El lanzamiento marca el regreso de la franquicia a la pantalla grande luego de casi una década de ausencia. La última película de la saga, 'La era del hielo: Choque de mundos', se estrenó en 2016, mientras que la aventura original debutó en 2002 y se convirtió en un fenómeno del cine animado.

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¿Cuál es la fecha de estreno de La era del hielo 6?

La espera para volver a ver a Manny, Sid, Diego y el resto de la manada ya tiene fecha marcada en el calendario. Disney confirmó que 'La era del hielo: Mundo de lava' se estrenará en los cines de Latinoamérica el 4 de febrero del 2027, por lo que los seguidores de la franquicia aún deberán aguardar algunos meses para disfrutar de esta nueva aventura en la pantalla grande.

La película tendrá un lanzamiento exclusivo en salas de cine, incluidas las de Perú, donde buscará conquistar tanto a quienes crecieron con la saga como a las nuevas generaciones de espectadores.

Mientras llega el estreno, los fans pueden ponerse al día con la historia y recordar los momentos más emblemáticos de la franquicia al ver las entregas anteriores disponibles en Disney+.

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¿Qué se ve en el tráiler de La era del hielo 6?

El primer avance de 'La era del hielo: Mundo de lava' ofrece un vistazo a la nueva aventura que reunirá nuevamente a los personajes más emblemáticos de la franquicia. Manny, Sid, Diego, Ellie, Buck y el siempre impredecible Scrat vuelven a compartir protagonismo en una historia que promete acción, humor y escenarios nunca antes explorados.

Las imágenes muestran cómo una inesperada actividad volcánica obliga a la manada a abandonar su hogar y emprender un peligroso viaje. En el camino, deberán enfrentarse a múltiples desafíos mientras recorren zonas desconocidas habitadas por criaturas prehistóricas y sorprendentes paisajes ocultos dentro del llamado Mundo Perdido.

Aunque Disney aún no ha revelado todos los detalles de la trama, el adelanto deja entrever que la lava será uno de los elementos clave de la película. Además, mantiene el estilo de comedia y aventura que convirtió a La era del hielo en una de las sagas animadas más exitosas y queridas por el público a nivel mundial.

Después de Dolor y gloria (2019), esta película también es una historia personal del artista manchego, pero esta vez el guion se acerca más y narra dos autoficciones: presenta a una directora Elsa (Bárbara Lennie) y al guionista Raúl (Leonardo Sbaraglia), quien tiene la tarea de escribir sobre la vida de la cineasta.  En declaraciones enviadas por Warner Bros. a La República, el actor argentino comenta que a diferencia de la anterior película tenía ahora más exigencia y “más responsabilidad” por acercarse a la búsqueda del director.

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 “La diferencia tuvo que ver con que la responsabilidad era mucho mayor. Quizás aquella vez era un personaje que yo lo tenía más cerca, no sé, había colores que, desde cierta ternura, de cierto candor, de cierta cosa que naturalmente, quizás ya se lo estaba dando”, comenta sobre la película protagonizada por Antonio Banderas y que fue nominada a dos premios Óscar en 2020. “En cambio, en este caso, con Raúl, había que encontrar, como dice Pedro, un retrato diferente, un retrato no amable del mismo, un retrato escurridizo”.

En una entrevista con Deadline, a propósito del estreno en Cannes que tuvo en las butacas a Juliette Binoche, Pedro Almodóvar reveló que Amarga Navidad terminó siendo tan personal que lo sorprendió. “Suena un poco paranormal, pero realmente siento que algo más se apodera de mí durante el proceso de escritura, y llega un punto en el que es la historia la que dicta lo que sucede. Yo mismo me sorprendí con el final cuando llegué al final de la historia. En realidad, esta es la adaptación de un cuento que escribí hace muchos, muchos años, que contaba la historia de Elsa con su novio, el bombero/stripper, y su amiga Patricia (Victoria Luengo), y el viaje que hacen a Lanzarote. Fue una completa sorpresa para mí que Mónica, el personaje que aparece en la última media hora de la película, sea quien desafía al autor. Ella no formaba parte de la historia anteriormente. Ella vino a mí”.

Almodóvar es un artista que ha defendido la libertad creativa y su cine ha visibilizado a las minorías. También sus películas han abordado temas complejos como la eutanasia en La habitación de al lado. En Cannes 2026, sostuvo que el artista tiene un deber moral.

“Sin querer juzgar a nadie, creo que el artista debe hablar de la situación que vive la sociedad. El silencio y el miedo —porque claramente se trata de una expresión de miedo— son una muy mala señal; son una señal de la erosión de la democracia”, dijo en la rueda de prensa. “Como europeos, estamos también obligados a convertirnos en una especie de escudo contra monstruos como Trump, Netanyahu o el ruso. Estamos obligados porque aquí si obedecemos las leyes internacionales”.

En la piel del alter ego

Después de interpretar a la expareja del protagonista de Dolor y gloria, Leonardo Sbaraglia fue ovacionado tras la proyección de Amarga Navidad en Cannes. “Había que ir encontrándolo y era mucha más la responsabilidad de ir encontrando a ese personaje porque, al ser un alter ego tampoco es que estaba muy retratado en lo conceptual, porque no tiene escenas donde, de alguna, se ve o se expresa lo que le está pasando, sino que se expresa desde un lugar muy conceptual, se expresa desde la palabra, desde cierto relato”.

El guion había sido escrito por Almodóvar durante cuatro años, mientras continuaba desarrollando otras películas. En este cruce de la realidad y la ficción, Raúl, el personaje de Sbaraglia, continúa escribiendo la historia inspirándose en personas reales. Está la asistente Mónica, interpretada por Aitana Sánchez-Gijón, una suerte de antagonista de la propia vida de Almodóvar. “Es un reflejo de las formas en que me cuestiono a mí mismo. Siempre estoy muy atento y receloso de no caer en la complacencia”, ha dicho el español a Deadline.

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Para Sbaraglia, Raúl fue un alter ego que tuvo que construirse a partir de los detalles. “Pero insisto, estaba como muy puesto en el relato; entonces, era realmente difícil ir contándolo, pero tuvimos la suerte de tener muchísimos ensayos, muchísimo trabajo codo a codo con Pedro, de mucha precisión. Es un director que busca, casi como un cirujano, el trabajo sobre el actor o sobre la actriz. Entonces, no es fácil para nada porque tienes que ir encontrando la organicidad en esa especie de precisión, y ese fue, creo, que el trabajo más difícil”.

Pedro Almodóvar ha comentado que esta película ha sido una experiencia liberadora y divertida como parte de un proceso de autocrítica. Para el argentino, volver a trabajar con él sigue siendo un salto creativo que define como impresionante.

“Trabajar así, como cuando uno le toca trabajar con grandes directores, como el caso de Pedro, como el caso de otros grandes directores con los que me ha tocado trabajar, creo que el máximo desafío y la originalidad siempre tienen que ver con subirte a algo de esa especie, de esa impronta, de esa paleta. Subirte a algo de esa especie de micromundo que estos grandes directores construyen, y esa precisión también implica una renuncia de algo más personal. Es como que tener que convertirte, tener que llevar todo tu cuerpo y todo tu lugar a un lugar que le pertenece a otro. Y eso es el mayor trabajo, ¿no? Como algo de la propia renuncia para poder hundirte y plegarte y mimetizarte con un mundo que es completamente nuevo”.

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En los Premios Platino 2026, en México, país donde rodaron la película, Ugás y la venezolana Mariana Rondón compitieron con las nominadas al Óscar El agente secreto y Sirât en la categoría mejor película iberoamericana. “Ha sido una vuelta larga, empezamos en Venecia, seguimos en Toronto, ya hemos hecho una gira por Europa y estamos llegando de una gira por Estados Unidos”, nos dijo la directora peruana en la alfombra roja que reunió a figuras del cine y de la televisión de Iberoamérica en la Riviera Maya.

“Este es el cine que seguiremos haciendo”

Esta edición de los Platino ha tenido un tono político con discursos como el del equipo de la película Belén. ¿Eso también es interesante para ustedes?

Mariana Rondón: Yo creo que sí, nosotros hacemos un cine político-poético (sonríe).

Marité Ugás: Pues sí, todas nuestras películas están dándole duro a algún punto, en este caso, que involucra no solamente a la desgracia que vive Venezuela, sino a todo el continente con estas democracias tan frágiles que tenemos, que no sé si se deben llamar democracias en el caso nuestro, pues estamos justamente subrayando cómo en cualquier momento puedes perder hasta tu libertad, ¿no?

Claro, se dice que se lucha tanto por los derechos humanos durante años, pero se pueden perder en un día. Esta película es sobre lo que podría pasar en cualquier país con un gobierno autoritario, ¿no?

Mariana Rondón: Es súper fácil que los derechos humanos desaparezcan. Y una de las razones por las que hicimos esta película era para hablar de la pérdida. La pérdida que puede ser de lo más íntimo, de lo más social, pero también de un país, la pérdida de la identidad. Todas esas luchas son nuestras y a veces no nos damos cuenta de lo difícil que es recuperarlos hasta que perdemos nuestros derechos.

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¿Hay posibilidad de que sigan trabajando con Édgar Ramírez (el actor es productor de Aún es de noche en Caracas)?

Marité Ugás: Hay un plan que se está cocinando. Vamos a ver cuándo lo concretamos porque ya tenemos dos proyectos encaminados. Así que va, el que salga primero.

En cuanto a las intenciones de un sector de la clase política que habló de eliminar el Ministerio de Cultura o que impulsó los cambios en la ley de cine que perjudican, principalmente, a los cineastas de regiones, ¿ven que estar nominadas a premios internacionales es una respuesta a eso?

Marité Ugás: Sobre todo con la película que estamos contando, ¿no? Cuando digo democracias frágiles, ¿qué democracia podemos estar teniendo cuando ya desde el Legislativo está marcado nuestro destino? Y lo peor de todo es la apatía. Hasta que no nos llegue y nos duela, ahí nos vamos a dar cuenta de lo que estamos perdiendo en estos días, en estas semanas.

¿Cómo viviste la primera vuelta electoral, Marité?

Fui presidenta de mesa (sonríe). Así que me trasnoché, contamos hasta el último voto. Perdón, pero me sigue pareciendo una payasada porque los dados ya fueron tirados por el Legislativo. Ya el destino está marcado por lo que ellos han aprobado.

¿Lo dices por la dispersión del voto con más de 30 candidatos?

Marité Ugás: Claro.

Mientras tanto, ¿qué le toca hacer al cine?

Mariana Rondón: Voy a volver a tocar el tema. Lo primero que se pierde cuando se pierde la democracia, o cuando hay señales, es la cultura. Pasó en Venezuela, dejaron de financiar películas, dejó de haber cultura; nos tuvimos que ir 9.200.000 personas del país. Es un peligro. En lo que la cultura empieza a sufrir en un país, lo que viene es catastrófico. Es un llamado de atención para todos. Vamos, cuidemos lo que tenemos, en cada país y en cada lugar. Esta película, 'Aún es de noche en Caracas', se tuvo que filmar en México porque no había manera de filmarla de otra forma. Así que, a defendernos, a cuidarnos.

La cinta recrea uno de los episodios más trascendentales de la historia reciente del país y destaca el valor, la preparación y el profesionalismo de quienes participaron en la operación de rescate.

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¿Cuándo y a qué hora ver la película 'Chavín de Huántar: el rescate del siglo'?

La esperada emisión de 'Chavín de Huántar: el rescate del siglo' se realizará este sábado 6 de junio a las 10.00 p. m. La película llegará a la pantalla chica luego de consolidarse como una de las producciones nacionales más vistas y comentadas de los últimos años, gracias a una propuesta que combina acción, drama y una cuidadosa recreación de los acontecimientos que marcaron al país.

La producción retrata la operación militar que permitió rescatar a los rehenes retenidos en la residencia del embajador de Japón y se convierte en un homenaje a quienes participaron en una de las acciones más emblemáticas en la lucha contra el terrorismo en el Perú.

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¿Dónde ver gratis 'Chavín de Huántar: el rescate del siglo'?

La película podrá verse de manera gratuita a través de América Televisión, canal que emitirá la producción en señal abierta para todo el país. De esta manera, quienes no tuvieron la oportunidad de verla en los cines o en plataformas digitales podrán acceder a una de las producciones peruanas más importantes de los últimos tiempos.

El estreno en televisión también coincide con un importante anuncio de Producciones Colibrí, que confirmó el desarrollo de una nueva película inspirada en la operación de inteligencia que culminó con la captura de Abimael Guzmán. Según informó la productora, el proyecto abordará el trabajo del Grupo Especial de Inteligencia (GEIN) de la Policía Nacional del Perú y buscará retratar con rigor histórico uno de los momentos más determinantes en la lucha contra Sendero Luminoso.

El servicio DGO ofrece diversas opciones de programación dentro de las cuales incluye el acceso a los contenidos de entretenimiento de reconocidas plataformas de streaming, a través de una sola suscripción.

Entre ellas, el Plan Fútbol que permite a los usuarios disfrutar de canales de TV en vivo; transmisiones y coberturas exclusivas de eventos deportivos con la señal DSPORTS, que transmitirá los 104 partidos de la Copa Mundial FIFA, y películas, series, documentales y lo mejor del catálogo de las aplicaciones de DGO, Prime Video y Disney+.

Próximos estrenos

• HOPPERS: OPERACIÓN CASTOR

Animación. Una amante de los animales ve la oportunidad de usar una nueva tecnología para trasladar su conciencia a un castor robótico hiperrealista y así comunicarse directamente con los animales. Voces: Piper Curda y Bobby Moynihan. Dirección: Daniel Chong.

Miércoles 3 de junio en DISNEY+.

• LA EMPLEADA

Complicada por su pasado criminal, Millie acepta trabajar para la familia Winchester, sin saber que se está involucrando en una trama peligrosa. Protagonistas: Sydney Sweeney y Amanda Seyfried. Dirección: Paul Feig.

Viernes 12 de junio en AMAZON PRIME.

• EL OSO

Temporada final. La quinta y última temporada de la premiada serie retoma la historia el día después de que Sydney (Ayo Edebiri), Richie (Ebon Moss-Bachrach) y Natalie “Sugar” (Abby Elliott) descubren que Carmy (Jeremy Allen White) ha abandonado la industria gastronómica, dejándoles el restaurante a ellos.

Jueves 25 de junio en DISNEY+.

• NÚREMBERG: EL JUICIO DEL SIGLO

El psiquiatra del ejército estadounidense Douglas Kelley investiga las personalidades y el estado mental de Hermann Göring y otros altos cargos nazis, tanto en preparación como durante los juicios de Núremberg. Protagonistas: Russell Crowe y Rami Malek. Dirección: James Vanderbilt.

Viernes 26 de junio en AMAZON PRIME.

Cómo acceder a DGO, la única plataforma que tendrá todo el Mundial

DGO es la plataforma perfecta para cinéfilos, fanáticos del deporte y amantes de las series. Con un catálogo extenso y fácil acceso, garantiza una experiencia única de entretenimiento en cualquier momento y lugar. Y este año, a través de la señal DSPORTS, será la única que ofrecerá los 104 partidos que se disputarán en la Copa Mundial de la FIFA.

Los interesados en suscribirse a DGO deberán acceder a la web oficial https://www.directvgo.com/ donde encontrarán las distintas opciones de planes, desde el básico hasta el full, con detalles de costos y servicios.

Una vez elegida la opción y cerrada la contratación, el usuario podrá descargar la app en su Smart TV, smartphone, tablet o acceder vía web para empezar a disfrutar de la grilla, que incluye las mejores series, películas, documentales, canales en vivo y transmisiones de eventos deportivos y espectáculos.

El filme incluye dos escenas poscréditos, ubicadas estratégicamente en la parte intermedia de los créditos, lo que permite disfrutar de contenido adicional sin esperar hasta el último fotograma sobre la pantalla negra. Estas secuencias combinan humor absurdo con referencias a clásicos del cine y refuerzan la experiencia cómica que caracteriza a la franquicia.

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¿Scary Movie 6 tiene escenas poscréditos?

Para los fanáticos de la serie, es importante saber que Scary Movie 6 tiene escenas poscréditos que aportan un valor añadido a la experiencia cinematográfica.

Esta decisión también responde a una tendencia reciente en la industria cinematográfica, donde muchas películas, especialmente las de comedia y parodia, utilizan las escenas poscréditos para ofrecer gags adicionales o referencias culturales sin interrumpir la historia principal.

En esta película, estas secuencias funcionan como guiños para los seguidores y como un incentivo para quedarse en la sala, lo que refuerza la tradición que inició la saga en 2000 con la primera entrega dirigida por Keenen Ivory Wayans.

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Escenas poscréditos de Scary Movie 6: ¿qué pasa en cada una?

1. Parodia de Nosferatu

La primera escena poscréditos se centra en una sátira del icónico vampiro de Nosferatu, la película de terror dirigida por Robert Eggers que se ha convertido en un referente del género.

En esta secuencia, Scary Movie 6 combina elementos del horror clásico con su característico humor absurdo y ofrece un chiste final que parodia la figura del vampiro de manera exagerada y cómica.

2. Gag del mayordomo

La segunda escena ocurre más adelante, durante los créditos, y presenta al mayordomo de la película en un gag adicional. En esta secuencia, el personaje protagoniza un momento cómico pensado para prolongar las risas y ofrecer un cierre divertido a la proyección. Si bien no anticipa hechos futuros ni revela detalles de una posible secuela, cumple un papel clave: mantener la atmósfera humorística hasta los últimos minutos y premiar a los espectadores que se quedan en la sala.

En conjunto, estas dos secuencias permiten a los seguidores de Scary Movie 6 disfrutar de un cierre cómico completo, respetando la tradición de la franquicia y reforzando su estilo único de parodia.

'Tengo muchos recuerdos entrañables de haber trabajado con él. Ahora está jubilado, tiene 95 años. Pero tuve la gran fortuna de poder trabajar con él en varias películas', declaró el músico a France 3. La prensa internacional reprodujo esa cita y la tomó como un anuncio del 'adiós al cine' del ganador del Óscar.

'La última entrevista realizada (y confirmada) a Clint Eastwood data del año pasado y se la concedió a Metrograph en su primer número', recuerdan en Vanity Fair ante la posible despedida del cine de la leyenda viviente de Hollywood. 'Hace un recorrido por prácticamente toda su carrera, demostrando que sigue muy ágil de memoria, pero no toca directamente el tema de la jubilación'.

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La última película que estrenó el director de Million Dollar Baby (2004) fue Jurado nº 2, un drama policial protagonizado por Nicholas Hoult. Llegó a los cines en octubre de 2024, pero Clint Eastwood no acudió a la alfombra roja en el AFI Fest, en Los Ángeles.

A raíz de esta última película, se viralizó una publicación en la que hablaba de su trabajo detrás de cámaras y de su intención de continuar con su carrera. Sin embargo, el actor y director negó haber dado esas declaraciones. “Recientemente han aparecido en las noticias un par de cosas sobre mí. Pensé que debía aclarar la situación. Puedo confirmar que he cumplido 95 años. También puedo confirmar que nunca concedí una entrevista a la publicación austriaca Kurier, ni a ningún otro periodista en las últimas semanas, y que dicha entrevista es completamente falsa”.

El director solo respondió directamente sobre su jubilación en 2021, cuando estrenó Cry Macho. 'No lo creo. Siempre estoy pensando en qué voy a hacer después. Me encanta tomar la idea de alguien, ya sea un libro o una obra de teatro, y desarrollarla. Quizás otros quieran hacer algunas películas y luego retirarse, y eso está muy bien. Quizás tengan otras cosas que hacer y con las que mantenerse ocupados. Yo no. Me encantan las películas y disfruto haciéndolas', respondió a Parade.

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Desde 2022 son pocas las apariciones públicas de Eastwood. Ese año participó en la ceremonia de premiación del torneo de golf AT&T Pebble Beach Pro-Am, en California, y en junio de 2024 asistió a la boda de su hija Morgan, quien se casó con Tanner Koompmans.

En 2024, tras la muerte de su novia Christina Sandera, envió un comunicado a The Hollywood Reporter: “Era una persona maravillosa. La echaré mucho de menos”.

El político y su apoyo a Donald Trump

De 1986 a 1988, Eastwood fue alcalde del pueblo californiano Carmel by the Sea. Según un archivo de la BBC, el actor de 55 años fue elegido por mayoría abrumadora. 'Obtuvo 2.166 votos frente a los 799 emitidos para la actual alcaldesa, Charlotte Townsend, una exbibliotecaria'.

Décadas después, el cineasta fue cuestionado por su apoyo a Donald Trump. La prensa estadounidense le consultó a la célebre Meryl Streep, conocida por su apoyo a los demócratas y crítica de Trump, qué pensaba sobre la postura política de su coprotagonista en Los puentes de Madison. 'No lo sabía. Tendré que hablar con él. ¡Tendré que arreglar eso! Porque sé que él es más... Creí que era más sensible que eso. Estoy conmocionada, de verdad.', le dijo la actriz a Variety debido al apoyo de Clint Eastwood a la campaña de 2016.

La prensa de Estados Unidos subraya que no quedó claro si Streep llegó a convencerlo, pero en 2020, The Guardian señaló que Eastwood rompió con el Partido Republicano y apoyó a Mike Bloomberg para presidente. Sin embargo, reconoció que aprobaba 'ciertas cosas que ha hecho Trump', pero le pedía que se comunicara 'de una manera más educada, sin tuitear ni insultar a la gente'.

      Pero la corta vida de esta leyenda del séptimo arte, tantas veces solo elogiada por su belleza, también ha generado reflexiones sobre su legado. En septiembre de 2022, la película Blonde tuvo una ovación de 14 minutos en el Festival de Venecia. Ana de Armas la retrata como una estrella con poder, pero a la vez ahonda en sus inseguridades, en su vulnerabilidad y en la violencia de industria que la subestima.

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      En las salas de cine, el filme tuvo una calificación de NC-17 para dirigirse solo al público adulto. Blonde inicia con la niñez de Norma Jeane e impacta desde los primeros minutos al abordar la ausencia paterna y la salud mental de su madre.

       Cuando Ana de Armas leyó el guion del cineasta Andrew Dominik, adaptación de la novela de Joyce Carol Oates, quedó conmovida y en shock. Ese año, por cuestiones del azar, La República fue el único medio de Perú que entrevistó por Zoom a la actriz durante una agitada jornada con la prensa mundial. “Es tan importante empezar la película así porque explica tantas cosas sobre cómo esta niña ve la vida a través de ese lente, con un padre no existente y una madre enferma y abusiva”.

Una de las grandes virtudes de la actriz cubana fue plasmar la diferencia entre Marilyn y Norma. Llegó a la conclusión de que la protagonista de Los caballeros las prefieren rubias se sentía esclava de la industria. “Se sentía como una prisionera de este personaje que se creó. Creo que al principio ella contribuyó en eso, en la creación de Marilyn, pero muy pronto se fue de su control. Y el estudio, la industria y la maquinaria de Hollywood tomaron control de eso y ella estaba totalmente atrapada”, nos dijo De Armas.

La actriz logró su primera nominación al Óscar por este personaje. La película fue una apuesta de 12 años para el director Andrew Dominik, quien evitó ser censurado. De hecho, después de su paso por los cines, la película se estrenó en Netflix sin cortes. Hay escenas que revelan los abusos que sufrió Marilyn Monroe: desde la relación que tuvo con John F. Kennedy hasta un delito en un estudio de Hollywood.

“Como Andrew ha dicho en otras ocasiones, esta película a todo el mundo le parecía una buena idea, pero nadie quería dar dinero para ella (sonríe). Y no fue hasta que pasó el #MeToo que entonces lo incorrecto era no escuchar estas historias. Es imposible ignorar una historia como esta, de una mujer que fue maltratada y abusada de esta manera. Entonces, si no hubiese sido por el clima en el que estamos ahora, las mujeres hablando de los abusos y poniendo límites y punto final a este tipo de comportamientos, pienso que escenas como esta ahora tienen otro impacto”, nos respondió al ser consultada por el movimiento feminista #MeToo y la apertura para contar estas historias.

“Marilyn era su armadura y, a la vez, una prisión”

El personaje la desbordó, pero había exigido su lugar en la industria: pidió mejores guiones y creó su propia productora, Marilyn Monroe Productions (MMP). “No pensaban que era una actriz buena. Marilyn era un poco su armadura y, a la vez, una prisión. Lo que hizo fue convertir a Norma en totalmente invisible y ya no podía ser ella misma; la gente no estaba interesada en eso”.

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Hay otras películas para conocer más allá del glamour alrededor de este ícono del cine y de la moda. Está el documental Descubriendo a Marilyn (2022) y Mi semana con Marilyn (2011) en la que es interpretada por Michelle Williams. La cinta se centra en sus últimos años, precisamente, en la filmación de la película El príncipe y la corista (1957). La actriz y cantante falleció cinco años después de esa película por una sobredosis de barbitúricos. Tenía 36 años.

   “Hay esta idea de la fama y el éxito y estas imágenes que tenemos tan grabadas en nuestras mentes sobre Marilyn, de tanta felicidad y abundancia”, nos respondió De Armas. “Para mí, lo importante es que la gente sea un poco más empática, que entienda la vulnerabilidad. Quiero que conozcan quién fue ella como mujer, quitando todas las capas de este personaje creado”. A 9 años de que el movimiento #MeToo estallara a nivel mundial y a 11 años de Ni una menos, la conversación sigue vigente.

Sin embargo, más allá de su éxito en taquilla, lo que ha generado un intenso debate entre los espectadores es su desenlace. El destino de Mary, uno de los personajes centrales de la historia, ha dejado múltiples interrogantes debido a la naturaleza ambigua de las escenas finales, lo que ha llevado a muchos a buscar una explicación sobre lo que realmente ocurrió con ella al concluir la película.

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Final explicado de 'Backrooms'

El desenlace de 'Backrooms' es uno de los aspectos más comentados de la película debido a las incógnitas que deja abiertas. Aunque Mary logra sobrevivir al encuentro con la misteriosa criatura que acecha los laberínticos corredores de esta dimensión y que anteriormente acabó con la vida de Clark, su aparente escape no significa necesariamente que haya recuperado la libertad.

En la parte final de la historia, la protagonista queda bajo observación de integrantes de Async, la organización encargada de estudiar los fenómenos que ocurren dentro de los Backrooms. Mientras intenta dejar atrás la experiencia, comienza a enfrentarse a escenarios que parecen construidos a partir de recuerdos de su pasado. Habitaciones familiares, escenas de su niñez y episodios relacionados con antiguas heridas emocionales empiezan a manifestarse a su alrededor.

Estas secuencias han dado pie a una de las teorías más inquietantes sobre el final explicado de 'Backrooms'. Diversas pistas sugieren que la verdadera Mary podría no haber salido nunca de esa realidad alterna. La mujer que aparece en los últimos minutos sería, en cambio, una réplica moldeada por el propio entorno, una versión creada a partir de sus memorias, temores y experiencias más dolorosas. Esta interpretación convierte el cierre de la película en una reflexión perturbadora sobre la identidad y la capacidad de los Backrooms para alterar la percepción de la realidad.

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¿De qué trata la película 'Backrooms'?

La trama de 'Backrooms' gira en torno a Clark, un hombre que atraviesa uno de los momentos más complicados de su vida. Tras el fracaso de su matrimonio y mientras lucha contra sus problemas personales, el arquitecto intenta encontrar estabilidad con ayuda de la psicóloga Mary Kline, quien se convierte en una figura clave en su proceso de recuperación.

Sin embargo, todo cambia cuando una serie de circunstancias lo lleva a pasar varias noches en su lugar de trabajo. Es entonces cuando descubre una anomalía imposible de explicar: una entrada hacia un mundo oculto que existe al margen de la realidad conocida.

A medida que se adentra en este extraño entorno, Clark se enfrenta a los Backrooms, un interminable entramado de habitaciones y pasillos que desafían las leyes del espacio y la lógica.

El artista, de 36 años, fue declarado culpable semanas atrás por varios delitos, entre ellos intento de asesinato, robo y violencia doméstica. La víctima fue la maquilladora Allie Shehorn, con quien había iniciado una relación tras conocerse en un rodaje.

Durante el proceso judicial, Shehorn, de 37 años, relató ante la corte las graves secuelas que le dejó la agresión, que la mantuvo en estado crítico durante varios días. Según medios locales, la mujer aún presenta cicatrices visibles en el brazo y el cuello a causa del ataque.

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¿Cómo fue la agresión de Nick Pasqual a su expareja?

De acuerdo con la Fiscalía de Los Ángeles, Nick Pasqual ingresó a la vivienda de Allie Shehorn el 23 de mayo de 2024, donde presuntamente la atacó con un arma blanca en reiteradas ocasiones. La agresión ocurrió semanas después de que la maquilladora solicitara una orden de alejamiento contra el acusado debido a episodios de conducta violenta.

Tras el ataque, Pasqual abandonó el lugar e intentó salir del país, pero fue interceptado por las autoridades en un puesto de control fronterizo entre Estados Unidos y México, ubicado en Sierra Blanca, Texas.

Durante la audiencia, Pasqual reconoció el peso emocional que le dejará el caso y aseguró que cargará con lo ocurrido por el resto de su vida. Asimismo, expresó sentirse agradecido de que Shehorn haya sobrevivido a la agresión.