warner Bros. a La República, el actor argentino comenta que a diferencia de la anterior película tenía ahora más exigencia y “más responsabilidad” por acercarse a la búsqueda del director.

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 “La diferencia tuvo que ver con que la responsabilidad era mucho mayor. Quizás aquella vez era un personaje que yo lo tenía más cerca, no sé, había colores que, desde cierta ternura, de cierto candor, de cierta cosa que naturalmente, quizás ya se lo estaba dando”, comenta sobre la película protagonizada por Antonio Banderas y que fue nominada a dos premios Óscar en 2020. “En cambio, en este caso, con Raúl, había que encontrar, como dice Pedro, un retrato diferente, un retrato no amable del mismo, un retrato escurridizo”.

En una entrevista con Deadline, a propósito del estreno en Cannes que tuvo en las butacas a Juliette Binoche, Pedro Almodóvar reveló que Amarga Navidad terminó siendo tan personal que lo sorprendió. “Suena un poco paranormal, pero realmente siento que algo más se apodera de mí durante el proceso de escritura, y llega un punto en el que es la historia la que dicta lo que sucede. Yo mismo me sorprendí con el final cuando llegué al final de la historia. En realidad, esta es la adaptación de un cuento que escribí hace muchos, muchos años, que contaba la historia de Elsa con su novio, el bombero/stripper, y su amiga Patricia (Victoria Luengo), y el viaje que hacen a Lanzarote. Fue una completa sorpresa para mí que Mónica, el personaje que aparece en la última media hora de la película, sea quien desafía al autor. Ella no formaba parte de la historia anteriormente. Ella vino a mí”.

Almodóvar es un artista que ha defendido la libertad creativa y su cine ha visibilizado a las minorías. También sus películas han abordado temas complejos como la eutanasia en La habitación de al lado. En Cannes 2026, sostuvo que el artista tiene un deber moral.

“Sin querer juzgar a nadie, creo que el artista debe hablar de la situación que vive la sociedad. El silencio y el miedo —porque claramente se trata de una expresión de miedo— son una muy mala señal; son una señal de la erosión de la democracia”, dijo en la rueda de prensa. “Como europeos, estamos también obligados a convertirnos en una especie de escudo contra monstruos como Trump, Netanyahu o el ruso. Estamos obligados porque aquí si obedecemos las leyes internacionales”.

En la piel del alter ego

Después de interpretar a la expareja del protagonista de Dolor y gloria, Leonardo Sbaraglia fue ovacionado tras la proyección de Amarga Navidad en Cannes. “Había que ir encontrándolo y era mucha más la responsabilidad de ir encontrando a ese personaje porque, al ser un alter ego tampoco es que estaba muy retratado en lo conceptual, porque no tiene escenas donde, de alguna, se ve o se expresa lo que le está pasando, sino que se expresa desde un lugar muy conceptual, se expresa desde la palabra, desde cierto relato”.

El guion había sido escrito por Almodóvar durante cuatro años, mientras continuaba desarrollando otras películas. En este cruce de la realidad y la ficción, Raúl, el personaje de Sbaraglia, continúa escribiendo la historia inspirándose en personas reales. Está la asistente Mónica, interpretada por Aitana Sánchez-Gijón, una suerte de antagonista de la propia vida de Almodóvar. “Es un reflejo de las formas en que me cuestiono a mí mismo. Siempre estoy muy atento y receloso de no caer en la complacencia”, ha dicho el español a Deadline.

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Para Sbaraglia, Raúl fue un alter ego que tuvo que construirse a partir de los detalles. “Pero insisto, estaba como muy puesto en el relato; entonces, era realmente difícil ir contándolo, pero tuvimos la suerte de tener muchísimos ensayos, muchísimo trabajo codo a codo con Pedro, de mucha precisión. Es un director que busca, casi como un cirujano, el trabajo sobre el actor o sobre la actriz. Entonces, no es fácil para nada porque tienes que ir encontrando la organicidad en esa especie de precisión, y ese fue, creo, que el trabajo más difícil”.

Pedro Almodóvar ha comentado que esta película ha sido una experiencia liberadora y divertida como parte de un proceso de autocrítica. Para el argentino, volver a trabajar con él sigue siendo un salto creativo que define como impresionante.

“Trabajar así, como cuando uno le toca trabajar con grandes directores, como el caso de Pedro, como el caso de otros grandes directores con los que me ha tocado trabajar, creo que el máximo desafío y la originalidad siempre tienen que ver con subirte a algo de esa especie, de esa impronta, de esa paleta. Subirte a algo de esa especie de micromundo que estos grandes directores construyen, y esa precisión también implica una renuncia de algo más personal. Es como que tener que convertirte, tener que llevar todo tu cuerpo y todo tu lugar a un lugar que le pertenece a otro. Y eso es el mayor trabajo, ¿no? Como algo de la propia renuncia para poder hundirte y plegarte y mimetizarte con un mundo que es completamente nuevo”.

“Es una comedia hermosa, pero además tiene muchas capas. Es una comedia donde te vas a vacilar, te vas a reír, la puedes ver en familia, vas a tirar tu lagrimita, te vas a conmover y también vas a poder aperturar conversaciones importantes, así que vengan a verla. Queremos que amen a Amanda, que entiendan a Amanda y que eso los los lleve a poder conversar ciertos temas que a veces dan un poco de miedo”, declaró Gianella Neyra para La República.

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El desafío de interpretar a Amanda

Para Gianella Neyra, dar vida a Amanda significó uno de los retos más exigentes de su carrera. “Creo que lo más desafiante ha sido construir ese arco emocional de este momento de crisis bien particular del personaje. Además, las películas las hacemos por partes. A veces hasta una misma escena se hacen en tres o cuatro días. Entonces, poder lograr tener ese arco bien trazadito y poder contar el antes y el después de cada uno de esos momentos y poder mantener como la coherencia ha sido muy demandante, desafiante, pero muy divertido”, reflexiona la actriz sobre su papel protagónico.

Al ser consultada sobre si hay alguna característica de Amanda con la que se sienta identificada, la novia de Cristian Rivero expresó: “Creo que todos tenemos un pedacito, creo que las emociones son de todos. Cada uno lo maneja a su manera. Creo que podría identificarme mucho cuando era más chica, 17, 18 o 20 años. La vida es como más blanco y negro cuando uno es adolescente, cuando tienes tus primeros años de juventud y eres más radical”.

Trama de 'Amando a Amanda'

La historia sigue a Amanda (Neyra), una mujer muy pelicular, radiante e impredecible, que luego de una ruptura con Fernando (Ciccia) intentará empezar de nuevo. Entre errores, momentos inesperados y hasta un nuevo amor, buscará darse una segunda oportunidad, pero a ella misma.