Y se toma sus tiempos, dadas las complicaciones que se presentan en los costos, métodos de investigación, búsqueda de financiación y captura de las situaciones o emociones que involucra, avanzando muchas veces con sus propios recursos. Situación que hace que sus películas se desarrollen a lo largo de varios años y casi al ritmo de la vida misma, caminando con ella. Recorriendo esos espacios paralelos, registrándolos, documentándolos, siendo un testigo vivo de las transformaciones accidentales o provocadas que suceden en los casos que capta o denuncia. Nos muestra su versión vivida del periodismo, ese que habla sobre los sucesos sociales del momento o que se involucra en situaciones de conflicto y en historias personales más radicales, insistiendo en eso de que no se puede abandonar una historia cuando el camino se vuelve duro y difícil.

Y así es el cine en el Perú; requiere de mucho tiempo y esfuerzo. Más aún en el documental independiente, en donde el interés no está ligado a los éxitos o a las ganancias, sino a evidenciar espacios y tiempos que son importantes para los conflictos que conllevan las subsistencias. Así trabaja Delia, subrayando temas que nos son vitales, que hablan sobre crecimientos culturales, fenómenos adversos, la comunicación o lo que fuera necesario y capte su aguda atención. Visita, investiga y observa (tanto en nuestras zonas urbanas como en las rurales), cómo en este país vivimos apoyándonos permanentemente en nuestros esfuerzos por la supervivencia. Porque en el Perú la supervivencia es un tema de esfuerzos, y las realidades nos son hostiles.

Y lo evidencia y manifiesta con una vocación intensa, larga y firme en sus posiciones. En películas como El Señor de Pachacamac, que marcó su camino como documentalista. Alas de Vida, Madre Mar, Esas voces que curan y El Rey del desierto se está muriendo. Luego vino Volviendo a la luz, que le tomó cuatro años y en donde desarrolla un tema que la perturbó desde niña, el Holocausto. Aquí se compromete con sus emociones más perturbadoras y entrevista a sobrevivientes judíos que han escapado del horror vivido en carne propia, reconstruyendo sus vidas en el Perú. Un trabajo muy intenso y emocional para ella, en donde muchas veces apaga la cámara para llorar y abrazarse con sus entrevistados.

Y es así como se compromete en reflexiones, denuncias o simplemente subrayando realidades que considera importantes, y lo son. Ahora, involucrada en la decisión de abogar por nuestra naturaleza con El Llamado de la Llama, un documental en proceso que tiene a este animal como protagonista y cuenta con 5000 años de historia andina. El trabajo analiza el drama de las llamas, las familias llameras y las razones que empujan su dramático declive. Es una obra de gran relevancia que apoya el llamado por la supervivencia de sus protagonistas, no solo en el Perú, sino en las comunidades pastoriles de todo el mundo, las cuales en sus memorables luchas eventualmente se debilitan y flaquean. Y eso es lo que observa y divulga, porque su mirada es vasta, profunda y trae consecuencias; tiene memoria.

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“Está en el agua. Hay una cosa en el agua de la ciudad que ha provocado estas películas”, nos responde Kleber Mendonça Filho en uno de los salones del centro cultural donde coincide con otros directores, jurados y fotógrafos. Ha llegado al Festival de Cine de Lima como homenajeado, pero también se reúne con la prensa y el mismo día ofrece una clase maestra por la que se formó una larga cola afuera del local. “Para mí, es muy interesante pensar en la cultura como un viento o un agua que tiene una antena o un captador”, nos dice sobre la coincidencia con Walter Salles.

En medio de una agenda a la que se suman los seguidores que lo esperan para fotografías y autógrafos, hablamos unos minutos con el director y excrítico de cine, quien, después de su reciente recorrido por Iberoamérica, decidió no dar entrevistas en inglés o en portugués. Después de la ceremonia en Lima, publicó: "Esto puso fin a años de incomodidad, a la vergüenza de no poder comunicarme en castellano, de tratar de hablar portugués muy lentamente y (la peor situación) pidiendo al interlocutor cambiar al inglés. ¡Gracias!".

Crítico de los Bolsonaro, está claro que en Brasil el cineasta es incómodo para un sector. En 2016, cuando llegó a Cannes con la película Aquarius, él y el elenco protestaron contra el juicio político a la presidenta de Brasil, Dilma Rousseff.

Cuando se anunció que usted sería homenajeado en esta edición del festival, Josué Méndez, el director artístico, recordó que toda su filmografía había sido estrenada en Lima. ¿Por qué cree que el público peruano ha conectado tanto con sus historias?

Creo que porque hablamos la misma lengua social. La lógica de nuestras sociedades es muy cercana. Cada vez que mis películas son vistas en Latinoamérica, hay una interacción muy fuerte. Es verdad que mis películas tienen una conexión internacional con Francia, Estados Unidos o con los británicos, pero en América Latina hay una cosa muy fuerte. Y en Brasil es incluso más.

El año pasado, Brasil ganó un Óscar con 'Aún estoy aquí', ambientada en los 70. ¿Hay una respuesta artística a la violencia política?

Creo que nosotros cuando empezamos a pensar en una película, hay como una antena. Esta antena no es un plano, no hay una estrategia. Es simplemente una antena que empieza a captar un tipo de energía o de frecuencia. Esta idea se transforma en un guion y luego en una película. Es un proceso de cuatro o cinco años. Es muy interesante lo que pasó con estas dos películas. Yo conozco a Walter y él me conoce, pero no estábamos conectados o intercambiando ideas. En Venecia, estaba como jurado y cuando vi la película no podía hablar con él, pero después le dejé un mensaje: "Tu película tiene un hermano (El agente secreto), los dos no se conocen, pero es un hermano que creció en diferentes regiones del país".

Como en Retratos fantasmas, nos habla también del cine y de Recife. ¿Cuán importante es conectar con ese pasado?

Para mí, el cine es memoria. Es imposible hacer una película y decir: “No, esto no es memoria”. Todas las películas son álbumes de fotografía, de ideas, de momentos. Cada vez pienso más en esto, y creo que la próxima película también será acerca de un momento histórico. Será un nuevo álbum de fotografías.

¿El avance de las políticas de extrema derecha le da más ideas para hacer cine?

Sí, claro, es imposible ignorar lo que pasa hoy, porque es un momento muy... Es como si el mundo abandonara la entrada de la democracia, no hay reglas. Donald Trump tiene un desprecio muy grande por todo lo que organiza la sociedad, las relaciones de los Estados Unidos con Europa, los aliados después de la Segunda Guerra Mundial. Todo eso no es más importante para él. La relación de poder que tiene con América Latina es como si no hubiera respeto, no hay respeto. Todo eso es una fuente muy rica de historias y conflictos para desarrollar una película o escribir un libro. Sí, es increíble. Es un gran momento para... Creo que todos los momentos del mundo son buenos momentos llenos de tragedia y violencia. Y también amor, ¿por qué no? Pero ahora nuestro momento es completamente absurdo. El absurdo es muy bueno para el horror, para la comedia, para los dramas. Hacer una película de comedia ahora es una gran oportunidad.

Bueno, 'El agente secreto' tiene humor, horror y, además, habla de esa manipulación por parte del Estado.

¡Claro! Cadáveres, pedazos de gente. La idea de tortura y violencia en ese sentido. Hay horror, comedia y amor. Para mí, las historias no son solamente sombrías y siniestras. El mundo está lleno de muchos elementos distintos.

Dice que, si en la realidad hay violencia, se tiene que retratar sin estetización, ¿no?

Hay un problema ético de tratar la violencia en el cine. Es un problema muy viejo en el que hay discusiones hace 50 años. De Hitchcock a Peckinpah. ¿Cómo quieres filmar, mostrar ese momento? Porque la violencia es muy fácil de ver: puedes ver a una persona morir en tu teléfono. Es una cosa que siempre intento no ver. Casi siempre lo logro. Así que, como cineasta, de qué forma mostrar la violencia es muy importante.

Los artistas en varias partes del mundo están siendo perseguidos. Usted ha grabado con Jafar Panahi, el director condenado por el régimen iraní. ¿Qué piensa de ello?

Creo que, si haces películas que son honestas y tienen un corazón abierto para la verdad, naturalmente tendrás persecución. Eso pasó conmigo, pasa con Jafar y su sociedad, que es una sociedad muy particular en comparación con Brasil. Con la extrema derecha hace 10 años es siempre difícil, porque hoy si dices: "El agua moja", ¿puede ser una frase controversial? Ahora sí, porque hay mucha gente en la extrema derecha que puede decir: "No, el agua es seca" (sonríe). Es muy fácil ser controvertido hoy en el mundo, en Brasil, con los locos de la extrema derecha. Haces una película donde los años 70 son mostrados como corruptos y violentos, pero es un problema para las personas que acreditan que (sonríe) los años 70 fueron maravillosos con los militares.

No fue así, por supuesto.

Y no hay nada que pueda... incluso si mi próximo proyecto no tiene nada de política, si es una historia de dos chicos que están enamorados y uno de ellos es negro, me dirán: “¡Ah! Es woke” (ríe).

Siempre será “agenda woke”.

Sí, pero hay personas negras en el mundo (sonríe).

De acuerdo. Si existe el cine que contente a la extrema derecha, ¿qué películas se harían?

Una película que no existe (sonríe). Una película muy mala o una película fascista.❖

Estrenada el 5 de agosto de 2026, el filme tuvo un inicio desalentador: apenas 300 entradas vendidas y poco más de 1.000 dólares recaudados en sus primeros días. Sin embargo, la viralidad en redes sociales transformó su destino. Los comentarios sobre su animación rudimentaria despertaron curiosidad y llevaron a miles de espectadores a las salas, convirtiéndola en uno de los fenómenos más comentados del cine chino.

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¿De qué trata la película ‘Niu Lai’?

La película fue creada durante cinco años por Xin Yumeng y su madre, Sun Lifang, quienes trabajaron con un único ordenador de segunda mano. Sun Lifang no tenía formación previa en cine; aprendió guion y técnicas de animación de manera autodidacta para apoyar el sueño de su hijo. Ella escribió el libreto, dio voz a los personajes femeninos y hasta compuso la canción de créditos, mientras Xin se encargó del modelado, la animación y las voces masculinas.

La historia sigue a Niu Lai (cuyo nombre se traduce como ‘viene el buey’), un ternero recién nacido y asustadizo que emprende una travesía de supervivencia junto a su madre. En un viaje que difumina la realidad con un mundo onírico, el pequeño protagonista interactúa con una alondra, un espíritu serpiente y un cachorro de leopardo. El relato mezcla de forma única la aventura, la pérdida y la superación personal. Aunque su estilo visual ha sido calificado de torpe y rígido, esa misma imperfección se convirtió en parte de su identidad y encanto viral.

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Recaudación y viralidad de la película ‘Niu Lai’

De acuerdo con los medios de comunicación, ‘Niu Lai’ ya ha superado los 41 millones de yuanes (más de 4 millones de dólares) en taquilla, lo que significa que ha multiplicado miles de veces su inversión inicial.

El impacto, sin embargo, no solo se limita a las cifras. La película también arrasa en redes sociales como Douyin, donde sus fragmentos acumulan más de 1.400 millones de visualizaciones. Esa viralidad se complementó con una campaña improvisada: sin presupuesto de marketing, los cines chinos comenzaron a elaborar pósters promocionales a mano, un gesto que refuerza la identidad artesanal del proyecto.

La expansión del fenómeno, además, traspasa fronteras. En países como Tailandia se ha comenzado a comercializar mercadería inspirada en el singular protagonista, lo que confirma que la película no solo conquistó al público chino, sino que también despertó interés internacional. Al mismo tiempo, la expectativa por saber si llegará a salas en territorios como Perú se ha convertido en una de las grandes curiosidades entre los amantes del cine, que siguen atentos la evolución de este inesperado éxito.