Este gesto conmovió al público, que respondió con una ovación que duró cuatro minutos. De acuerdo con información de 'The Hollywood Reporter', la proyección se destacó por su alta asistencia, con la famosa Croisette llena de espectadores antes de la medianoche. Diesel, quien deslumbró en la alfombra roja con un blazer adornado con pedrería y la frase 'Fast Forever', anticipó el próximo capítulo de la franquicia, cuyo estreno está previsto para el 17 de marzo del 2028.

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Vin Diesel abraza a la hija de Paul Walker

Durante la proyección, Vin Diesel volvió a tomar la palabra para rendir homenaje a su excoestrella, a quien siempre se refirió como 'Pablo'. El actor destacó su papel fundamental como el pilar emocional de toda la saga y expresó lo complicado que le resulta ver la primera película en la actualidad.

"Es tan difícil para mí verla porque hay tantos momentos en este filme que ustedes ven, que yo veo de manera diferente", confesó, visiblemente emocionado, en declaraciones citadas por Variety. Recordó una escena en particular, en la que Pablo le reveló que tenía una hija de un año mientras rodaban en un coche, un momento que marcó el inicio de una serie de recuerdos familiares.

En el escenario, Diesel estuvo acompañado por las actrices Michelle Rodriguez y Jordana Brewster, quienes han sido parte esencial de la franquicia desde sus inicios. Sin embargo, la presencia más emotiva de la noche fue la de Meadow Walker, hija de Paul Walker y ahijada de Diesel, quien se convirtió en la representante del legado de su padre durante la velada.

Por ejemplo, la literatura se ha encargado de documentar aquel periodo, y hay valiosos trabajos de ficción que lo han registrado en gran medida. Podemos decir lo mismo del teatro y las artes plásticas. Pero desde hace poco más de un lustro, es el cine el que está brindando mayores aproximaciones a lo que acaeció, tanto en ficción como en no ficción.

En el marco de la segunda edición del Festival de Cine Documental LimaDocs, dedicado íntegramente al documental, el prolífico cineasta español Luis Cintora estrenará su último trabajo, Retratos de Churcampa. ¿Cómo recordar a quien no dejó rastro?, hoy viernes 15 de mayo en Cineplanet Alcázar, a las 9 de la noche. Este es un trabajo que toca fibras profundas relacionadas con lo que tuvo que sufrir la provincia huancavelicana de Churcampa. Es especial lo de Churcampa; uno de los aspectos más conocidos de este lugar fue que allí se llegaron a instalar varias bases militares.

Uno de los protagonistas del documental es el dibujante Jesús Cossío, muy reconocido y para quien el tema de la violencia política no es nada ajeno; también el equipo de Retratos de la Memoria. Ellos cumplen una función, en la que se mezclan el dolor, la dignidad, el talento y la empatía. Buscan a los familiares que perdieron a sus seres queridos durante el conflicto para darles la oportunidad, en caso de que no tuvieran un registro gráfico de ellos, de tener un recuerdo, ya sea con dibujos o reparando fotografías si las hubiera.

El documental empieza con una toma panorámica de Churcampa. Mediante una emisión radial, escuchamos una voz que habla en quechua, la cual avisa a los churcampinos de la llegada del equipo de Retratos de la memoria a la provincia. La voz no viene con cuentos, es directa. Les dice que, si quisieran tener un recuerdo del familiar desaparecido, llevaran lo que tuvieran de él, para que el equipo de artistas los restaure o los reconfigure mediante el dibujo. Es un inicio potente, por cierto.

Cintora tiene más de diez documentales relacionados con los derechos humanos. Lo que hace en Retratos de Churcampa, aparte de dejar testimonio del trabajo de Cossío y de Retratos de la memoria, es registrar la función social que lo acompañó, como talleres, charlas informáticas y tareas de búsqueda en la exbase militar de Churcampa con la ayuda del Comité Internacional de la Cruz Roja y asociaciones de víctimas como Anfadet.

En este tipo de trabajos, el tema no solo es importante, sino igualmente el tratamiento de los mismos. En ese sentido, la luz de Retratos de Churcampa es el crisol testimonial de los hombres y de las mujeres sobre cómo perdieron a sus seres queridos. Sendero Luminoso llegó a Churcampa y se llevó a muchos jóvenes. Llegaban a los pueblos y se apoderaban de todo. Quienes se encargaban de combatirlos, como las fuerzas militares y policiales, del mismo modo cometieron abusos. En la paranoia por mostrar avances en la lucha contra el terror, los militares y policías cometieron excesos. Retratos de Churcampa busca justicia, pero sobre todo es un subrayado de la fuerza de la memoria. Hijos que desaparecieron, padres de familia que no volvieron, hermanos perdidos para siempre son los ejes principales de los testimonios. “Yo siento que mi padre está muerto, pero no siento que me ha abandonado”, dice una mujer sobre su progenitor. Los artistas escuchan y trazan las líneas de cómo era el familiar desaparecido, en lo que vendría a ser un total acto de empatía con el dolor ajeno. Pensemos en la escena en la que los familiares se encuentran en lo que fue una exbase militar; las fosas comunes se convierten, así parezca contradictorio, en metáforas de la esperanza porque los familiares buscan, más allá de justicia, darles una despedida digna.

Retratos de Churcampa se presenta en un contexto en el que la memoria de lo que pasó no solo está siendo borrada, sino subestimada por los aliados de los responsables de los crímenes. Retratos de Churcampa no existiría si hubiera habido justicia, la debida reparación y la atención del Estado. No solo es una mirada al pasado; su estreno calza con horrores recientes que tuvieron a peruanos del interior como víctimas de las fuerzas del orden; a ello sumemos la abierta intención de que las cosas queden en el terreno de la impunidad. Esperemos que el documental pueda ser exhibido en otros circuitos.

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Datos:

Trayectoria. De los documentales más saludados de Luis Cintora: Este fue nuestro castigo y Te saludan Los Cabitos.

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El actor llega a uno de los salones del Hotel Xcaret, donde está reunida la prensa internacional para participar en los junkets. Hay sets a lo largo con actrices, actores y directores respondiendo en entrevistas de 10 minutos cronometrados.

Con el mexicano, nos toca hablar en una mesa redonda con Colombia. Cruz Guerrero toma café, carga la estatuilla, pero luce como la mayoría en el hotel de la Riviera Maya: con short y sandalias. Una hora antes, estuvo entre el público en el homenaje a Guillermo Francella, quien recibió el Premio de Honor de los Platino 2026. En esa antesala, la serie recibió el premio del público.

El equipo de la serie y él agradecen a la familia que les “confiara el legado de Roberto Gómez Bolaños”. El actor es cercano y se disculpa por llegar tarde unos minutos.

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Hace poco, ejecutivos de Warner Bros. confirmaron que a la serie también le fue bien fuera de Latinoamérica. ¿Qué te ha sorprendido más de la respuesta del público?

Pues me sorprendo al leer mensajes en Instagram de gente que me escribe fuera de Latinoamérica para decirme, por ejemplo, de Bruselas o de Estados Unidos: vimos la serie Chespirito: sin querer queriendo y nos gustó mucho. Y decías: “bueno, pues tal vez con el público latino en Estados Unidos, por supuesto, habrá algo que resuene”, pero no; de repente gente, gringos que no tenían o no parece que tengan ningún vínculo con la cultura latinoamericana, y mucho menos con Chespirito, me escribían para decirme que acababan de terminar de ver la serie y que tanto ellos como sus hijos y otra generación estaban conociendo acerca de Chespirito gracias a esa serie. Y eso se siente muy bonito.

En los Premios Platino 2025, ya había expectativa e incluso te animaste a jugar fútbol como parte de la antesala...

(Ríe) ¿Te acuerdas? Ese gran episodio de vergüenza.

Bueno, después declaraste que no estabas ansioso por la expectativa porque no creciste viendo Chespirito. ¿Te funcionó como actor tener, digamos, la hoja en blanco?

Pues creo, ¿no? Porque me imagino que si yo hubiera sido el fanático de Chespirito desde niño como lo eran casi todos mis amigos, hubiera llegado yo con más temor. Hubiera llegado con más temor a: “¿cómo le hago para respetar, para hacer esto?”. De esa manera había un, por ahí, entre toda la mezcla de emociones, había también una buena dosis de indiferencia. Es decir, yo no tengo una conexión, no estoy... Vamos, si yo hubiera venido de una familia en la que tuvieran un altar de Chespirito...

O que hicieran sus bromas.

 Sí, si el altar fuera físico o verbal, habría algo que hubiera afectado mi desempeño. Una carga, una pesadumbre, como una capa más de inseguridad. Y de por sí ya tenemos todos varias (capas) de inseguridad y de indecisión para decir: “¿me estará yendo bien?”, “¿por aquí?”, “yo quiero ser el gran Roberto” o “a él lo querían mucho, entonces, me tienen que querer mucho”. O sea, hubiera tenido que hacer relaciones ociosas que no me hubieran ayudado cuando  solo leí la historia. Entonces, pensé que aquí hay un hombre que tiene como objetivo sacudirse de una solemnidad contextual que se permite y se invita a sí mismo a hacer el ridículo y que, amando a una mujer y teniendo una familia muy bonita, se enamora de otra mujer. Así lo vi. Entonces, para mí, esa era la historia. Esa era la historia humana. No que si era famoso, que si no era famoso, que si se llamaba Chespirito, que si le pusieron Shakespeare. Y todo lo demás eran ya adornos de la historia. Pero realmente lo único que me importaba era: “¿qué le está pasando a esta persona?”. Además, si los de caracterización, que son unos maestros, lograban hacerme parecer más, pues qué mejor.

Como alguien que recién profundizó en la historia de Roberto Gómez Bolaños, ¿en qué crees que radicó su éxito?

Primero, creo que su éxito radicó en su tesón en producir algo que a él le atraía, algo que le hacía reír. No se puso a producir sobre la maquinaria ya existente, sino que pidió un espacio característico de él, del mensaje que él quería decir en la forma que quería decirlo, y con la compañía de talentosas y talentosos actores que se rodeó para hacerlo. Yo creo que esa es una principal razón. Otra, el que haya roto la solemnidad en un momento de... Pues él creció en época de posguerra, ¿no? Él estaba niño en los cuarenta y veía que prender la tele, aunque era motivo de reunión familiar, era para ver noticias solemnes y conflictos del otro lado del mundo. En lugar de aprovechar ese momento de una familia reunida alrededor de una caja para reír, para compartir y para encontrar la manera de conectar con la familia. Lo que hizo fue valioso y lo hizo desde un... ¿Cómo le llamaría? Como de una atmósfera de austeridad, de sencillez. No había la gran producción, eran cosas que se resolvían en guion, se resolvían en papel, y luego se iban y se interpretaban de una manera muy cómica, muy sencilla, sin mucho truco, y creo que eso también ayudó.

Pero hay bromas por las que ahora se le acusaría de bullying, ¿no?

Puede ser, pero siempre... O sea, creo que todos los tipos de comedia tienen también temporalidad, ¿no? Hay cosas que en una época no tienen sentido, hay otras épocas en las que el mismo contenido no solo tiene sentido, sino además es cómico. Pueden pasar 100 años y es el mismo contenido, pero puede convertirse en algo nocivo, en algo incómodo y ofensivo. Vamos, todo depende de cómo vamos nosotros. El contenido se queda igual, ¿no? Se mantiene. Somos nosotros los que evolucionamos.

Y después de un personaje tan grande, ¿qué guion buscabas?

Lo que busqué casi inmediatamente fue una película de terror, que está próxima a estrenarse este año (La mujer que soñaba bajo el agua), y cualquier personaje, no es algo específico, sino es cualquier personaje que me siga mostrando ciertas facetas de mí, de quién soy, de cómo estoy compuesto. Hay ciertos elementos de mí de los que estoy consciente y otros de los que no estoy tan consciente, y a veces son esos personajes tan frontales, tan reflexivos, que me terminan mostrando mis propios sesgos. Eso es lo más lindo que encuentro en la actuación.

Estamos en un contexto violento, aun así, las producciones mexicanas, como las argentinas siguen destacando. ¿En qué momento dirías que está la televisión y el cine de Latinoamérica?

Esta es una época confusa para mí respecto a lo que desea recibir el consumidor. Y luego las métricas,  los algoritmos y los resultados que arrojan y la influencia que tienen esos resultados sobre el riesgo de producción. Creo que eso es lo confuso para mí: que estamos en un momento donde todos sabemos que necesitamos más diversidad de historias y al mismo tiempo las mismas fuentes de trabajo y producción quieren mitigar riesgos e irse a lo comprobado, probado y seguro. Ahora hay tanto, tantísimo dinero invertido en las creaciones de las plataformas y en el contenido que tiene que haber también mucha estrategia financiera detrás para mitigar esos riesgos financieros. A veces, esas decisiones terminan siendo contraproducentes para nosotros, los creativos, porque van reduciendo las capacidades de riesgo de nuestras ideas, de concretar nuestras ideas exactamente. Y, finalmente, es una plática que siempre ha habido: es el debate entre el arte y el patrocinador de aquel arte.

De acuerdo con información brindada por su hijo, Travis Gibb, al portal TMZ, el intérprete murió la noche del martes en su vivienda ubicada en Texas. El reporte señala que el actor se encontraba acompañado por sus seres queridos en sus últimos momentos. “Murió en su casa de Texas, rodeado de su familia, quienes lo amaban profundamente”, indicó.

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¿De qué murió Donald Gibb?

El actor, recordado por su participación en la saga 'La venganza de los nerds', falleció la noche del martes en su residencia de Texas, según confirmó su familia. De acuerdo con lo informado por su hijo, Travis Gibb, al portal TMZ, el deceso se produjo a raíz de complicaciones asociadas a diversos problemas de salud que enfrentaba desde hacía un tiempo.

El entorno del intérprete señaló que en sus últimos momentos estuvo acompañado por sus seres queridos, incluidos sus hijos. “Murió en su casa de Texas, rodeado de su familia, incluyendo a sus hijos, quienes lo amaban profundamente”, indicaron.

Tras conocerse la noticia, la familia difundió un comunicado en el que destacó tanto su trayectoria en la actuación como su vida personal fuera de cámaras. “Con profunda tristeza anunciamos el fallecimiento de Donald Gibb, un querido padre, abuelo, bisabuelo, hermano, tío, amigo y actor. Donald amaba al Señor, a su familia, a sus amigos y a sus fans con todo su corazón”, expresaron.

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¿Quién fue Donald Gibb?

Donald Gibb se consolidó como una figura de culto en los años 80 gracias a su interpretación de Fred 'Ogro' en la exitosa saga 'La venganza de los nerds' y sus posteriores secuelas. Su imponente presencia física, sumada a un particular sentido del humor, convirtió a ese personaje en uno de los más recordados de la franquicia cinematográfica.

Sin embargo, su trayectoria no se limitó a ese rol. Gibb desarrolló una carrera constante en cine y televisión, con participaciones en producciones de acción y comedia como 'Bloodsport', junto a Jean-Claude Van Damme; 'U.S. Marshals' y 'Hancock', entre otras.

A lo largo de su carrera, fue frecuentemente elegido para interpretar personajes de carácter fuerte o 'tipo duro', aprovechando su notable complexión física. Pese a ello, quienes compartieron rodajes con él lo describen como una persona cercana, amable y de trato sencillo fuera de cámaras, según destacan diversas publicaciones.

 El jurado de Cannes 2026, que preside Park Chan-wook, respondió sin rodeos en la conferencia de prensa. “¿No es alucinante ver cómo algunos, como Susan Sarandon Javier Bardem y Mark Ruffalo, son vetados por sus opiniones en contra del asesinato de mujeres y niños en Gaza?”, señaló el escocés Paul Laverty para luego decir: “¡Debería darle vergüenza a la gente de Hollywood que hace eso! Todo mi respeto y mi total solidaridad. Son lo mejor de nosotros, los admiro”.

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Laverty citó a Shakespeare para referirse al contexto global cuando “los locos” guían a los ciegos. “Cannes nos ha dado muchísimo, sobre todo en estos tiempos tan oscuros con el genocidio en Gaza y la violencia sistemática”.

El jurado deberá evaluar a 22 películas. Entre los nombres consagrados están: Pedro Almodóvar con Amarga Navidad y Pawel Pawlikowski con Fatherland. “El hecho de que una obra de arte tenga un mensaje político no debería hacer que se le considere una enemiga. Del mismo modo que una película que no tenga un mensaje político no significa que deba ignorarse”, comentó Park Chan-wook. “No creo que el arte y la política deban separarse”.

Consultada por la censura en Hollywood, Demi Moore respondió acerca del temor de aparecer en una ‘lista negra’: “Espero que no. Creo que parte del arte consiste en la expresión, así que, si empezamos a autocensurarnos, cerramos la esencia misma de nuestra creatividad, que es donde, en mi opinión, podemos descubrir la verdad y encontrar respuestas”.

La protagonista de La sustancia, cinta que fue aclamada en Cannes 2024, abordó el uso de la inteligencia artificial en el cine. “La IA ya está aquí, así que combatirla es, en cierto modo, librar una batalla que estamos condenados a perder. Por lo tanto, creo que encontrar maneras de trabajar con ella es un camino más valioso”. “¿Estamos haciendo lo suficiente para protegernos? No lo sé. Me inclino a pensar que probablemente no”.

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El jurado tiene a Chloé Zhao, ganadora del Óscar y una de las cineastas más importantes de la última década. Sin embargo, la organización ha tenido que responder por la falta de paridad: solo cinco directoras compiten este año. “Si dudamos entre dos filmes y uno de ellos es de una realizadora, mujer, elegiremos ese”, declaró el director del festival, Thierry Frémaux.

Juliette Binoche se pronuncia en vísperas del festival

La célebre actriz, Juliette Binoche, fue presidenta del jurado de Cannes 2025. Este año, ha participado en un pronunciamiento firmado por más 600 profesionales de la industria que alertan sobre la compra de la tercera cadena de cines más grande de Francia.

El multimillonario e investigado por corrupción, Vincent Bolloré, compraría la cadena UGC. Los artistas se oponen a ello calificando la negociación como “adquisición fascista” y “toma de control del imaginario colectivo”.

La carta fue publicada por el periódico francés Libération. Y es que Bolloré ya es propietario de Canal+ y de la filial Studio Canal.

 Actualmente, posee el 34% de la cadena de cines UGC. También posee el canal de noticias CNews, señalado por ser una plataforma para la extrema derecha. En el pronunciamiento, los artistas y técnicos reconocen que “dependen ahora del dinero de Vincent Bolloré para sus proyectos y sus salarios” de forma directa o indirecta, pero no pueden permanecer callados.

“Si bien la influencia de esta ofensiva ideológica en el contenido cinematográfico ha sido discreta hasta ahora, no nos hacemos ilusiones: no durará”, comentan sobre lo que llaman “una concentración” sin precedentes. “Total libertad para actuar cuando llegue el momento. No podremos decir que no lo sabíamos”

Roché fue toda una celebridad cultural en la Francia de inicios del siglo XX. Era periodista y coleccionista de arte; entre sus amigos cercanos estuvo Pablo Picasso. A la edad de 74 años, en 1953, Roché publicó su primera novela, 'Jules y Jim'. Esta obra, ambientada en París pocos años antes de la Primera Guerra Mundial, cuenta la historia de dos amigos, uno francés y el otro de Europa Central, que se enamoran de la misma mujer. Roché basó su relato en una historia real que vivió.

En 1953, François Truffaut era crítico de cine en Cahiers du Cinéma. Tenía 21 años y quería hacer películas. A la edad de 23 años, Truffaut leyó la referida novela de Roché. Seis años después dio el batacazo en el Festival de Cine de Cannes con 'Los 400 golpes', su primer largometraje. Truffaut, entonces de 27 años, quería llevar al cine la historia sobre los dos amigos del libro de Roché. Le había entusiasmado su estilo conciso y telegráfico. Pero aún no se sentía preparado para una historia compleja, en la que un detalle mal puesto podía llevarla a un callejón sin salida y convertirla de inmediato en un trabajo vulgar. Truffaut conoció a Roché, quien se mostró entusiasmado con la idea.

La película 'Jules y Jim', de 1962, es el tercer trabajo de Truffaut. En 1960 había estrenado 'Disparen al pianista'. Para entonces, ya se sentía listo para llevar al cine la historia de Roché; sin embargo, el escritor no pudo ver la película que dirigió en cuestión de meses. Lo que sí pudo ver Roché fue la foto de la actriz que interpretaría a su heroína: Jeanne Moreau. Tenía 34 años y más de 30 trabajos a cuestas. Ya era una estrella del cine. Moreau y los otros dos protagonistas, Oskar Werner y Henri Serre, no habían dudado en trabajar con el joven prodigio.

La película

Jules (Oskar Werner) es alemán y Jim (Henri Serre) es francés. Ambos son jóvenes e intelectuales en el París de 1912. Ni bien se conocen en una noche de bohemia, se vuelven inseparables. Van a los mismos lugares de farra, hacen ejercicio juntos y filosofan sobre la vida. En ningún momento se les ve trabajar; en otras palabras, parece que son mantenidos por sus familias. Jim es mujeriego, mientras que Jules es enamoradizo. Hasta que conocen a Catherine (Jeanne Moreau). Catherine proviene de una familia aristocrática, es culta, leída y se siente distinta a muchas mujeres. Los dos amigos conectan con Catherine, se vuelven un trío inseparable, van a la playa, pasean y discuten sus inquietudes existenciales e intelectuales. Jules se enamora de Catherine y le propone llevar una relación estable. Para entonces, sabiendo que a Jim le gusta Catherine, le pide que no se fije en ella. Es decir, que todo quede en la dimensión platónica.

El tratamiento de Truffaut es fino. Hay amor y deseo, pero solo en la sugerencia. Lo que prima es la amistad. La mejor muestra se ve cuando ambos amigos son llamados a la guerra (la Primera Guerra Mundial). Lo que ambos temen no es morir en el conflicto que los enfrenta, sino que las circunstancias los lleven a tener que matar al otro. Esa posibilidad los aterra. Después de algunos años, Jim y Jules se reencuentran. Jules y Catherine tienen una hija. Pero Jules y Catherine ya no mantienen una relación de pareja. Catherine es una mujer libre que ha tenido amantes, pero eso no es lo que aterra a Jules. Lo que lo aterra es que Catherine salga de su vida. De este modo, le da carta libre a Jim con tal de que ella no se vaya. La historia no termina bien por culpa de Jim.

Truffaut, sobre la base de esta historia, también retrata la cotidianidad de una época marcada por la alta cultura y los conflictos. En ningún momento se juzga a Catherine, por ejemplo. Lo dicho nos lleva al fragmento inicial de Roché, “respetando la peculiaridad sentimental y sexual de cada situación”. Esta mítica película tiene mucho que decir en estos tiempos marcados por la banalidad y la prisa en las relaciones. Está en Mubi.

“Me invitó a comer a un restaurante italiano en Pimlico, donde charlamos de esto y aquello hasta que sacó a relucir el verdadero motivo de su invitación”, declaró el actor X-Men y de El código Da Vinci. A fines de la década de los 80, Mc Kellen había fundado, en el Reino Unido, una organización para luchar contra la homofobia.

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 “Había oído hablar de mi trabajo para fundar Stonewall, un grupo de presión que defiende ante el gobierno y el mundo la igualdad de trato para las personas lesbianas y gays del Reino Unido ante la ley, al igual que para el resto de la población. Le pareció inapropiado que un actor se inmiscuyera en asuntos públicos o políticos y me aconsejó, casi me suplicó, que me retirara”, contó a The Guardian sobre Alec Guinness, el actor que interpretó a Obi-Wan Kenobi en la primera trilogía de Star Wars. “Un consejo de una generación anterior, que no seguí”.

El actor recordó que una década antes de lo sucedido, Guinness fue a ver una de sus obras de teatro. “Después de una representación en 1979 de Bent de Martin Sherman, el drama que educó al mundo sobre el maltrato a los homosexuales en los campos de trabajo nazis del Tercer Reich, uno de los actores más conocidos y respetados de Gran Bretaña vino al camerino. Estaba entusiasmado con la obra antes de invitarme a cenar. Estúpidamente rechacé la invitación”.

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McKellen ha recordado la conversación a raíz de un espectáculo en la que se aborda la vida de Guinness. “Todo esto me vino a la mente al ver la gira actual de Two Halves of Guinness, un espectáculo en solitario que insinúa la bisexualidad latente de Sir Alec de una manera que, supongo, le habría disgustado, a pesar de la impecable imitación de Zeb Soanes”.

No es la primera vez que el actor habla de los prejuicios y de la discriminación en Hollywood. Él considera que, sobre todo, los hombres evitan hacerlo pública su orientación sexual por temor a perjudicar sus acuerdos comerciales. El año pasado declaró: “Nunca he conocido a nadie que haya salido del armario y se haya arrepentid. Me da pena por cualquier persona famosa que sienta que no puede hacerlo. Es una tontería esconderse; no hay necesidad de ello. No escuches a tus asesores, escucha a tu corazón”.

David Bowie en el papel de Gandalf

En otro momento, el actor fue consultado por su personaje en la película El señor de los anillos. El actor Dominic Monaghan comentó que el camaleón del rock, David Bowie, fue visto en la oficina de casting.

     “Nunca he logrado convencer a Peter (Jackson) de que confirme quién rechazó el papel de mago de su vida. En cuanto a Bowie, no fue el único entre las brillantes estrellas de la música que hubiera querido tener el mismo éxito en el cine, pero nunca lo consiguió”, comentó McKellen. “A pesar de toda la familiaridad de Gandalf con la magia y lo sobrenatural, lo que más me atrajo fue la humanidad del viejo: el tipo de vagabundo peludo que uno esperaría encontrarse deambulando por los caminos y veredas de la Tierra Media. Quizás la llamativa apariencia y la voz de Bowie habrían enfatizado el lado más sobrenatural de su naturaleza y apariencia”.❖