Con Father Mother Sister Brother (Padre Madre Hermana Hermano), Jarmusch vuelve sobre el registro en el que la cotidianidad, y la epifanía que se desprende de ella, es la protagonista. Nos presenta tres historias cuyos ejes son un padre, una madre y dos hermanos gemelos. Empecemos de atrás hacia adelante.

En “Hermana Hermano” tenemos a los gemelos afroamericanos Skye (Indya Moore) y Billy (Luka Sabbat). Ambos se reúnen después de muchos años sin verse para dirigirse al departamento en París en donde sus padres vivían antes de morir en un accidente aéreo (el avión era piloteado por la madre). Por el diálogo que sostienen en el auto, se deduce que han sido criados bajo una mentalidad abierta. Billy le muestra a Skye algunas fotografías y documentos que ha encontrado sobre sus padres. Esos documentos refuerzan la extrañeza sobre quiénes fueron en realidad sus progenitores (identificaciones falsas y certificados de matrimonio falsos) y se afianza el sentido de protección mutua entre los dos hermanos.

En “Madre” tenemos a la escritora Catherine Russell (Charlotte Rampling), quien espera la llegada de sus hijas Timothea (Cate Blanchett) y Lilith (Vicky Krieps) para la inevitable reunión anual. Las hermanas llegan por separado y, desde el momento que se sientan a compartir la mesa, es notoria la desconexión de la madre artista con sus hijas. Ella no las entiende, pero no porque no sea capaz de hacerlo, sino porque en el fondo no le interesa lo que hagan con sus vidas siempre y cuando se encuentren bien. Esta historia está ambientada en la literaria Dublín.

“Padre” es una pequeña obra maestra. Está ambientada en una zona rural de Estados Unidos en donde vive un padre (el músico Tom Waits) en estado de pobreza. Sus hijos, Jeff (Adam Driver) y Emily (Mayim Bialik), se dirigen a verlo. Las últimas noticias que se tienen de él no son de las mejores en cuanto a su salud y calidad de vida. El padre no ha sido un padre atento. A los tres los une el sentimiento de la madre y esposa que ha fallecido. El padre no tiene ni para el té (Jeff le lleva una caja de víveres). Cuando los hijos se retiran, el padre comienza a ordenar la casa. Quita de los muebles la tapicería antigua, que revela, oh sorpresa, un sillón de lujo; se quita el abrigo, dejando al descubierto un Rolex original que Jeff creyó ver durante la visita. Con el dinerito que le dio Jeff antes de despedirse, el padre llama a una amiga y la invita a cenar. La camioneta sucia y destartalada que los hermanos vieron al llegar era un pantallazo; el padre se dirige a ver a su amiga en un auto moderno que retira del garaje.

El cine de Jarmusch es poético. Dice más en los silencios y en las sugerencias que en lo explícito. Como ya hemos indicado en su momento, para apreciar este cine, el espectador tiene que poner de su parte. El tiempo invertido en películas como Father Mother Sister Brother vale la pena. Ensancha la visión de la vida. En Mubi y en el Centro Cultural PUCP (otra cosa verla en pantalla grande).

El cine de Panahi es, principalmente, un cine de denuncia que, por ser tal, no descuida en nada los alcances expresivos a nivel formal. Sin depender de grandes locaciones y presupuestos, ha hecho de la sencillez de recursos, como la cámara en mano que sigue a sus actores, toda una clase maestra de cómo contar historias. Ejemplo de lo dicho lo podemos ver en sus películas Taxi Teherán (2015) y El círculo (2000).  Pensemos en el segundo trabajo consignado, en donde el cineasta pone en bandeja la situación de las mujeres en Irán. Es una película que sorprende al espectador, porque dentro de las limitaciones que las mujeres tienen para expresarse y desarrollarse, se muestra cómo han hecho del disimulo y del ingenio cotidianos un modo de vida en contraste con las restricciones.

Con lo hecho, Panahi podría estar enfocado en otros temas. Ya dejó un valioso documento visual sobre la situación de su país y un legado para los jóvenes cineastas que quieren hacer cine sin necesidad de depender de grandes presupuestos. Panahi dice cómo hacer cine si lo que quieres es hacer cine. Panahi podría estar filmando en cualquier parte del mundo proyectos tanto de denuncia como de búsqueda estética a razón de que es un personaje muy incómodo para el gobierno de Irán. Pero él prefiere regresar a Irán porque no puede hacer cine sin ese contexto que lo alimenta.

En la primera semana de junio, el Tribunal Revolucionario Islámico de Teherán confirmó la sentencia contra Panahi por el delito de propaganda contra la República Islámica de Irán. Este tribunal rechazó la apelación presentada por la defensa del cineasta. La sentencia consta de un año de prisión, dos años de prohibición para salir de Irán y se le prohíbe afiliarse a organizaciones políticas y sociales. Panahi, por cierto, ya ha estado en prisión. En el 2022 fue condenado a seis años de prisión por conspiración contra el gobierno. Fue liberado siete meses después tras hacer una huelga de hambre y pagar una fianza.

A Panahi no le sirve de mucho su prestigio internacional en su país, en donde existe el Ministerio de Cultura y Orientación Islámica, que es el organismo que regula la producción artística y cultural.

Regulación del arte y la cultura en Perú

El sábado 13 de junio, en el diario oficial El Peruano, se dio a conocer la Ley 32645, la cual crea el Colegio Profesional de Artistas del Perú. Este colegio tendrá como misión ordenar y supervisar el ejercicio profesional de las disciplinas artísticas, como las artes plásticas y visuales, música, danza, artes escénicas y afines. En otras palabras, es la oficialización de la censura, la cual, en este quinquenio, hemos visto en todo su esplendor mediante cancelaciones y leyes que atentan contra el sentido común, como la nueva ley de cine.

Este colegio de artistas no es un hecho aislado, no es una ocurrencia local. Es parte de una ola cancelatoria a nivel global que busca avasallar el espíritu crítico del arte. Sin duda, habrá creadores que se mantendrán independientes e igualmente habrá otros que buscarán beneficiarse de este organismo.

Lo sucedido con Panahi es el extremo de la cancelación, pero por ahí van estos despropósitos que nos obsequia el actual Congreso. Estaremos muy atentos.

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Situación del cineasta. Si bien Jafar Panahi ha sido condenado, aún no ha sido detenido. Se desconoce su paradero exacto.

La ley del Congreso. Esta medida fue impulsada por la Comisión de Educación, cuyo presidente es Segundo Montalvo (PL). Tuvo 83 votos a favor. Contó con el apoyo de las bancadas Fuerza Popular, Alianza para el Progreso y Podemos Perú.

En esta nueva versión, el icónico “trío de oro” tendrá nuevos rostros: Dominic McLaughlin será Harry Potter, Arabella Stanton interpretará a Hermione Granger y Alastair Stout dará vida a Ron Weasley. El adelanto permite ver por primera vez la química entre los protagonistas, quienes ya han comenzado a captar la atención de los seguidores de la saga.

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¿Qué muestra el tráiler de la serie de 'Harry Potter'?

El teaser reconstruye los primeros momentos de la historia con una fidelidad que conecta de inmediato con los lectores. Se muestra a Harry viviendo una infancia difícil junto a sus tíos, Vernon y Petunia Dursley, y su primo Dudley en el número 4 de Privet Drive, hasta que la llegada de la carta de Hogwarts cambia su destino.

A partir de ahí, el avance recorre escenas emblemáticas como el encuentro con Hagrid, el paso por el andén 9¾ y el primer viaje en el Expreso de Hogwarts, la icónica locomotora que traslada a los estudiantes al Colegio Hogwarts de Magia y Hechicería desde la estación King’s Cross de Londres, cada 1 de septiembre.

El tráiler también deja ver el inicio de la amistad entre Harry, Ron y Hermione, así como los primeros vistazos del castillo, las clases, los pasillos llenos de misterio y la esperada ceremonia del Sombrero Seleccionador.

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¿Qué actores aparecen en la serie?

El reparto incluye nombres destacados como John Lithgow como Albus Dumbledore, Paapa Essiedu como Severus Snape, Janet McTeer como Minerva McGonagall y Nick Frost como Rubeus Hagrid.

Además, se incorporan jóvenes actores que ampliarán el universo estudiantil, dando mayor protagonismo a personajes secundarios.

Uno de los puntos que aún genera expectativa es quién interpretará a Lord Voldemort. Aunque se especuló con la participación de Cillian Murphy, el actor ha descartado, por ahora, sumarse al proyecto.

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¿Cuándo se estrena la serie de 'Harry Potter'?

La serie inició su rodaje en julio de 2025 en los estudios Leavesden, en el Reino Unido, el mismo lugar donde se filmaron las películas originales. Además, el proyecto está liderado por la showrunner Francesca Gardiner y cuenta con la dirección de varios episodios a cargo de Mark Mylod, reconocido por su trabajo en 'Succession'.

Asimismo, J. K. Rowling participa como productora ejecutiva junto a David Heyman, lo que garantiza una conexión directa con la obra original. Si todo marcha tal cual lo previsto, la primera temporada se estrenará en Navidad de 2026, marcando el inicio de una nueva etapa para una de las franquicias más queridas de los últimos años.

         Antes de la compra de Lilypad (la cantante Belinda hace el doblaje en español), Bonnie va contra la corriente y aún juega y crea historias junto con Jessie, la vaquera protagonista de Toy Story 5, pero la película codirigida por Andrew Stanton y Kenna Harris nos mostrará también lo que significa ser diferente.

“Hay momentitos que me conmovieron mucho”, nos dice la actriz mexicana Irán Castillo, quien vuelve a poner su voz a Jessie. “Bonnie está sufriendo porque quiere ser ella misma, pero quiere encajar, y entonces sufre y llora. Y digo: ¿cuántos niños, niñas y adolescentes están así, no? Se me hace increíble que hayan abordado el tema así y lo hayan puesto de una forma tan clara, pero también tan amorosa y con humor. Es muy atinado en estos tiempos”.

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La actriz, protagonista de varias de las telenovelas juveniles más sintonizadas como Soñadoras o Clase 406, nos responde por Zoom que no imagina cómo hubiera sido manejar la fama en su adolescencia con la exposición de ahora en las redes sociales. “Agradezco mucho que no me tocó. Sí, agradezco mucho porque yo creo que sí fui una adolescente muy confundida. Digo, creo que todos la adolecemos, pero yo en lo particular sí me sentía muy confundida, no fue muy grata mi adolescencia, de verdad, fue muy incómoda. Entonces, sí creo que las redes y el exceso, más bien, de pantallas, de redes, me hubiera confundido más. Y no sé para dónde le hubiera dado; creo que me hubiera dado depresión y hubiera estado peor mi adolescencia”.

Los juguetes versus la tecnología

Sin intención de hacer spoilers, podemos decir que Toy Story 5 sigue siendo una película dirigida a los niños, pero quizá esta secuela también funciona como un recordatorio de los límites, los vínculos y de lo que no podrá ser reemplazado.

“Yo tengo una hija chiquita, que además está en una etapa en la que nos ha tocado a su mamá y a mí decirle: ‘A ver, espérame, esto hasta aquí es virtual, hasta acá es real”, nos cuenta Arturo Mercado Jr., la voz de Woody para Latinoamérica.

Su personaje, al igual que Buzz Lightyear, vuelve como secundario, pero como un trasfondo importante y con bromas sobre el paso del tiempo. “Hay el riesgo de que con tanta tecnología de verdad perdamos dónde está el límite de la realidad virtual y de tu realidad absoluta. Nos toca, obviamente, trabajar con todo esto y utilizar esa tecnología bien sin perder el toque humano. Es lo complicado que hay que enseñarles a las nuevas generaciones”.

José Luis Orozco, la voz de Buzz, añade: “Es importante que el ser humano en general, no pierda la creatividad, no pierda la imaginación, porque finalmente jugar en la vida es muy importante”.

¿Está implícito o explícito que, en tiempos de inteligencia artificial, el trabajo del artista no podría ser reemplazado? La actriz responde: “Yo siento que está muy directo. Es que al final somos seres humanos y necesitamos la conexión. Necesitamos tocarnos, necesitamos vernos. Y eso es lo que está en la peli, que se me hace hermosísimo”.

• Fenómeno. Toy Story 4 recaudó 238 millones de dólares en su primer fin de semana.
• Taylor Swift. Su canción para Toy Story 5, I Knew It, I Knew You, se convirtió en la canción de country más escuchada en Spotify. La película se estrena este jueves.

Cerca de la segunda vuelta presidencial, el Congreso actual, tan cuestionado por el sector artístico y por la población en general, volvió a poner en la agenda una propuesta que afectaría el desarrollo del arte en Perú. “Es excluyente”, dijo la congresista Susel Paredes sobre la creación de un Colegio de Artistas, una entidad que reuniría solo a profesionales licenciados.

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Los representantes del sector nos dicen que no se oponen a la profesionalización, pero consideran que, en medio de una crisis social y política, con los reclamos para derogar las leyes pro-crimen, debatir sobre el terreno artístico solo es la continuación de las trabas que han experimentado en los últimos años. “Es un absurdo completo. Yo creo que la mayoría de los artistas no se va a poder colegiar, ¿no? Esto tiene todo un trasfondo político”, nos responde la cineasta y miembro de En defensa del cine peruano y NUNA, Rossana Díaz Costa.

Para la directora de Un mundo para Julius, después de la promulgación de la llamada ley anti-cine, esto no es una sorpresa. La creación del Colegio de Artistas no fue consultada con el sector y fue una iniciativa de la Comisión de Educación, Juventud y Deporte, no de la Comisión de Cultura que preside Paredes. En 2025, Waldemar Cerrón expuso esta propuesta y este año, Segundo Montalvo, también de Perú Libre.

En paralelo, el gremio artístico señala que hay una estigmatización hacia ellos como consecuencia de las declaraciones de varios políticos. “Haz cine con tu plata” es una de las frases que se lee en redes sociales desde que Adriana Tudela impulsó una ley que afecta principalmente al cine regional y después de que Alejandro Cavero dijera que las películas peruanas “son muy malas y nadie las va a ver”, desconociendo los premios internacionales.

“Para toda la gente que sigue pensando que el cine se lleva el dinero que puede ir a los hospitales y a los colegios, el sector cinematográfico es uno de los sectores que más mueve la economía del país. Contrata a muchísimas personas. Entonces, eso que te da el Estado, tú lo devuelves y devuelves más. Pero lo que prima en los políticos es la ideología y una agenda de derechas que, en ese sentido, está en contra de la cultura”.

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Díaz Costa señala que si no se precisan los criterios para la existencia de un colegio, los concursos para recibir los estímulos del Ministerio de Cultura podrían verse afectados. “Estamos hablando del cine, del teatro, del fomento del libro y de la música. En general, es el mismo fondo para todas las artes. Es bien gracioso que pidan esto cuando a los congresistas no se les pide haber ido a la universidad”.

Siguiendo lo que ha sucedido con la ley de cine, aprobada por insistencia por el Congreso ante el silencio de Dina Boluarte, la cineasta cree que, en cualquier momento, podrían aprobarse leyes similares. “Se están yendo y están aprobando todo entre gallos y medianoche porque estamos distraídos con los debates y con la segunda vuelta”.

Una consecuencia de la ‘ley anticine’ se ha visto este año. Para las nominaciones a los Óscar 2026, Perú tenía a la película en quechua Kinra como una precandidata con buenas críticas en el extranjero y que había ganado el Festival de Mar del Plata. Sin embargo, por los cambios en la ley, el productor Walter Manrique declaró a La República que no recibió apoyo del Ministerio de Cultura ni de PromPerú para la campaña internacional.

“Después de la promulgación de esa ley, la gente está muy agotada con todo. ¿Cómo van a articular una censura? Hasta ahora no se sabe qué va a pasar. Lo único que ha sucedido es que la ley ha pasado al reglamento.  No sabemos si esto se va a articular a través del Ministerio del Interior o a través del Ministerio de Cultura o si van a crear algo nuevo. Yo no puedo asegurar que la creación del colegio tenga que ver con eso, pero con la oscuridad con la que se maneja el Congreso actual, es imposible saber qué hay detrás”, comenta. “Recordemos que Rosangella Barbarán, en algún momento, dijo que debía haber un militar en el jurado para asegurarse de que no haya películas que ofendan al Estado”.

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 En el balance, se suman los cambios en el Lugar de la Memoria (LUM), la cancelación de un ciclo de cine peruano y el reciente veto a la presentación del libro Mujeres migrantes maltratadas - Perú. Diez años de presencia y lucha. (Al cierre de esta edición, el ministerio apartó del cargo al director del LUM, Ramón Óscar Murillo Serna).

  “Los cineastas hemos fastidiado algo, ¿no?”, señala Díaz Costa. “Pero al final se aprobó la ley de cine y ahora están pidiendo los estímulos ya con algunos cambios. El primer cambio, por ejemplo, es este: tienes que tener el 30% del presupuesto asegurado para los que no son óperas primas. Y es que en todo lo malo que ha sucedido en el Perú, los congresistas están detrás. Todas las leyes procrimen las han firmado los fujimoristas, además. Hacerse ahora la inocente en este caso es increíble”.

“El arte puede no gustarte, pero no lo puedes censurar”

Hablamos con la actriz de teatro y televisión, Cecilia Tosso, quien es vicepresidenta de Inter Artis, la asociación encargada de proteger los derechos intelectuales de los artistas del sector audiovisual. La asociación acudió al Congreso y se pronunció en contra de la creación del Colegio de Artistas.

Entonces, si hubiera un concurso nacional de canto premiado por el Estado, varios cantantes reconocidos, digamos, Eva Ayllón o Susana Baca, no podrían ser jurados, ¿no?

Ese es un gran ejemplo. Mi adorada Cecilia Bracamonte no podría, Edith Barr tampoco. Son artistas que comenzaron cantando desde niños e hicieron una carrera. Además, ahora, mi posición frente a esto es que la colegiatura significa pagar una mensualidad. Nuestros artistas apenas pueden cumplir con la cuota para estar sindicalizados.

¿El gremio artístico se volvió incómodo para ciertos sectores de poder?

Sí, porque el gremio artístico siempre va a denunciar. A través del arte protestamos y posiblemente ni siquiera haya que salir a las calles para demostrar lo que se puede hacer. En ese sentido, no a la injerencia, no a la censura, porque el arte puede no gustarte, pero no lo puedes censurar. Veremos qué pasa.

Le digo eso porque el Congreso tuvo que retroceder luego del plantón que organizaron para defender el pago de regalías.

Fuimos muy incómodos, pero bueno, eso también estaba, si me permiten la palabra, un poco traído de los pelos, ¿no? Era un Frankenstein. De manera particular, pensaría que ahora debemos esperar cuál es el resultado de estas elecciones y ver cuántas leyes, incluso las de procrimen, pueden derogarse.

¿Cuál ha sido el desempeño de las autoridades hacia el sector en los últimos años?

Susel Paredes fue la única que se opuso (al Colegio de Artistas) y hubo unas cuantas personas que se abstuvieron de votar, pero eso fue en la Comisión Educación, Juventud y Deporte. No va a haber una Comisión de Cultura en el próximo Congreso, ¿no? Eso lo tenemos claro, pero ¡patrimonio cultural es lo que tenemos! Creo, profundamente, que ocuparse de hacer un Colegio de Artistas es no tener nada que hacer, porque las leyes que han salido de este Congreso son graves.

La producción, con una protagonista que representa a una mujer real, contradictoria e imperfecta, se convirtió en una de las mejores películas de Iberoamérica; ganó el premio del público de la Berlinale, la Biznaga de Oro del Festival de Málaga y tres premios Goya, pero también ha abierto una conversación en España. En Murcia, donde se filmó la película, ahora hay un protocolo para las mujeres sordas en los hospitales. Entrevistamos a la directora en los junkets de prensa de los Platino 2026, en México, donde cerró el viaje de la película con los premios al mejor actor de reparto y a la mejor ópera prima.

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Sorda inauguró el Festival de Cine de Lima 2025 y en tu discurso hablaste sobre la importancia del cine.

Yo lo disfruté muchísimo y disfruté el intercambio con otros cineastas. Recuerdo ver películas que me gustaron mucho, comer increíble y ya sé que eso es un lugar común, es un cliché con la comida peruana, pero tengo que decirlo porque es otro de los recuerdos (sonríe). Tuve también la suerte de ir con Álvaro Cervantes y recuerdo una organización muy cuidadosa que nos trató con mucho cariño, con mucho cuidado. Hubo mucho cuidado en la selección de películas.

La película continuó ganando varios premios. ¿Es algo que siempre espera, sueña, un cineasta sobre su ópera prima?

No, claro que no. Esta película, yo siempre digo, que se ha abierto camino de una manera muy rotunda y nos ha obligado a acompañarla y a estar ahí a la altura, pero era imposible pronosticar eso de una ópera prima y que es relativamente pequeña. También no teníamos ni idea de cómo iba a ser recibida por el público. O sea, es una película rodada en su mayoría en lengua de signos, con una protagonista sorda, con personajes interpretados por actrices y actores sordos. Ha sido una sorpresa y un asombro continuo.

¿Los subtítulos en España ya están establecidos o qué más falta?

No están establecidos como una obligación, pero ya hay cines que están programando sesiones de cine español subtitulado. Te puedo contar una que ha pasado, que es una de las que más me emociona. En la región donde se filmó la película, que es la región donde yo vivo, se ha aprobado por primera vez un protocolo para madres sordas en el parto, en los hospitales, y ha sido a raíz de la película. Entonces, se están moviendo cosas que son sumamente importantes para la comunidad sorda.

¿Qué impacto en común suele provocar en diferentes países?

Bueno, hay momentos de la película donde las madres se sienten muy identificadas, como el momento del parto. Esa escena es la única de la película que no está ficcionada, que la escribí con momentos de partos reales que me contaron madres sordas. Y, bueno, luego lo que me dicen es: “Sí, es nuestra vida”. Hay personas sordas que no se sienten identificadas y me parece lógico, porque es imposible, ¿no? Es como si yo me tuviese que sentir identificada con cualquier personaje femenino de cualquier película. Pero, en general, todas las personas sordas lo que dicen es que quieren más personajes sordos en la gran pantalla. Quieren que se multipliquen los referentes.

Claro, en los últimos años, solo CODA lideró la temporada de premios y ganó el Óscar.

Sí, no hay más. Y la cosa es que haya más y que cada personaje sordo sea diferente. Lo que quiero es que detrás de la cámara, en guion, en dirección, haya personas sordas que puedan contar sus propias historias de primera mano.

Hay otro tema interesante en el cine español: cada vez hay más directoras que son reconocidas. ¿A qué crees que se debe?

Por un lado, eso ha sido posible porque ha habido una lucha, una labor pedagógica y muchas conversaciones de las asociaciones de mujeres cineastas, fundamentalmente en España, CIMA, que es la Asociación de Mujeres Cineastas, que ha conseguido que haya medidas de acción positiva para revertir la desigualdad que hay en la industria y que las mujeres pasemos de ser, en 10 años, el 17%, a ser el 30%. Entonces, ¿qué pasa? Que, de repente, las mujeres entramos de una manera un poco más masiva y se multiplica la capacidad del cine, las historias, porque al final son miradas y sensibilidades diversas contando historias. Porque, tradicionalmente, la figura que ha contado historias, la figura del director y el guionista, era el hombre hetero, blanco, de clase media alta, cis, y, claro, hay una mirada, por así decirlo, limitada. La realidad y la sociedad son muchísimo más complejas y, para que entren sensibilidades diferentes es básico que entremos las mujeres, porque, además, no solo por el cine, sino por nosotras, porque nos merecemos contar lo que queramos contar. Tiene que haber cada vez más diversidad y que entren personas con diversidad funcional o personas con una orientación sexual diferente, para que realmente el cine sea el espejo de la sociedad que queremos que sea y no sea un espejo limitante.

Sin embargo, a pesar de las luchas, hay mujeres que no se reconocen como feministas.

Bueno, es comprensible. O sea, hay una inercia muy fuerte patriarcal que, primero, hace que quizá falte información, porque yo creo que cuando se tiene esa idea, muchas veces es porque falta información sobre por qué estamos aquí tú y yo hablando. Eso no es una concesión social; eso ha sido una lucha de mujeres feministas que han ido luchando a lo largo de las décadas para que tú y yo podamos estar hoy aquí. Pero si se desconoce esa historia...Para mí el feminismo es inteligencia, sensibilidad...Mi vida es muchísimo mejor por el feminismo.

¿Cuáles son las conversaciones familiares a partir de la película?

No tenemos (sonríe). No tenemos tiempo. Estamos desde...Estrenamos en Berlín en febrero de 2025 y yo llevo todo el año viajando. Vivimos a cuatro casas la una de la otra. He tardado dos minutos en ir a su casa y nos vemos simplemente para hacer preguntas en común de: ¿cómo estás? ¿Qué has hecho? Y me voy. De hecho, llevamos ya meses diciendo que en algún momento retomaremos nuestro vínculo como hermanas porque, al final, la película, en ese sentido, nos ha pasado por encima.

Es como un hijo para ustedes.

Es como un hijo de nosotras y has visto que cuando llega el hijo y ya desaparece la pareja (sonríe). Tal cual. Eso nos ha pasado. Ahora tenemos que volver a mirarnos y volver a tener ese vínculo de hermanas que se ha mutado a esta cosa de: “Bueno, hay que hacerlo todo por la película”.

Entonces, ¿cómo va el proceso de tu próxima historia?

Quiero hacer la película que me apetece hacer. Muchas veces me preguntan: ¿qué vas a hacer ahora después de lo bien que le ha ido a Sorda? En ese sentido, lo que ha sucedido con Sorda, estadísticamente, es imposible que se repita. Es demasiado grande lo que ha sucedido. Así que yo lo que quiero es empezar otra vez de cero, disfrutar de todo el proceso, buscar la historia que quiero contar y no sentir ningún tipo de presión por la trayectoria de Sorda. Tampoco necesito hacer muchas películas (sonríe), quiero hacer las que me toque hacer desde un lugar de mucha curiosidad hacia el mundo. Y buscar transformarme yo también a través de hacer la película, que es lo que más disfruto al final.

• Producción. Además de la investigación previa, el set contó con intérpretes de lengua de signos. El equipo recibió clases y una información de 50 páginas sobre la sordera.
• Premios Platino 2026. Eva Libertad en México, donde logró el galardón a mejor ópera prima.
• Cortometraje. La cineasta estrenó un cortometraje homónimo en 2021.

El anuncio no solo generó expectativa por el regreso de Mike Myers, Eddie Murphy y Cameron Diaz en las voces originales en inglés, y la incorporación de Zendaya, sino también por las novedades en el doblaje latino. La ausencia de Alfonso Obregón, quien durante años dio vida al ogro en español, marca un cambio significativo en la franquicia, que en 2025 causó polémica por el rediseño de sus personajes.

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Alfonso Obregón no estará en ‘Shrek 5’; Zendaya será la voz de Felicia

En el tráiler latino quedó claro que Alfonso Obregón no retomará la voz de Shrek. La producción optó por un nuevo actor de doblaje cuyo nombre aún no ha sido revelado oficialmente, pero cuya interpretación ya se escucha en el avance para América Latina. El mexicano, que en 2024 fue absuelto de una acusación de abuso sexual, había planteado varias condiciones para regresar al papel: un aumento de sueldo, asumir la dirección del doblaje y que sus créditos aparecieran destacados en la promoción de la película.

En la versión original, Mike Myers retoma el papel de Shrek; Eddie Murphy vuelve como Burro y Cameron Diaz regresa como Fiona. La gran novedad es la incorporación de Zendaya, quien presta su voz a la hija adolescente del ogro, un personaje que promete ser clave en la trama. En el doblaje latino, además del reemplazo de Obregón, se mantienen desde el inicio de la saga las voces reconocidas de Eugenio Derbez y Dulce Guerrero para Burro y Fiona, respectivamente.

‘Shrek 5’ coloca al ogro en una etapa distinta de su vida, marcada por la paternidad y los desafíos de criar a una hija adolescente que busca independencia. Sin embargo, la trama da un giro inesperado cuando Felicia, la joven heredera, desata un hechizo que transporta a Shrek y a Burro a otra época. El estreno está programado para 2027.

“La historia de Dougie y Dart es una que comprendo profundamente, la idea de que algo inmenso puede estar durmiendo dentro de ti, esperando el momento adecuado para ser liberado”, dijo el actor en una información exclusiva de Variety. “Esta es una película para cualquiera que se haya sentido ignorado, subestimado u olvidado. Me siento honrado de ayudar a dar vida a Dougie”.

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De acuerdo con la sinopsis, la película animada se centra en la historia de un trabajador  “común y corriente” en WizCorp. “Hasta que un extraño accidente despierta algo extraordinario en su nuevo aprendiz, Dart. Transformados en un poderoso dragón, Dougie y Dart descubren una verdad inverosímil: su especie fue en su día gobernante legendaria de los cielos, hasta que el despiadado mago y director ejecutivo Hex los encogió, borró sus recuerdos y robó su poder para construir su imperio. Con esta nueva verdad ante sus ojos y en sus corazones, Dougie y Dart deben encontrar el valor para alzarse, despertar a su especie y demostrar que incluso la chispa más pequeña puede iluminar el cielo”.

Shea Wageman, CEO y presidente de Icon Creative Studio, comentó lo que significa para la compañía tener en el elenco a Michael J. Fox como Dougie: “Desde el momento en que comenzamos a desarrollar este personaje, supimos que necesitábamos una voz que pudiera transmitir tanto una inmensa calidez como un espíritu inquebrantable. Michael aporta todo eso y más. Le da a Dougie un alma con la que el público de todas las edades se encariñará desde el primer fotograma hasta el último”.

El actor y activista que inspira a Hollywood

Hace poco, se supo que el personaje de Harrison Ford en la serie Terapia sin filtro de Apple TV+ estuvo inspirado en Michael J. Fox. En la tercera temporada, la producción cuenta con la participación estelar del actor. “Contagia entusiasmo y alegría, mantiene intacto su sentido del humor y siempre tiene palabras amables para todos”, dijo el actor Neil Flynn.

En el año 2000, el actor y activista fundó la organización que lleva su nombre, una iniciativa para investigar la enfermedad. Cuando subió al escenario en silla de ruedas y entregó el premio a la cinta Oppenheimer en los BAFTA 2024, fue ovacionado. En los Óscar 2022, recordó cuando le dijeron que, debido a su enfermedad, solo podría trabajar 10 años más. “Eso es lo que pasó. La parte más difícil de mi diagnóstico fue lidiar con esa certeza y la incertidumbre de la situación. Solo sabía que iba a empeorar. El diagnóstico era definitivo, el progreso era indefinido e incierto. Aquel chico que salió de Canadá convencido de que haría que cualquier cosa sucediera, al menos trabajando duro y creyendo en sí mismo, ahora tenía una gran tarea por delante”.